La música en las películas de terror

En entrevista con Martha Debayle en W, Edy Lan, compositor, arreglista y cantante. Estudió en el CIEM (Centro de Investigación y Estudios de la Música), asociado al Trinity College, London. En cine ha estado involucrado en las bandas sonoras de Parallel, The Similars, México Bárbaro, The Incident, entre otros.

IG y FB: @edylancomposer // edy-lan.com

● La primera película de terror fue un cortometraje de 3 minutos llamado Le Manoir du Diable (1896), conocido en inglés como The Haunted Castle o The Devil's Castle.

● Se pensó que la película se había perdido, pero fue descubierta en 1988 en el Archivo de Cine de Nueva Zelanda.

● Drácula, 1931 (Bela Lugosi) es la primera película oficialmente reconocida como terror ya con sonido.

TOP 5 películas de terror más taquilleras de todos los tiempos

● Jaws (1975) > 1,154 millones de dólares

● The Exorcist (1973) > 996.5 millones de dólares

● The Sixth Sense (1999) > 518 millones de dólares

● Gremlins (1984) > 409 millones de dólares

● It (2017) > 330 millones de dólares

Los scores de terror y su psicología

Muchos scores de terror contienen un elemento debajo de la superficie que comunica el aspecto sobrenatural o “de leyenda” en el score. Los seres humanos somos criaturas terriblemente predecibles: nos sentimos más cómodos en una burbuja de patrones y previsibilidad.

El terror rompe con esas comodidades, las manipula, nos regresa a patrones familiares, pero luego cambia nuestras expectativas o las deforma en algo grotesco y aterrador.

Técnicas para crear suspense y terror:

1. Cambios en la música

● El ser humano está programado para saber cuándo se acerca un cambio en la música, y eso nos mantiene estables, pero los compositores de terror utilizan acordes específicamente elegidos que evitan esa previsibilidad y crean una tensión intensa, haciendo que el espectador se sienta cada vez más incómodo.

Halloween

● El famoso tema de John Carpenter para Halloween es característico por su compás de 5/4, una «métrica asimétrica»: tiene cinco pulsos en lugar de sólo un grupo de dos o de tres. Eso es poco usual, al menos para la música de cine y para la música convencional.

2. Disonancia

● Es la falta de armonía entre las notas musicales.

● En el horror, el choque de notas musicales simplemente es perturbador.

● La disonancia puede ser espeluznante, crear suspense y ser antinatural.

● El intervalo estrella es el tritono, que se conoce como «El Intervalo del Diablo» desde finales de

la Edad Media: es un intervalo musical que abarca tres tonos enteros.

● Sonidos graves y densos, disonancias y caos en las texturas evocan un sentimiento de angustia.

El Exorcista

● El compositor polaco Krzysztof Penderecki creó la banda sonora para El Exorcista (1973) que es súper experimental y cuya influencia se sigue oyendo constantemente hoy en día.

● Incluye «masas sonoras» que son una mezcla sonora completa, donde la textura y la dinámica son más importantes que el sentido de la armonía.

● No es tan tenso por sí solo, pero nos remite al imaginario de la película y al contexto religioso.

The Shining

● Directores como Kubrick usaron muchas piezas de Krzysztof Penderecki en películas, además de que compositores de cine fueron inspirados por sus texturas orquestales para desarrollar el género de terror.

● Se pueden escuchar cuerdas en clústeres, glissandos (cambio rápido y continuo de una nota a otra) y arcadas especiales (la arcada es la forma de mover el arco en algunos instrumentos de cuerda).

● Musicalizada por una pieza del compositor húngaro, Béla Bartók, se puede ver una conversación muy tensa entre Danny y Jack en donde los espectadores son testigos del efecto que el hotel está teniendo en los personajes (y en particular Jack) y les crea una sensación de inestabilidad y angustia.

● Además se pueden casi seguir los gestos de pregunta y respuesta de la conversación de los personajes, pero manifiestos en gestos musicales.

3. Stings

● Los stings son todos los factores sorpresa que se logran con una entrada súbita e intensa de la música.

Psicosis

● De 1960, con música de Bernard Herrmann, uno de los compositores de cabecera de Alfred Hitchcock.

● Aquí surge uno de los primeros ejemplos de jump scare, stinger o scare chord de la música en el cine: todos esos momentos que te hacen brincar o gritar y que van acompañados de una subida intensa en la música.

● Aquí encontramos también el icónico glissando (el cambio rápido y continuo de una nota a otra), que emula las puñaladas en la escena de la regadera.

● La música creada por Herrmann es solo para cuerdas, haciendo uso de registros extremos y arcadas con una sobrepresión en la cuerda.

● Los acordes son altamente disonantes.

● Hitchcock no quería música en la escena, pero Herrmann lo convenció después de haberla compuesto y mostrarle que eso “no era música”.

4. Música fuera de contexto

● Los espectadores de una película saben cómo termina una pieza musical, o al menos cómo sigue.

● El uso de contrastes en las composiciones crean el efecto que nos saca de la “zona segura” en la que emocionalmente nos sentimos.

The Ring (El Aro)

● Hans Zimmer, el director musical de más de 100 películas, incluyendo El Rey León, Código DaVinci, Batman The Dark Knight, Gladiador, entre muchas otras.

● Zimmer su equipo crearon un tapiz musical tenso y desconcertante para acentuar la acción en pantalla.

● Hay muchos silencios en esta película: ninguna de las escenas de acción tiene música.

● Los únicos instrumentos oscuros de esta partitura son los violonchelos y Zimmer pidió que tocaran lo más alto posible todo el tiempo.

● Zimmer fue un paso más allá para crear miedo haciendo que los músicos se sintieran incómodos tocando su instrumento de una forma a la que no estaban acostumbrados, donde cometían errores fácilmente, volviéndolos así en parte de la narrativa de la película.

● Hans Zimmer usa una inocente canción de niños en un contexto siniestro.

● Una voz semi- infantil y un tema aparentemente inocente nos da una sensación de incomodidad.

The Shining

● Penderecki usa un sintetizador y un sonido de órgano, adaptando la pieza Dies Irae, que es una melodía religiosa que se usa en la Misa de Difuntos o Misa Funeral.

● El uso de melodías religiosas siempre se relaciona con el cielo, el infierno para causar angustia.

4. Ritmo

● Los ritmos y acordes armoniosos son los que atraen porque dejan en una zona de tranquilidad emocional y que, en ocasiones, hasta llega a empatar con el ritmo cardíaco.

● En el terror estos acordes son sostenidos y se tocan con un efecto de temblor o en ritmos pulsantes, que nos recuerdan los latidos del corazón acelerado, el tic-tac de un reloj y, subconscientemente, esto se relaciona con la vida y la muerte, aumentando artificialmente el dramatismo y la tensión.

Hereditary – Ending

● Pulsos enervantes al final con disonancias y glissandos.

● Combinación de sonidos diseñados, pulsos de sintetizados procesados y sintetizadores, además de cuerdas procesadas disonantes.

● Técnicas extendidas en cuerdas.

● Todo grabado con microfonía cercana para sentirse más seco y enervante.

Jaws

● Steven Spielberg y John Williams merecen una mención por Jaws y su icónico leitmotiv.

● Representar a un monstruo con una breve idea musical nunca se ha logrado ejecutar de la misma forma.

● La tensión que aporta el tempo creciente a medida que el monstruo se acerca cada vez más.

Midsommar

● El glisse (cambio rápido y continuo de una nota a otra) de cuerdas evoca el sonido de sirenas de ambulancia.

The Containment-Hospital- de Edy Lan

● Voces y sonidos de lamento, sonidos procesados, un seca-trastes con un arco de cello.

● Voces procesadas.

El Exorcista

● Tubular Bells, el tema de El Exorcista, juega con un compás que cambia constantemente, generalmente terminando en ritmos inusuales.

● El motivo de piano que más se asocia con El Exorcista es el que abre Tubular Bells, de Mike Oldfield.

5. Contrastes de momentos de silencio, con momentos tensos

● La mezcla de silencio y los momentos de volúmen bajo es un recurso crucial para generar tensión y expectativa.

The Witch- Banished

● The Nightmare Machine: instrumento que mandó a diseñar Mark Korven (The Witch and The Lighthouse, The Black Phone y Cube), así como un coro femenino disonante y el uso de la Nyckelharpa, un instrumento tradicional de origen sueco que en español suele llamarse «viola de teclas».

The Containment – First Meet de Edy Lan

● Sonidos de voces y percusión procesadas, seca trastes con arco de cello.

● Un trío francés de mujeres haciendo técnicas extendidas y un violín grabado de muchas maneras haciendo técnicas extendidas.

● Uso de un motivo recurrente dentro de texturas disonantes y glissandos vocales.

Leer más: Jamiroquai