Betsy Curiel Gutiérrez (Cuernavaca, 1987), maestra en Conservación y Restauración por la Universidad de Barcelona, entiende la conservación como un conjunto de acciones, que van desde controlar la humedad hasta intervenir un documento para garantizar su permanencia material. No se trata del objeto en sí, sino de su capacidad de seguir conectando el pasado con el presente en un momento donde la tecnología empuja a producir más memoria pero a preservarla peor.

Conversamos con ella como parte de un trabajo especial para W Radio, explorando las vicisitudes del pasado y su relación con el presente, así como esa dimensión aún más incierta, los días del futuro, desconocidos para cualquiera que, en su momento, tomó una fotografía sin saber dónde terminaría cuando ya no estuviera aquí. Al final, uno siempre se pregunta cuánto hemos olvidado y cuánto de todo esto vamos a recordar en el futuro.

Desplazamiento necesario: del archivo institucional al archivo personal

Frente al archivo institucional, filtrado por criterios y decisiones a veces históricas, a veces políticas, el archivo personal opera sin esa depuración. No busca objetividad, sino que acumula de manera casi natural. Documentos, cartas, fotografías, rastros de existencia atravesados por afectos y unos cuantos hábitos, un recuerdo distante, por qué no. Aquello no responde a una lógica histórica, sino a una pulsión humana por evitar la pérdida.

Ese desplazamiento hacia lo íntimo se vuelve más visible en la era digital, donde la sobreproducción diluye la selección. Se guarda todo y, en ese exceso, se pierde el criterio. La paradoja de entre más registro, más riesgo de desaparición.

Los retratos lo sintetizan. Son registros de existencia, pero también capas de información. Son contexto, uso, desgaste. Una fotografía doblada o manipulada no pierde valor; lo adquiere. Su deterioro forma parte de su historia y la distingue de cualquier copia digital.

A diferencia de los documentos oficiales, los archivos personales conservan fragmentos menos depurados, más cercanos a la experiencia. De ahí su peso en la historia. Por ejemplo, sin cartas o diarios, buena parte de lo que se sabe sobre Vincent van Gogh se quedaría en la sombra; su intercambio epistolar con Theo no solo documenta su obra, también la articula.

Pero esa cercanía es también su fragilidad. Sin estructuras de resguardo, su destino depende de vínculos y decisiones ajenas. Muchos desaparecen. No por descuido, sino por desconexión.

Elegir permanecer en el tiempo

Antes de cualquier técnica, Betsy insiste en un punto: saber qué se tiene. Reconocer, ubicar, entender un archivo. Sin eso, no hay conservación posible. Y en lo digital, el problema se agrava. Los formatos obsoletos, dispositivos que ya no leen, se convierten en pérdidas totales sin respaldo. Digitalizar no basta; elimina, además, la materialidad que también significa.

Ahí se sitúa el Taller Archivo Personal como una práctica accesible, no como especialización cerrada. La premisa es directa, de que todos tienen un archivo personal y todos deberían poder conservarlo. No importa la escala, sino la relación con lo que se guarda.

Ordenar un archivo no es solo clasificar, es construir sentido. Activar historias, muchas veces fragmentarias, que dependen también de lo intangible, de la narración que acompaña a las imágenes y que es, casi siempre, lo primero en perderse.

El trabajo de Betsy Curiel replantea el archivo personal como un acto de elección, no de acumulación: cualquiera tiene uno y debería poder conservarlo, no por nostalgia, sino para sostener, con sus pérdidas, una vida.

La apuesta no es técnica ni nostálgica. Es devolver a cada quien la capacidad de decidir qué permanece. Porque conservar, al final, no es guardar, es elegir. Y en esa elección se fija una forma de estar en el tiempo.

Y aunque hay muchísimas actividades, algunas ya destacan por su originalidad, ambiente y potencial para llenarse. Aquí te dejamos 5 planes que sí o sí están jalando público para la noche de museos de marzo 2026.

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Noche de Museos marzo 2026: Homenaje a Juan Gabriel

Uno de los eventos más buscados será el tributo musical a Juan Gabriel, donde una banda interpretará sus canciones más icónicas en un formato en vivo. Este tipo de shows suele atraer muchísimo público porque mezcla música, nostalgia y ambiente nocturno dentro de espacios culturales, algo que no se vive todos los días.

• ¿Dónde? Museo Yancuic, en Iztapalapa
• ¿Cuándo? 25 de marzo 2026
• ¿A qué hora? A partir de las 5 PM
• Costo: GRATIS

Noche de Museos marzo 2026: Música y conciertos en vivo

Desde indie rock hasta rap y propuestas más alternativas, varios espacios como centros culturales y FAROs tendrán música en vivo durante toda la noche.

El Centro Cultural Futurama y otros recintos ofrecerán conciertos gratuitos con cupo limitado, lo que los convierte en uno de los planes más buscados por jóvenes.

• ¿Dónde? Centro Cultural Futurama, G.A.M
• ¿Cuándo? 25 de marzo 2026
• ¿A qué hora? A partir de las 5
• Costo: GRATIS

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Noche de Museos marzo 2026: Experiencia sensorial con chocolate

Uno de los planes más originales es el del Museo del Chocolate (MUCHO), que combina taller, cata y música en vivo. Aquí puedes aprender sobre el cacao, probar distintas preparaciones y cerrar con un concierto, todo en una experiencia más íntima y diferente.

• ¿Dónde? Museo del Chocolate, Cuauhtémoc
• ¿Cuándo? 25 de marzo 2026
• ¿A qué hora? A partir de las 5PM
• Costo: $85 por persona

Noche de Museos marzo 2026: Moda Méximalista

Muchos museos ofrecerán visitas guiadas especiales, algunas con temáticas poco comunes como historias de amor en la Revolución o recorridos dramatizados. Ahora es el turno del Franz Mayer para enseñarnos sobre el por qué el maximalismo comienza a ponerse en tendencia como una forma de protesta.

• ¿Dónde? Museo Franz Mayer, Cuauhtémoc
• ¿Cuándo? 25 de marzo 2026
• ¿A qué hora? A partir de las 6PM
• Costo: $130 por persona (incluso puedes aprovechar el 2x1 si llegas con tu outfit méximalista)

Noche de Museos marzo 2026: Visitas culturales guiadas

En espacios como el Museo Nacional de Culturas Populares habrá un recorrido cultural para reflexionar sobre los oficios que existen en el país. Estos eventos combinan la cultura con información para reflexionar sobre nuestro contexto actual como sociedad.

• ¿Dónde? Museo Nacional de Culturas Populares, Coyoacán
• ¿Cuándo? 25 de marzo 2026
• ¿A qué hora? A partir de las 6PM
• Costo: GRATIS

¿Por qué la Noche de Museos se está volviendo el plan más viral en CDMX?

Más allá de ser un evento cultural, la Noche de Museos se ha convertido en un fenómeno en redes. La combinación de eventos gratis, experiencias diferentes y spots “instagrameables” ha hecho que cada edición atraiga a más jóvenes.

Además, el hecho de que ocurra de noche cambia totalmente la experiencia: los museos se sienten más relajados, más vivos y mucho más atractivos para quienes normalmente no los visitan.

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Durante décadas, Banksy ha mantenido el anonimato mientras sus obras críticas al poder, la guerra y el consumismo, aparecen en distintas ciudades del mundo. Así que si quieres saber si esta información es real o no, te dejamos todos los detalles al respecto sobre la verdadera identidad de Banksy.

¿De dónde salió el rumor de la identidad de Banksy?

Una investigación reciente de Reuters señala que Banksy sería en realidad Robin Gunningham, un hombre originario de Bristol, Inglaterra.

Según el reportaje, el equipo periodístico analizó documentos judiciales, registros de viajes, testimonios y fotografías y un arresto ocurrido en Nueva York en el año 2000. En ese caso, una persona identificada como Gunningham firmó una confesión por intervenir un anuncio publicitario, lo que se convirtió en una de las piezas clave para relacionarlo con Banksy.

Además, se señala que el artista habría cambiado su nombre legal a David Jones para mantener su anonimato. Uno de los nombres más comunes en Reino Unido.

¿Está confirmada la identidad de Banksy?

A pesar del impacto de la investigación, la identidad de Banksy no ha sido confirmada oficialmente.

El equipo legal del artista ha cuestionado varios puntos del reportaje y ha advertido que revelar su identidad podría poner en riesgo su seguridad. Además, el propio Banksy nunca ha confirmado públicamente su nombre real, lo que mantiene el misterio intacto.

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¿Por qué Banksy sigue siendo un fenómeno global?

Desde obras como Girl with Balloon hasta intervenciones en zonas de conflicto, Banksy se ha convertido en una de las figuras más influyentes del arte contemporáneo.

Su trabajo combina crítica social, humor y arte urbano que se puede interpretar por cualquiera. Y aunque su identidad sigue sin confirmarse oficialmente, el debate sobre quién es realmente solo ha aumentado su impacto cultural.

Lo mejor de este festival, es que es gratuito y reunirá actividades para todas las edades, desde artísticas, científicas y educativas. Así que si te interesa el cuidado del agua, te dejamos cómo va a estar este evento en la capital.

¿Cuándo empieza Aquïfera, el Festival del Bosque de Chapultepec?

De acuerdo con información difundida sobre el evento, el festival se llevará a cabo del jueves 2 al domingo 5 de abril de 2026, coincidiendo con el periodo vacacional de Semana Santa. Durante estos cuatro días, distintos espacios del Bosque de Chapultepec se convertirán en escenarios para actividades culturales, artísticas y educativas que buscan acercar a las personas a la naturaleza.

El festival forma parte de una serie de ediciones temáticas que se realizan desde 2022 para promover el conocimiento ambiental y científico a través del arte y la cultura.

¿De qué trata Aquïfera 2026?

La edición 2026 estará centrada en el agua como elemento vital y como parte de la historia de la Ciudad de México. Aquïfera, busca generar conciencia sobre temas como:

• El uso responsable del agua
• La relación histórica entre la ciudad y sus lagos
• El impacto ambiental de su consumo
• La importancia de preservar los ecosistemas acuáticos

La temática también se inspira en la relación ancestral de la región con el agua, ya que la capital mexicana se desarrolló sobre un antiguo sistema de lagos.

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¿Qué actividades habrá en el festival Aquïfera?

Aunque el programa completo aún no se ha publicado, en ediciones anteriores, el festival ha incluido:

• Talleres ambientales y científicos
• Charlas con especialistas
• Rxposiciones artísticas
• Conciertos y presentaciones culturales
• Recorridos guiados por el bosque
• Experiencias interactivas para niñas y niños

Además, se instalan figuras monumentales e instalaciones artísticas relacionadas con la temática del año, que se convierten en puntos muy populares para fotografías entre los visitantes.

¿Cuánto cuesta entrar al Festival del Bosque de Chapultepec?

Una de las ventajas del evento es que las actividades son gratuitas, lo que lo convierte en una opción popular para familias y visitantes durante las vacaciones de primavera.

Cada año el festival reúne miles de personas que recorren las instalaciones, participan en talleres o simplemente disfrutan del ambiente cultural al aire libre.

¿Por qué importa el festival en el Bosque de Chapultepec?

El Bosque de Chapultepec ha sido históricamente uno de los sitios más importantes para el abastecimiento de agua en la ciudad desde tiempos prehispánicos. En la época mexica, los manantiales de Chapultepec eran una de las principales fuentes de agua dulce que abastecían a Tenochtitlan, incluso mediante acueductos que transportaban el recurso hacia la ciudad.

Por ello, el festival busca conectar historia, naturaleza y conciencia ambiental en uno de los espacios verdes más emblemáticos de la capital.

Por lo que en este 8M que se conmemora el Día Internacional de la Mujer, te dejamos un listado para recordar a todas las mujeres que fueron indispensables para el país.

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8M: ¿Qué mujeres en México marcaron la historia?

Es bien sabido que en México, se está viviendo un hecho histórico para las mujeres en el momento en que por primera vez una presidenta está dirigiendo el país.

Asimismo, han existido muchas mujeres que han marcado la historia del país y que han hecho un cambio significativo para que el contexto actual se viva como hasta el momento. Así que te dejamos un listado con motivo del 8M para que recuerdes a las mujeres en México que han hecho historia

• Sor Juana Inés de la Cruz (1648 - 1695)

Considerada como la figura literaria más importante de la colonia en América Latina, fue una de las primeras mujeres mexicanas en defender los derechos del sexo femenino.

Fue una gran escritora y luchar por la educación femenina le dio un reconocimiento desde que estaba dedicada a sus creencias religiosas.

• Josefa Ortíz de Dominguez (1768 - 1829)

La “Corregidora” fue una figura clave en la independencia de México, destacándose por su papel fundamental como mujer en una época donde las mujeres tenían un rol limitado en la esfera pública.

Con su participación en el movimiento independentista, Josefa desafió las normas patriarcales, pues a pesar de todo el contexto masculino que abarcaba, demostró resistencia y compromiso con la justicia que hizo replantear la legislación de México.

• Leona Vicario (1789 - 1842)

Fue una mujer valiente y decidida que, rompió con las convenciones de su tiempo al luchar activamente por la libertad de su país.

Su participación en la lucha de la independencia, resalta no solo como informante, sino también como financista y mensajera de los insurgentes. Ella demostró la valentía, inteligencia y la capacidad de resistencia no tienen género.

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• Juana Belen Gutiérrez de Mendoza (1875 - 1942)

Juana fue una destacada luchadora social y feminista que, a lo largo de su vida, rompió con los moldes de su tiempo al alzar la voz contra la opresión y la injusticia en México.

Su participación en la Revolución Mexicana y su activismo en defensa de los derechos de las mujeres y los obreros, la posicionaron como una figura clave en la lucha por la igualdad de género.

Por otro lado, su postura política y su trabajo como periodista, cuestionaron el sistema patriarcal al visibilizar las problemáticas sociales y económicas que afectaban tanto a las mujeres como a las clases trabajadoras, demostrando que el género femenino puede ser agente del cambio social y político.

• Carmen Mondragón (1893 - 1978)

Mejor conocida como Nahui Ollin, fue una artista y escritora mexicana que, rompió con las convenciones sociales al ser una mujer independiente y audaz

Sus obras estaban cargadas de simbolismo y modernidad, exploró temas considerados tabú en su momento, tales como la sexualidad, la identidad y la libertad femenina. Nahui no solo fue una mujer innovadora, sino también una chica que se atrevió a vivir bajo sus propios términos, desafiando las expectativas sociales para la época.

Como dato interesante, fue pareja de Dr. Atl con quien vivió una relación un tanto turbia. El pintor en distintas ocasiones la trataba mal debido a sus celos por su gran talento, sin embargo, actualmente se le reconoce más a ella por su diversidad que solo pintar volcanes. Asimismo, Nahui Ollin fue de las primeras mujeres en estar afiliada al Sindicato de Obreros Técnicos, Pintores y Escultores.

• Amparo Ochoa (1946 - 1994)

Amparo Ochoa fue una cantautora mexicana cuya música se convirtió en un poderoso vehículo de denuncia social y política, destacándose por su lucha a favor de los derechos de las mujeres y las causas sociales.

Su trabajo abordó temas como la injusticia social, la opresión y la búsqueda de la igualdad de género. A través de sus canciones, no solo visibilizó las luchas sociales, demostrando que la cultura y el arte pueden ser herramientas de protesta y exigencia contra un sistema capitalista y patriarcal.

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• Rosario Castellanos (1925 - 1974)

Fue una de las escritoras y pensadoras más influyentes de México, cuya obra abordó las desigualdades de género y las injusticias sociales.

Los escritos de su autoría, cuestionaron las estructuras patriarcales que oprimían tanto a las mujeres como a los pueblos indígenas, visibilizando las luchas de ambos grupos. A través de sus obras, reflexionó sobre el lugar subordinado de la mujer en la sociedad y luchó por su dignificación.

Sus obras trascendieron a pesar de toda las dificultades que vivió con su ex esposo quien era filósofo, pero gracias a esos sucesos, Rosario Castellanos logró brillar aún más por sus denuncias ante dicho sistema.

• María del Pilar Roldán (1939 - actualidad)

Es una esgrimista mexicana que fue la primera mujer mexicana en ganar una medalla olímpica. Ha sido una atleta que practica esgrima y que representa a una de las mujeres que rompió con los estereotipos en el deporte.

Su éxito y dedicación han sido un ejemplo de la capacidad de las mujeres para destacar en disciplinas que, fueron vistas como exclusivas para hombres, promoviendo la igualdad de oportunidades en el mundo del deporte que aún sigue siendo dominado por hombres.

• Raquel Dzib Cicero (1882 - 1945)

Maestra, política y feminista mexicana. Gracias a su introducción a la política, fue precursora del voto femenino además de ser una de las tres primeras mexicanas en ser votadas y elegidas para ocupar la Legislatura Local.

Por otro lado, fue fundadora del Partido Socialista del Sureste y miembro del Jurado de Honor y Justicia del SNTE.

Como dato curioso, con la muerte de Felipe Carrillo Puerto, ella y las mujeres se alejaron de la política, además, las mujeres perdieron la posibilidad no oficial de poder votar. Sin embargo, ellas sentaron el precedente para que fuera otorgado el voto femenino en 1953.

• Aurora Reyes (1908 - 1985)

Aurora Reyes fue una pintora y muralista mexicana que, formó parte de dicho movimiento mexicano, una corriente completamente masculino.

Utilizó su obra para abordar temas de justicia social, derechos humanos y la representación de la mujer en la historia. Luchó contra los tres íconos del muralismo ya que, los tres personajes principales, estaban aterrados de lo bien que pintaba ella y lo clara que podía llegar a ser en sus obras de arte, tanto que todas las personas que volteaban a ver sus murales, entendían a la perfección sus referencias, cosa que ellos no pudieron hacer.

Cuestionó las estructuras patriarcales, abogando por la equidad de género y el empoderamiento femenino.

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8M: Las 10 mujeres que marcaron la historia en el mundo

En el marco del 8M, es importante recordar que muchas mujeres no se nombraron en sus inventos, arte, y pasiones por cuestiones del contexto, aún en este siglo sigue pareciendo que nada ha cambiado, sin embargo, si miramos hacia atrás, se puede ver cuánto se ha avanzado en el mundo femenino.

Y aunque actualmente falte mucho para poder ser un mundo equitativamente correcto, en este listado se pretende reconocer a algunas de las tantas mujeres que le dieron al mundo innovación, exigencia y justicia.

• Marie Curie (1867 - 1934)

Marie Sklodowska Curie, mejor conocida como Marie Curie, fue pionera en la investigación de la radiactividad y se convirtió en la primera docente mujer en la Universidad de París.

También, descubrió (junto con su esposo) dos elementos radioactivos, el polonio y el radio. Asimismo, llevó a cabo una investigación extensa sobre la radioactividad, estudiando las propiedades de los elementos radioactivos y sus aplicaciones en la medicina.

Fue la primera mujer en ganar un Premio Nobel de la Paz que no sólo ganó uno, sino es la única persona en ser galardonada con dicho reconocimiento dos veces.

• Virginia Woolf (1882 - 1941)

Adeline Virginia Stephen, fue una novelista, ensayista y crítica literaria. Fue la primera mujer que se atrevió a escribir sobre las injusticias sexuales, políticas e intelectuales que las mujeres experimentaban en su época.

Destacó por poner a las mujeres como el personaje principal de cada novela, ensayo o crítica que escribía y en total, publicó 9 novelas y 10 colecciones de cuentos, así como también muchos libros de no ficción.

Formó el grupo de Bloomsbury y poco después, sus palabras se fueron convirtiendo en una crítica social, política y económica destacada, llegando así a ser una de las inspiraciones más importantes para el Movimiento Feminista Liberal Sufragista.

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• Coco Chanel (1883 - 1971)

La famosísima Coco Chanel, fue nada más y nada menos que la fundadora de la marca de alta costura Chanel. Ella, además de ser un ícono de la moda, logró obtener una marca que le gustara tanto a las élites como a las masas en general.

Gracias a su rápido aprendizaje sobre la costura y la moda, así como su facilidad para las relaciones públicas, la convirtieron en la diseñadora de modas que democratizó el estilo con prendas que ajustaban a cualquier chica.

Como dato interesante, es la única diseñadora de moda que figura en la lista de las cien personas más influyentes del siglo XX de la revista Time.​

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• Amelia Earhart (1897)

Amelia fue profesora, conferencista y pionera de la aviación estadounidense. Ella fue la primera aviadora en volar sola en el océano Atlántico.

Su amor por los aviones surgió cuando acudió a una exhibición de acrobacias aéreas y el piloto, Frank Hawks la invitó a volar a bordo de su avioneta.

En 1935, fue la primera en volar en solitario desde la Ciudad de México hasta Nueva York. Sin embargo, para 1937, quería ser la primera mujer en volar sola, pero desafortunadamente, el mal clima, hizo que la aeronave se cayera y nunca se supo dónde se encontraba ella.

• Frida Kahlo (1907 - 1954)

Una de las artistas más importantes de México y que ha sido reconocida mundialmente es la pintora y artista Frida Kahlo. Ella, usaba su arte para expresar todas las emociones que se le dificultaban hablar.

Aunque nunca mencionó ser feminista o no, marcó una gran diferencia entre el mundo artístico mexicano que en ese momento estaba dominado por hombres.

Actualmente, se puede ver su rostro en cualquier lugar del mundo, haciendo referencia a sus magníficas obras pintorescas.

• Malala Yousafzai (1997 - actualidad)

La activista pakistaní Malala, es mundialmente reconocida debido a su lucha incesante por la educación y los derechos de las niñas.

Malala comenzó a ganar popularidad gracias a que a sus cortos 12 años, escribía en secreto en un blog en el que denunciaba las injusticias que vivía en su país.

En 2011, con tan solo 15 años, se convirtió en la persona más joven en recibir el premio Nobel de la Paz. Su lucha sigue persistiendo después de casi 10 años de comenzarla y es un ejemplo de que las niñas pueden ser conscientes de la realidad en la que viven.

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• Judith Butler (1956 - actualidad)

Una de las mujeres que más ha alzado la voz en la academia actualmente es Judith Butler. Es una filósofa neomaterialista y posestructuralista; ha realizado importantes aportes en el campo del feminismo, la filosofía política, ética y la sociología.

Ha sido una de las teóricas más importantes para estudios sobre el feminismo, la teoría queer y estudios de género, todo siempre desde una perspectiva social y marxista.

• Ana Bolena (1501 - 1536)

La reina consorte de Inglaterra, esposa de Enrique VIII, es un ícono debido a que los historiadores cuentan, durante su estadía en el reino, ella era quien decidía cómo se harían las cosas políticamente hablando.

Madre de Elizabeth I, promovió la reforma de la iglesia en un contexto donde éste poder, requería más libertad. Es conocida por su trágica muerte y sus falsas acusaciones.

• Rosalind Franklin (1920 - 1958)

La química y cristalógrafa británica cuyo trabajo fue fundamental para comprender la estructura molecular de distintos ácidos, virus, el carbón y el grafito.

Su contribución fue descubrir la estructura de la doble hélice del ADN, por lo cual sus colegas le dijeron que habría descubierto el secreto de la vida misma.

• Ada Lovelace (1815 - 1852)

Considerada como la primera mujer programadora computacional en un mundo de hombres.

Nació a principios del siglo XIX y tenía una fascinación con la ciencia, y las matemáticas que desafiaron las expectativas no solo de sus clases, sino de su género en la época que vivió.

Desafortunadamente, solo ha sido reconocida póstumamente.

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Friedeberg ha sido considerado un artista irrepetible por su imaginario visual, marcado por la geometría obsesiva, la ironía estética y una profunda influencia del surrealismo. A lo largo de más de seis décadas de trabajo, su obra transitó entre la pintura, el diseño, la escultura y la arquitectura imaginaria, consolidando un estilo inconfundible que lo convirtió en una figura de culto dentro del arte moderno.

En distintas exposiciones y retrospectivas, su trabajo fue celebrado por su capacidad de mezclar referencias religiosas, simbología esotérica y estructuras arquitectónicas imposibles. Ese lenguaje visual, tan meticuloso como provocador, lo colocó como una de las voces más singulares dentro del panorama artístico mexicano del siglo XX y principios del XXI.

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Quién era Pedro Friedeberg

Nacido en 1936 en Florencia, Italia, Friedeberg llegó a México siendo niño cuando su familia judía huyó de Europa durante la Segunda Guerra Mundial. Se formó como arquitecto en la Universidad Iberoamericana, aunque pronto encontró en las artes visuales el espacio donde desarrollaría su universo creativo.

Su carrera despegó en la década de 1960, cuando comenzó a experimentar con estructuras visuales complejas, repetición de patrones y composiciones cargadas de simbolismo. Entre sus obras más conocidas destaca la famosa “Hand Chair” o silla-mano, una escultura convertida en icono del diseño artístico del siglo XX.

A lo largo de su trayectoria participó en exposiciones internacionales y su obra pasó a formar parte de colecciones en museos y galerías de Europa, Estados Unidos y América Latina. En 2012 recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes, uno de los reconocimientos más importantes otorgados por el Estado mexicano a figuras destacadas de la cultura.

Con su muerte, el arte mexicano pierde a uno de sus creadores más excéntricos y originales, un artista que convirtió la geometría, el simbolismo y la imaginación arquitectónica en un lenguaje propio que marcó a varias generaciones de creadores. Su obra permanece como testimonio de una visión estética única dentro del surrealismo contemporáneo.

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Te dejamos todos los detalles si quieres visitar la exposición, te dejamos toda la info a continuación.

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¿Qué podrás ver en la exposición de Frida Kahlo en el Museo de Arte Moderno?

La exposición reúne un total de 68 piezas (de las cuales 27 cuentan con declaratoria de Monumento Artístico) que reflejan diversas etapas del arte moderno mexicano del siglo XX. Entre las destacadas se encuentran:

• Autorretrato con collar (1933) y Diego en mi pensamiento (1943) de Frida Kahlo.
• Obras de Diego Rivera que capturan escenas populares urbanas y rurales.
• Pinturas de José Clemente Orozco, Rufino Tamayo, María Izquierdo y Gunther Gerzso, entre otros.

Además del valor artístico, estas piezas representan el diálogo entre tradición, modernidad y identidad cultural, y muchas de ellas forman parte de la historia del arte plástico mexicano, preservadas y difundidas gracias a la colaboración entre el MAM, el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) y la Fundación Banco Santander.

¿Cuándo y cuánto costará ver la exposición de Frida Kahlo en el Museo de Arte Moderno?

La muestra, que estará abierta al público desde el 17 de febrero hasta el 17 de mayo de 2026, representa uno de los eventos culturales más relevantes del año en la capital, ya que reúne obras que no se habían visto en el país desde hace 20 años, antes de iniciar su itinerancia internacional programada por la Colección Gelman Santander.

• ¿Dónde?: Museo de Arte Moderno (MAM), en el Bosque de Chapultepec
• ¿Cuándo?: Del 17 de febrero al 17 de mayo de 2026
• ¿Cuánto cuesta?: Entrada general de $95 y domingos entrada libre

Esta exposición es una oportunidad única para contemplar obras de Frida Kahlo que fueron clave y han influido en generaciones de artistas y que forman parte indispensable del patrimonio cultural del país.

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¿Cómo se eligió y conservó este acervo?

Un aspecto poco reportado es el proceso técnico y de conservación que hizo posible esta exhibición tras 20 años fuera de las salas mexicanas. La Colección Gelman Santander no solo permaneció guardada, sino que fue revisada cuidadosamente por especialistas del Centro Nacional de Conservación y Registro del Patrimonio Artístico Mueble (CENCROPAM) para garantizar condiciones óptimas de exhibición.

Esto incluyó tratamientos especiales de conservación preventiva y adaptación de obra para asegurar que los óleos y acuarelas, algunos extremadamente sensibles a la luz y humedad, puedan mostrarse sin riesgo de daño.

Además, la incorporación de obras que se sumaron con el tiempo (ampliando el acervo original recolectado por Jacques y Natasha Gelman) requirió un análisis de proveniencia y autenticidad para inscribir formalmente las piezas como parte de la colección que ahora retorna al público mexicano.

Este museo será una apuesta clave para posicionar a la capital mexicana como un centro de cultura digital y científica, sumándose a otros espacios emblemáticos del antiguo camino cultural de Chapultepec, como museos de arte, historia y naturaleza.

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¿Qué ofrecerá el Museo de Tecnología MUNET?

MUNET (Museo Nacional de Energía y Tecnología) fue concebido como una plataforma donde los visitantes pueden:

• Explorar exhibiciones interactivas sobre innovación
• Conocer la evolución de dispositivos y sistemas tecnológicos
• Participar en talleres prácticos y demostraciones
• Vivir experiencias inmersivas con realidad virtual y simuladores
• Descubrir cómo la tecnología transforma sectores como la salud, educación, transporte y comunicaciones

Espacios pensados para estudiantes, familias, profesionales y curiosos permitirán relacionar conceptos complejos de ciencia y tecnología con ejemplos tangibles del día a día. La intención es que el aprendizaje se dé de forma lúdica y memorable, y que cada generación de visitantes pueda encontrar un vínculo directo con los avances que observan en su entorno.

¿Por qué un museo de tecnología es clave para la CDMX del futuro?

Más allá de ser un atractivo cultural, MUNET tiene un papel estratégico en el ecosistema educativo y de innovación de la Ciudad de México. La tecnología no solo impulsa industrias; modifica patrones de empleo, formación profesional y competencias laborales. En este sentido, un museo como MUNET puede funcionar como un puente entre la educación formal y las demandas del mercado laboral tecnológico, ayudando a que estudiantes y jóvenes visualicen trayectorias profesionales reales en disciplinas como programación, robótica, biotecnología o ingeniería digital.

Además, al ubicarse en Chapultepec, uno de los espacios públicos más visitados del país, MUNET tendrá la ventaja de atraer tanto a residentes como a turistas nacionales e internacionales, posicionando a la capital como un destino educativo y tecnológico al mismo nivel que otros museos similares alrededor del mundo.

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¿Dónde estará y cuándo abrirá?

El museo se construirá en una zona accesible del Bosque de Chapultepec, con conectividad a través del transporte público, ciclovías y rutas peatonales. Aunque aún no se ha confirmado una fecha exacta de apertura, las autoridades culturales han adelantado que el proyecto avanzará a lo largo de 2026 con planes de recibir a sus primeros visitantes a finales de año, con inauguraciones de salas temáticas programadas por fases.

La construcción y curaduría del MUNET involucra colaboración entre instituciones públicas, organizaciones educativas y referentes del sector tecnológico, con el objetivo de garantizar un contenido actualizado, riguroso y atractivo para públicos amplios.

Así que si quieres saber más al respecto, te dejamos toda la historia detrás de esta fecha tan importante como lo es el 8M, por lo que te dejamos todos los detalles.

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¿Cómo comenzó la lucha en el 8M?

El 8M no nació como una celebración, sino como una jornada de protesta vinculada a movimientos obreros femeninos del siglo XIX y principios del XX. Mujeres trabajadoras exigían mejores condiciones laborales, jornadas más justas y el derecho al voto en un contexto de profunda desigualdad social e industrial.

Uno de los antecedentes más citados ocurrió en 1908, cuando trabajadoras textiles en Nueva York, realizaron huelgas para denunciar salarios bajos y condiciones precarias. Años más tarde en 1910, durante la II Conferencia Internacional de Mujeres Socialistas en Copenhague, la activista alemana Clara Zetkin, propuso establecer un día internacional para reconocer la lucha de las mujeres por sus derechos políticos y laborales.

Finalmente, la propuesta fue aprobada y comenzó a conmemorarse en distintos países europeos. Con el paso del tiempo, la fecha del 8 de marzo quedó vinculada también a manifestaciones de mujeres en Rusia en 1917, quienes exigían pan y paz en medio de la guerra y crisis económica.

Pero no fue 1975, la Organización de las Naciones Unidas (ONU) oficializó el 8 de marzo como el Día Internacional de la Mujer, consolidándolo como una fecha global de reflexión y acción.

¿Por qué el 8M sigue siendo una fecha de protesta?

Aunque han pasado más de 100 años desde sus primeras manifestaciones, el 8M continúa siendo un día de movilización en distintas partes del mundo. En países como México, Argentina, España y Francia, millones de mujeres marchan cada año para exigir justicia frente a la violencia de género, equidad salarial y políticas públicas con perspectivas de género.

El origen del 8M está profundamente vinculado a la protesta social, por lo que su esencia sigue siendo la acción colectiva y la exigencia de derechos. Por lo que la fecha no es para felicitar, es para reflexionar sobre las desigualdades estructurales y visibilizar la deuda histórica que el mundo tiene con las mujeres, ir contra el sistema del patriarcado que sirve para el capitalismo y que el mundo “funcione correctamente”.

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Este programa (que se celebra regularmente el último miércoles de cada mes) ofrece acceso extendido a museos, exposiciones, actividades y eventos artísticos, promoviendo la participación de públicos de todas las edades y consolidándose como una de las iniciativas culturales más queridas de la agenda capitalina.

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Actividades para la Noche de Museos febrero 2026

Las luces se apagan en las calles, pero se encienden en los museos. La Noche de Museos febrero 2026 transforma una vez más la rutina capitalina en una experiencia cultural fuera de lo común, con recintos que extenderán su horario para ofrecer recorridos especiales, conciertos, visitas guiadas y actividades nocturnas.

Te dejamos 5 actividades imperdibles para esta noche cultural que seguro te divertirán con tu mejor compañía.

• Noche de Museos febrero 2026: Museo Mural Diego Rivera

Si lo que te gusta es dialogar con el arte y la historia en una de las casas más emblemáticas del muralismo. Por lo que esta noche te invita a la reflexión visual y memoria histórica.

La cita es en el Museo Mural Diego Rivera en punto de las 5:00 PM, la entrada es completamente gratis.

• Noche de Museos febrero 2026: Centro Cultural Javier Villaurrutia

Prepárate para una tarde de historias y sentimientos en esta noche con un cuentacuentos de ‘Amarela’ de Guadalupe Calles, en donde descubrirás a Amarela, un chica que está aprendiendo a amar debido a una decepción terrible al perder su corazón pero, ¿triunfará su valor?. La cita es a las 6 PM y el cupo está limitado a 50 personas. Entrada libre.

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• Noche de Museos febrero 2026: Museo Nacional de San Carlos

Si te encanta ‘Bridgerton’ esta noche es para ti y qué mejor sede que el Museo Nacional de San Carlos, así que prepárate para una velada llena de misterio, elegancia y romance. La cita es a las 6 PM y el cupo está limitado para 250 personas con entrada libre.

• Noche de Museos febrero 2026: Archivo Histórico

¿Quieres sentirte escribano por un día? Aquí podrás hacerlo realidad escribiendo tu propio documento histórico y lo mejor, es que conocerás el recinto con una visita guiada. ¡Si! Es un 2x1. Así que tomará lugar a las 5 PM y deberás apurarte porque el cupo es solo para 20 personas, recuerda que es gratis.

• Noche de Museos febrero 2026: Museo Nacional de Culturas del Mundo

Bailar en miércoles nunca se había sentido tan bien, así que este recinto, te invita a viajar a través de los sonidos con música y cantos al ritmo de Grecia, Corea, Japón, China, Levante, Irán y Turquía, andarán internacionales.

La cita es a las 6 PM y el cupo es para 100 personas, completamente gratis y listo para disfrutar de un buen bailongo.

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¿Qué hacer este fin de semana en la CDMX?

A partir del viernes 20 al domingo 22 de febrero, la CDMX aún sigue con planes de febrero que puedes disfrutar sin costo alguno para que salgas con tiempo y puedas divertirte en una de las ciudades más top del momento.

• Qué hacer el fin de semana en CDMX: Frankenstein de Guillermo del Toro

La cinta nominada a los Oscar dirigida por Guillermo del Toro y protagonizada por Jacob Elordi, Oscar Isaac y Mia Goth, estará proyectándose el domingo 22 de febrero en punto de las 6:30 pm en el Zócalo de la CDMX.

Así que te recomendamos asistir con tiempo para apartar tu lugar, ya que, forma parte del programa del festival ‘Jardín del Buen Amor’.

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• Qué hacer el fin de semana en CDMX: FIL Minería

Si lo que te gusta es comprar libros y eres adicto (a) a la lectura, este plan es para ti. Y es que llega una nueva edición de la Feria Internacional del Libro en el Palacio de Minería, que se transformará en un altar a la lectura.

Esta edición número 47, tendrá ofertas especiales para estudiantes universitarios y contará con presentaciones, conferencias, charlas y talleres para todas las edades. Todo a partir del 21 de febrero y hasta el 1 de marzo de este año.

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• Qué hacer en CDMX: Paseo nocturno en bicicleta en Chapultepec

La última rodada con temática romántica llega a Paseo de la Reforma y Bosque de Chapultepec, por si quieres disfrutar de una noche tranquila y con tu mejor compañía sobre ruedas, esta opción es la mejor.

La ruta incluye el Centro Histórico y los dos lugares anteriormente mencionados, recuerda que es el próximo 21 de febrero de 7 a 11 PM.

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• Qué hacer en CDMX: Taller de separadores de libros

Si eres tan fan de la lectura como nosotros, te recomendamos dirigirte al Faro ORIENTE, ya que desde el jueves 5 al 26 de febrero, éste estará brindando un curso para crear tus propios separadores. La actividad no tiene un límite de edad, y lo mejor es que es para todas las edades y completamente gratis.

Seguro de aquí puedes sacar un buen regalito como San Valentín atrasado o de cumpleaños, pero es una gran sorpresa para quien más quieras.

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¿Cuándo se reinaugurará el Museo Dolores Olmedo?

De acuerdo con información oficial difundida por el propio recinto, la sede principal ubicada en la hacienda La Noria, en Xochimilco, tiene prevista su reapertura para el 31 de marzo de 2026, luego de permanecer cerrada desde 2021 para trabajos de restauración y modernización.

El espacio anunció que su apertura tendrá una “vocación renovada” enfocada en la expresión artística y el valor comunitario, manteniéndose como la casa que fundó la coleccionista mexicana Dolores Olmedo.

¿Por qué estuvo cerrado el museo?

El cierre se realizó para emprender procesos de conservación del inmueble y actualización museográfica, además de labores de catalogación y preservación del acervo artístico y documental.

Este recinto alberga una de las colecciones más grandes de obras de Diego Rivera y Frida Kahlo, motivo por el cual su reapertura es relevante para el panorama cultural del país.

La importancia cultural y el debate en torno al museo

Durante el periodo de cierre también surgió controversia por propuestas de trasladar parte del acervo a otros espacios, lo que generó críticas de activistas culturales que piden respetar el legado y voluntad de su fundadora.

Aun así, el plan central contempla que La Noria continúe como sede principal del museo y punto de exhibición de su patrimonio artístico, reafirmando su papel dentro del circuito cultural capitalino.

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¿Qué impacto cultural tiene el Dolores Olmedo en CDMX?

Más allá del interés turístico, la reapertura también tiene implicaciones para la comunidad local, ya que el museo funciona como polo cultural y económico en la zona sur de la capital, impulsando actividades artísticas y la visita de público nacional e internacional, un factor que suele quedar fuera de la cobertura pero forma parte de su relevancia social y cultural.

Organizada por la Universidad Nacional Autónoma de México, la feria se realizará del 20 de febrero al 1 de marzo en el emblemático Palacio de Minería, ubicado en el Centro Histórico de la Ciudad de México.

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Libros accesibles y agenda cultural en la FIL Minería

Además de la venta de ejemplares (con precios accesibles y descuentos en distintos sellos editoriales) el evento contará con conferencias, presentaciones, talleres y encuentros con autores.

En esta edición, el estado invitado será Sonora, que presentará parte de su riqueza cultural y literaria mediante eventos especiales y participación editorial. También regresan las Jornadas Juveniles, enfocadas en estudiantes y jóvenes interesados en la lectura y la escritura.

Fechas, horarios y costos de la FIL Minería

Para quienes planean visitar la FIL Minería, estos son los datos clave:

• Fechas: 20 de febrero al 1 de marzo
• Horario: Lunes a viernes: 11:00 a 21:00 / Sábado y domingo: 10:00 a 21:00
• Costo de entrada: Entre semana: 20 pesos / Fin de semana: 25 pesos
• Sede: Palacio de Minería, Centro Histórico

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FIL Minería; una cita anual para lectores

Desde 1980, la feria se ha consolidado como uno de los encuentros literarios más importantes del país, atrayendo cada año a miles de asistentes en busca de novedades editoriales o simplemente un espacio cultural distinto en la ciudad.

El anuncio se realizará en el marco de la actualización de la Ley Federal de Cinematografía y el Audiovisual, con el objetivo de posicionar a México como un destino competitivo para la producción de cine y series tanto nacionales como internacionales.

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¿Qué incluyen los nuevos incentivos al cine mexicano?

De acuerdo con lo adelantado por la mandataria federal, el programa contempla:

• Incentivos fiscales para producciones nacionales e internacionales
• Estímulos especiales para proyectos independientes y regionales
• Apoyo a producciones en lenguas originarias
• Mayor tiempo mínimo de exhibición para películas mexicanas en salas
• Impulso a la visibilidad del contenido nacional en plataformas digitales

La estrategia busca detonar empleo creativo, atraer inversión extranjera y fortalecer toda la cadena de valor del sector audiovisual: producción, postproducción, distribución y exhibición.

El papel de Salma Hayek en la política cultural

La participación de Salma Hayek no es simbólica. Según lo narrado por la propia presidenta, durante un encuentro previo en Veracruz, la actriz planteó la necesidad de modernizar los estímulos para que México compita con países que ofrecen mayores beneficios fiscales a producciones extranjeras.

Hayek, nominada al Oscar por Frida y con una sólida trayectoria en Hollywood, ha impulsado durante años la proyección del talento mexicano en el extranjero. Su presencia en el anuncio del 15 de febrero refuerza el mensaje de que el gobierno busca una política cinematográfica de Estado con alcance internacional.

Protección a artistas frente a la inteligencia artificial

Además de los incentivos económicos, la propuesta incluye medidas para proteger a actores y actrices ante el uso no autorizado de inteligencia artificial en doblaje y producción de voz, un tema que ha generado preocupación en la industria.

México como potencia audiovisual

El gobierno federal sostiene que estos estímulos al cine mexicano no solo tienen impacto cultural, sino también económico. La producción audiovisual genera empleos técnicos, artísticos y turísticos, además de proyectar la imagen del país en mercados internacionales.

El anuncio oficial del 15 de febrero detallará montos, criterios de elegibilidad y calendarios de aplicación.

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Así, México busca reordenar su industria audiovisual. El gobierno federal presentó una iniciativa para sustituir la legislación vigente desde 1992 y actualizar el marco normativo ante el dominio de las plataformas digitales y la transformación tecnológica del sector. La propuesta plantea un cambio de fondo: garantizar espacios mínimos para el cine nacional tanto en salas comerciales como en servicios de streaming.

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¿Qué propone la nueva Ley Federal de Cine y Audiovisual?

La iniciativa, presentada por la Secretaría de Cultura encabezada por Claudia Curiel de Icaza, establece que al menos el 10% de la exhibición en salas de cine y plataformas digitales deberá destinarse a películas mexicanas.

Entre los puntos centrales destacan:

• Cuota mínima del 10% para cine mexicano en salas y streaming.
• Permanencia obligatoria de 14 días en cartelera para producciones nacionales (actualmente son 7).
• Revisión periódica de la cartelera para evitar horarios marginales o exhibiciones simbólicas.
• Obligación para plataformas digitales de crear secciones visibles o vitrinas destacadas para cine mexicano.

El objetivo es corregir la baja presencia del cine nacional frente a producciones estadounidenses y megaproducciones internacionales que dominan la taquilla.

De una ley de 1992 al ecosistema digital

La reforma sustituye la Ley Federal de Cinematografía promulgada en 1992, diseñada para un mercado analógico donde el streaming no existía. Ahora el enfoque incorpora el entorno digital y redefine el cine como un derecho cultural, no únicamente como mercancía.

El planteamiento busca fortalecer la identidad audiovisual mexicana, ampliar el acceso del público a producciones nacionales y equilibrar la competencia frente a conglomerados globales.

Incentivos fiscales y financiamiento garantizado

La propuesta contempla incentivos fiscales para estimular la producción y establece un esquema de presupuesto progresivo garantizado por el Estado, en sustitución de fideicomisos eliminados en años anteriores.

El gobierno plantea así una política de Estado que combine exhibición obligatoria con financiamiento sostenible para la industria cinematográfica mexicana.

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Protección a actores de doblaje frente a la inteligencia artificial

Uno de los apartados más relevantes incorpora reformas a la Ley Federal del Trabajo y a la Ley de Derechos de Autor para proteger a actores y actrices de doblaje ante el uso de inteligencia artificial.

La iniciativa reconoce la voz humana como obra artística protegida, lo que obligaría a contar con consentimiento y compensación cuando se utilicen tecnologías de replicación o clonación digital de voz.

Conservación del patrimonio audiovisual

La nueva legislación también incluye disposiciones para la conservación, restauración y digitalización del acervo audiovisual mexicano, con reglas claras de archivo y preservación patrimonial.

La iniciativa se irá al Congreso para su revisión

La iniciativa será enviada al Congreso para su discusión y eventual aprobación. De prosperar, México se sumaría a otros países que han implementado cuotas de pantalla o contenido local en plataformas digitales para proteger su producción cultural.

La discusión no será menor: exhibidores, distribuidores y plataformas deberán ajustar sus modelos de programación, mientras productores y creadores ven en la reforma una oportunidad para recuperar terreno en un mercado cada vez más concentrado.

La nueva Ley Federal de Cine y Audiovisual abre así un debate de fondo sobre soberanía cultural, competencia global y el lugar que ocupa el cine mexicano en su propio país.

Ubicada en el Estado de México, esta propiedad se ha convertido en un punto de visita para amantes de la arquitectura, el arte y el turismo cultural, por lo que aquí te contamos lo esencial para planear la visita.

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¿Qué es ‘La Cuadra’ de Luis Barragán y por qué es importante?

La Cuadra es una obra creada entre 1966 y 1968 por Luis Barragán como residencia familiar con caballerizas para el criador Folke S. Egerstrom. El proyecto le permitió al arquitecto integrar su afición ecuestre con su estilo característico, dando como resultado una pieza considerada única en su tipo a nivel mundial.

Actualmente el espacio busca preservar y difundir su legado, además de albergar exposiciones relacionadas con la arquitectura y el arte contemporáneo.

Tras su adquisición por una fundación encabezada por el arquitecto Fernando Romero, el sitio fue protegido para garantizar su conservación y transformado en una plataforma cultural abierta al público desde octubre de 2025.

Un enfoque distinto: su papel en el turismo cultural contemporáneo

Más allá de su valor arquitectónico, La Cuadra aspira a consolidarse como referente nacional e internacional en difusión cultural, atrayendo públicos diversos y fomentando experiencias educativas vinculadas con el arte y la arquitectura mexicana.

¿Cómo visitar ‘La Cuadra’ de Luis Barragán?

De acuerdo con información oficial del recinto:

• La visita está contemplada como parte de su programación cultural abierta al público.
• El costo estimado de admisión general ronda los 700 pesos, con tarifa de 500 pesos para visitantes nacionales y descuentos para docentes y estudiantes mexicanos.
• Además, el patio del recinto se utiliza anualmente para exposiciones durante eventos culturales como la Semana del Arte en México.

Debido a su carácter cultural y de conservación, se recomienda revisar disponibilidad y programación antes de acudir, ya que el acceso puede depender de actividades o exposiciones vigentes.

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Un legado arquitectónico que sigue vigente

Luis Barragán es reconocido por su estilo que fusiona modernidad con tradición mexicana, lo que ha dejado obras icónicas en distintas partes del país y consolidado su influencia internacional.

La apertura de espacios como La Cuadra permite que nuevas generaciones se acerquen a su trabajo y refuerza la relevancia de la arquitectura mexicana en el panorama cultural actual.

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Un centenario con múltiples homenajes culturales

Para celebrar el centenario del natalicio de Jaime Sabines, se han planeado actividades culturales tanto en la Ciudad de México como en Chiapas, su estado natal. En la capital mexicana, la Cámara de Diputados rendirá homenaje el 26 de marzo, seguido por una ceremonia y conversatorio en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes el 29 de marzo.

Además de estos eventos, se contempla la emisión de un billete conmemorativo de la Lotería Nacional y presentaciones de obras de teatro, danza y recitales que recordarán la figura del poeta, reconocido por su lenguaje directo y profundo que abordó temas como el amor, la vida y la muerte.

El poemario inédito: 70 poemas rescatados

La hija de Sabines, Judith Sabines, detalló que el nuevo libro está conformado por unos 70 poemas inéditos que el autor escribió entre 1965 y 1968 y que permanecieron en cuadernos personales durante décadas. Muchos de estos textos nunca se publicaron porque Sabines, conocido por su exigencia creativa, solía revisar cuidadosamente su obra antes de autorizar su edición.

Según explicó su familia, transcribir los poemas ha sido un desafío debido a la caligrafía manuscrita compleja y el proceso de selección ha requerido cuidado para respetar las intenciones del propio poeta.

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Legado de una voz poética inigualable

Jaime Sabines nació en Tuxtla Gutiérrez, Chiapas, en 1926, y se convirtió en uno de los autores más leídos en México y el mundo de habla hispana. Su obra combina lenguaje cotidiano con una intensidad emocional que ha trascendido generaciones.

Su poesía, que oscila entre la ternura y la reflexión profunda sobre la vida humana, ha influido en lectores jóvenes y adultos por igual, y su voz sigue siendo un punto de referencia en la cultura literaria mexicana.

La música nos rodea constantemente, formando parte esencial de nuestra vida. Existen obras que trascienden el tiempo, perdurando en la memoria colectiva mucho después del fallecimiento de sus creadores. Estas composiciones populares siguen siendo difundidas, interpretadas, distribuidas y reeditadas póstumamente pero entonces ¿cómo se protegen estas creaciones musicales y quién administra los beneficios generados?

¿Qué son los derechos de autor?

El derecho de autor otorga control total a los creadores de obras originales de cualquier tipo sobre el uso y reproducción de su trabajo. Por ello existen dos tipos de derechos de autor, los morales (los que conceden la autoría) y los económicos los cuales garantizan una compensación económica.

La industria musical

En la industria musical, los derechos se dividen en dos categorías principales. Por un lado, están los derechos de la composición musical, que abarcan la melodía y la letra de una canción. Estos derechos pertenecen a quienes crearon la melodía (melodista), la letra (letrista), y a los editores o publicadores.

Por otro lado, se encuentran los derechos del master (grabación maestra). Este término se refiere a la grabación de audio final que se escucha en plataformas de streaming como Spotify o en medios como la radio. Generalmente, estos derechos recaen en la disquera y en el intérprete. Frecuentemente, artistas de renombre solo interpretan las canciones y, por lo tanto, solo perciben regalías provenientes de los derechos del master, pero también hay cantautores de renombre, como Taylor Swift, la artista más reproducida en la historia de Spotify, quién se beneficia tanto de la composición como del master.

Caso Jackson-McCartney

La controvertida historia de los derechos musicales de The Beatles comenzó en 1985. En aquel entonces, Michael Jackson, el “Rey del Pop”, era un gran amigo y aprendiz de Paul McCartney, ex integrante de la banda de Liverpool, mientras este último intentaba recuperar la propiedad de la discografía del grupo. McCartney nunca tuvo los derechos porque, al inicio de la banda, ni él ni John Lennon habían tomado las medidas necesarias para proteger legalmente su música.

Un día, Michael Jackson le comentó a Paul su intención de comprar los derechos de todas sus canciones. McCartney pensó que se trataba de una broma. Grande fue su sorpresa cuando Jackson adquirió el catálogo editorial por 47.5 millones de dólares. Paul McCartney, quien irónicamente había aconsejado previamente a Jackson sobre la inversión en derechos musicales, consideró la compra como una traición personal y profesional.

Finalmente, en 2017, McCartney logró recuperar sus canciones. Esto fue posible gracias a un acuerdo confidencial surgido tras una demanda y apoyándose en la ley de derechos de autor de EE. UU., que permite a los autores reclamar sus derechos tras 56 años de la publicación de la obra.

¿Cuánto duran los derechos de autor?

Los derechos de autor, tanto morales como económicos, tienen una vigencia que abarca toda la vida del autor y se extiende por setenta años después de su fallecimiento. Si bien esta duración puede variar a nivel internacional, el estándar de setenta años post mortem es el más común globalmente. A la muerte del titular, los derechos económicos son heredables, lo que permite a los sucesores continuar percibiendo regalías por la música.

Aunque los derechos morales son intransferibles, la legislación generalmente faculta a los herederos a ejercer el derecho de paternidad y de integridad de la obra, garantizando así su protección. Después de que hayan pasado los años prescritos en la ley tras el fallecimiento del titular de los derechos de autor, la obra pasa a ser de dominio público permitiendo a la sociedad utilizarla libremente.

En conclusión, si bien la propiedad intelectual es crucial para proteger y remunerar el esfuerzo además de la creatividad de los artistas e incentivar la producción de nuevas obras, es igualmente importante reconocer que el paso de las obras a dominio público es un motor fundamental para la inspiración y la innovación, como se ve claramente en prácticas musicales como el sampling (fragmentos de audio de una grabación ya existente).

La novela premiada fue seleccionada entre más de 1 mil 140 manuscritos recibidos de países como España, Argentina, México, Colombia, Estados Unidos, Chile, Perú y Uruguay, lo que da cuenta del alcance internacional de la convocatoria.

El galardón, que otorga la editorial Alfaguara, está dotado con 175 mil dólares, una escultura del artista Martín Chirino y la publicación simultánea de la obra en España, Latinoamérica y Estados Unidos, prevista para el 26 de marzo de 2026.

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La novela y su propuesta narrativa

El ejército ciego parte de un episodio histórico del siglo XI en el que Basilio II, emperador de Bizancio, ordenó cegar a miles de soldados búlgaros después de la batalla de Kleidon. Con este hecho como punto de partida, Toscana construye una ficción que el jurado calificó como “una fábula oscura y poderosa” que se distancia del relato histórico convencional para proponer “una lectura simbólica, casi mítica sobre la guerra, el poder y la resistencia”.

La narración adopta la voz en primera persona de Kozaro (o Caro) el Escriba, figura que guía al lector por un universo marcado por la violencia, la obediencia y la fragilidad humana. El tono de la obra ha sido descrito como oral y poético, con elementos que mezclan testimonio, leyenda y humor negro.

David Toscana (Monterrey, 1961)

David Toscana nació en Monterrey, Nuevo León, México, en 1961. Ingeniero de formación y escritor por vocación, ha desarrollado una carrera literaria sólida, con numerosas novelas y colecciones de cuentos traducidas a múltiples idiomas. Su obra ha sido reconocida con diversos premios, entre ellos el Premio a la Excelencia a las Letras José Emilio Pacheco y el V Premio Bienal de Novela Mario Vargas Llosa por El peso de vivir en la tierra (2022).

Toscana reside desde hace años en Madrid, donde ha continuado su trayectoria creativa. Entre sus títulos anteriores destacan Estación Tula (1995), Santa María del Circo (1998), El último lector (2004) y El ejército iluminado (2006), entre otros. Muchas de estas obras han sido traducidas a más de una decena de lenguas, lo que lo posiciona como una voz reconocida de la narrativa en español contemporánea.

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En la ceremonia, Volpi destacó la singularidad de la obra de Toscana, señalando que se trata de una de las propuestas más fascinantes de la lengua española en las últimas décadas. El propio autor, por su parte, afirmó que El ejército ciego no fue escrita con una intención explícita de reflejar problemáticas contemporáneas, pero que “las novelas piensan por sí solas” y que, por ello, su obra “habla por sí misma” con resonancias que pueden vincularse con distintas épocas y contextos.

Con este reconocimiento, Toscana se incorpora a una lista de autores que han marcado la narrativa en español, entre ellos Elena Poniatowska, Tomás Eloy Martínez, Laura Restrepo, Sergio Ramírez y el propio Jorge Volpi, reafirmando la presencia de los escritores latinoamericanos en los grandes escenarios editoriales internacionales.

Esta colaboración nacional, lanzada originalmente en 2012 por Su Excelencia la Jequesa Al Mayassa bint Hamad bin Khalifa Al Thani, llega a México con la promesa de construir un legado que dure mucho más allá de un evento deportivo.

La cultura como infraestructura del futuro

Para Catar, el diseño no es un elemento meramente estético, sino un mecanismo estratégico para crear entornos habitables y sostenibles. Tras la transformación vivida por el Mundial de 2022, el país ha consolidado un ecosistema donde instituciones como Design Doha actúan como agencias de servicios de diseño, integrando el talento regional en proyectos de infraestructura pública y privada.

Este modelo busca ahora nutrirse de la vibrante escena mexicana. Durante la presentación, se destacó la importancia de vincular a las comunidades de diseñadores, arquitectos y artesanos para fomentar una “economía del conocimiento”. La intención es clara: que la creatividad local se traduzca en oportunidades de mercado globales.

México como invitado de honor en la escena global

Una de las noticias más relevantes para el sector creativo es el anuncio de México como país invitado para el Design Doha Prize 2026. Esta es una distinción inédita que permitirá a talentos mexicanos postularse para premios que incluyen:

• Apoyo económico y profesional: Subvenciones de hasta QAR 200,000 (aprox. $55,000 USD) para desarrollar proyectos.
• Mentores internacionales: Acceso a programas de capacitación en el prestigioso Vitra Campus en Alemania.
• Visibilidad de mercado: Oportunidades de comercialización a través de Liberty London y exposición en plataformas globales de medios.
• Valores compartidos: El legado de la hospitalidad y la mujer.

Más allá de los números y las inversiones (donde se proyecta que el sector del diseño en Catar aporte 7 mil millones de riales al PIB para 2030), el intercambio se basa en valores humanos. Los ponentes coincidieron en que tanto la cultura catarí como la mexicana colocan la hospitalidad en el centro de su identidad.

Asimismo, se rindió un homenaje al papel de la mujer como guardiana de la cultura y la gastronomía. Desde la cocina tradicional de Tabasco hasta el diseño de las icónicas tiendas beduinas, la energía femenina es reconocida como la fuerza que planifica y cuida el patrimonio de estas naciones.

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¿Qué noche de museos tendrá actividades inolvidables?

La noche de museos enero 2026 reunirá a múltiples espacios culturales de la Ciudad de México con propuestas diversas que incluyen conciertos, recorridos guiados, espectáculos, talleres y experiencias para todo tipo de público.

Museo Vivo del Muralismo (Centro Histórico):

• Entrada libre durante la noche especial.
• Recorrido temático “Fotos y murales, realidades capturadas” con cupo limitado que permite redescubrir murales icónicos y piezas culturales.

Centro Cultural México Contemporáneo (CCMC):

• Exhibiciones, performances y una presentación de danza contemporánea —ideal para amantes del arte escénico.

Museo Franz Mayer (Centro Histórico):

• Una propuesta fuera de lo común: la llamada “pijamada real” invita a asistir en pijama y cobijita a actividades creativas como talleres, cine, música pop de fondo y dinámicas interactivas que transforman el museo en un espacio lúdico y acogedor.

Museo de la Inquisición (Tacuba):

• Para quienes buscan una velada distinta, este museo ofrece experiencias teatralizadas con recorridos misteriosos que exploran leyendas y relatos históricos.

Museo Manuel Tolsá (Centro Histórico):

• Música en vivo con un cuarteto de saxofón que mezcla folklore y sonidos clásicos, ideal para una noche cultural con ritmo y tradición.

Ex Convento de Culhuacán (Iztapalapa):

• El recinto histórico ofrece recorridos guiados por la noche junto con música, danza y proyecciones visuales en un marco lleno de historia y misticismo.

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Así que te contamos de qué va esta protesta y cómo afectará la huelga de Trabajadores del Servicio de Transportes Eléctricos.

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¿Cuándo será la posible huelga de trabajadores del Trolebús, Cablebús y Tren Ligero?

De acuerdo con los Datos de la Alianza de Tranviarios ésta huelga comenzará a primera hora del miércoles 21 de enero de 2026. Aunque mencionan que si no hay avances en las negociaciones con SEMOVI, puede que comiencen a planear en serio un paro total de actividades.

Así que si usas cualquiera de estos transportes públicos, habrá que tomar precauciones por este motivo.

¿Qué es lo que exigen los trabajadores?

Lo que exigen los trabajadores de Trolebús, Cablebús y Tren Ligero son claras y válidas, tales como:

• Mejores salarios
• Condiciones laborales más seguras
• Actualización en sus prestaciones

Asimismo, protestan que sus ingresos no han crecido en un tiempo y que sus condiciones de trabajo han sido precarias desde hace mucho. Todo esto a pesar de que la afluencia de la gente ha ido aumentado, pues piden justicia ante una institución que no quiere respetar sus derechos laborales como son.

¿Serán todas las líneas de Trolebús, Cablebús y Tren Ligero?

Todo indica que sí, aunque no hay un comunicado que mencione algo al respecto, es de esperarse que en su mayoría, corten los servicios. Sin embargo, habrá que esperar a que se mencione algo o haya información actualizada al respecto.

Por lo que te sugerimos mantenerte al tanto de nuestras actualizaciones y de los informes oficiales por parte de las autoridades correspondientes.

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A partir de este 16 de enero y hasta el 8 de febrero de 2026, el recinto de Xoco se transformará en el santuario de la actriz sonorense con la retrospectiva cinematográfica y la exposición “Una diosa para una diosa. La Doña”.

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¿Qué películas habrá de María Félix en la Cineteca Nacional?

El ciclo incluye casi la mitad de la filmografía de la actriz (24 títulos), permitiendo a las nuevas generaciones descubrir por qué María de los Ángeles Félix Güereña se convirtió en un mito internacional. Entre las funciones más esperadas se encuentran:

• Clásicos imperdibles: Enamorada (22 de enero), Tizoc (2 de febrero) y la mítica Doña Bárbara (17 de enero).
• Joyas internacionales: Los héroes están cansados (producida en Francia) y La corona negra (España).
• El gran cierre: El ciclo concluirá el 8 de febrero con la proyección de La Generala, su última gran aparición en el cine.

Exposición y conferencias sobre ‘La Doña’

El homenaje no se limita a las salas de cine. La Cineteca Nacional ha preparado una experiencia inmersiva:

• Exposición Fotográfica: En la explanada principal de Xoco, podrás disfrutar de 58 imágenes de gran formato que recorren su vida, sus amores (como Agustín Lara y Jorge Negrete) y su relación con genios de la lente como Gabriel Figueroa.
• Reflexión Académica: El especialista Ignacio Durán impartirá dos conferencias magistrales para analizar cómo la imagen de María Félix sigue inspirando al feminismo y a la cultura contemporánea.

¿Por qué asistir a celebrar la vida de María Félix?

María Félix no solo fue una actriz; fue una femme fatale que cuestionó la subordinación femenina en una época de gran conservadurismo. Este homenaje, posible gracias a la colaboración de la Secretaría de Cultura e instituciones como Fundación Televisa e IMCINE, es la oportunidad perfecta para ver estas obras en la mejor calidad posible.

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Hoy, este emblemático lugar lleno de historia y magia, lleva una década abandonado y aún no se sabe si en el futuro volverá a abrir el telón y encender sus reflectores. Sorprende a los capitalinos lo irreconocible que está el legendario Teatro Blanquita, pues donde alguna vez fue casa de los artistas mexicanos más grandes, ahora alberga personas en situación de calle y vendedores.

A pesar del estado actual del inmueble, el Blanquita fue declarado Patrimonio Cultural Urbano de la CDMX en 2016 y posteriormente, Patrimonio Público de la Nación en 2024. ¿Cómo llegó este patrimonio cultural a la decadencia?

Recorrido de la historia del Teatro Blanquita

Antes de ser el teatro célebre, fue un circo y una carpa, los dos al igual espacios de la vida nocturna exitosos. El inicio de esta historia se remonta a el Circo Orrin, que presentó su primer espectáculo en 1891. Dentro de este edificio de hierro, madera y cristal, obra del arquitecto francés Monsieur Del Pierre, se vislumbraba a nada menos que el presidente Porfirio Diaz disfrutar del acto del famoso payaso Richard Bell.

Fundado por los hermanos Orrin que llegarían a México en 1883, el Orrin fue un éxito y pionero al ser un circo en una estructura techada. El edificio era cómodo para el público, con un escenario grande e ideal, baños impecables y varias caballerizas con 25 caballos. Tuvo 2 décadas de esplendor hasta su fin y demolición en 1910, debido a que el famoso Bell dejó su acto y los Orrin se dedicaron a construir un nuevo asentamiento en la ciudad: la colonia Roma. Las calles de esta zona llevan los nombres de los estados y ciudades donde se presentó de gira el gran Circo Orrin.

Casi cuarenta años pasaron hasta que el terreno fue de nuevo comprado, esta vez por una actriz y bailarina. Margarita Su López, mejor conocida como Margo Su, ganó en 1949 un premio de la Lotería de 10 mil pesos y decidió junto a su esposo Félix Cervantes, adquirir dicho terreno para construir un salón y teatro, la Carpa Margo Su.

En la popular carpa o teatro Margo, debutó la artista María Victoria “la sirena mexicana” y es por ello que hoy hay una estatua en su honor a la entrada del recinto. Desafortunadamente duró menos que el circo, pues fue demolido en 1958 después de casi una década. Se rumora que el regente Ernesto Uruchurtu, lo mandó a cerrar no por infringir reglas de seguridad, sino porque la sociedad conservadora consideraba el lugar “corriente”, “vulgar” e “inmoral”.

¿Cómo fueron los años dorados del Blanquita?

Dos mil personas aplaudiendo, frente a ellos un escenario tipo italiano alumbrado por reflectores, en su marco un telón magnífico y en el centro: Juan Gabriel.

Tras la demolición, la familia se propuso construir este centro de espectáculos con mármol rosa y adornos dorados, donde seguiría presentando teatro de revista. Blanquita, en honor a su hija Blanca Eva.

Los años de oro del Teatro Blanquita se mantienen en la historia colectiva del arte en México. Inaugurado en 1960, la carpa Margo se urbanizó y llegaría por última vez a la grandeza y popularidad total de este recinto con la presentación estelar de la actriz del momento, Libertad Lamarque. Poco a poco se fue marcando una tradición donde en aquel escenario se presentaban los artistas al inicio de su carrera para luego ascender al estrellato.

Por la duela de este escenario transitaron artistas como José José, Pérez Prado, Celia Cruz, Paquita la del Barrio, la Sonora Santanera, Cantinflas, Tin Tan, Resortes, Enrique Guzmán, La Sonora Matancera, Pepe Jara, Angélica María, Marco Antonio Muñiz, Carmen Salinas, Chabelo y Cepillin entre muchos otros.

El Teatro Blanquita gozó de gran éxito durante las décadas de los sesenta, setenta y parte de los ochenta. En su escenario se presentaron grandes figuras como Juan Gabriel, Lucha Villa y Lola Beltrán. Sin embargo, con el auge de la televisión, especialmente con programas como Siempre en Domingo, los artistas dejaron de formarse en el teatro, pues consideraron que la pantalla chica les otorgaría un mayor prestigio.

Darío de León ex operador del espacio, relató en entrevista con El Universal que en la década de los 90, el escenario fue sede de una temporada presentada por Vicente Fernández, debido al gran afecto que el cantante sentía por ese lugar y “ahí por primera vez subimos a Alejandro Fernández para que cantará con su papá”.

No sólo sorprenden el tamaño de los nombres que pisaron el escenario, sino también las caras en las butacas. Personalidades del mundo cultural, pues entre la audiencia era común ver a Gabriel García Márquez, Elena Poniatowska, Irma Serrano, Carlos Monsiváis, Tongolele, Lucha Villa, El Loco Valdés, e Iván Restrepo.

¿Por qué cerró y cuando volverá a abrir?

Poco a poco el público se fue vaciando y el teatro de revista fue perdiendo su auge al pasar de siglo. Fue en 2015, que Generamusica y Showtime, las empresas administradoras, comunicaron que el costo para mantener el lugar y el pago de empleados no se cubría con lo obtenido en taquilla y por ello dejarían de operar. Así fue como bajó el telón por última vez, dejando este lugar histórico entre polvo y desgaste desde hace una década.

Actualmente, el gobierno federal y capitalino han informado sobre un plan para la reapertura del recinto como parte de un corredor cultural y turístico. La presidenta Claudia Sheinbaum y la jefa de Gobierno, Clara Brugada, buscan revitalizar el Centro Histórico integrando el Teatro Blanquita y otros inmuebles como el Cine Ópera. Aunque el plan aún no se ejecuta, quienes recuerdan el Blanquita mantienen la esperanza de que sus luces se enciendan una vez más.

Juan Nepomuceno Carlos Pérez Rulfo Vizcaíno nació el 16 de mayo de 1917 en Apulco, Jalisco. Creció marcado por una infancia atravesada por la muerte temprana de su padre, la orfandad, el internado, y el violento eco de la Revolución Mexicana y la Guerra Cristera. Ese paisaje árido y desolado, aunque físico y humano, resultaría en el escenario principal de su obra, la forma en que el escritor miraba el mundo.

Antes de ser escritor reconocido, Juan Rulfo pasó por varios y distintos oficios, entre los que se conocen están el de agente migratorio y archivista. También fue viajero, de ahí que se hiciera fotógrafo, autor de miles de negativos que hoy dialogan con su literatura. En ambos ejercicios, escribir y mirar, practicó el mismo rigor de observar sin condescendencia y mostrar, por sí misma, la naturaleza de aquello que percibía.

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El llano en llamas consolidó a Rulfo como uno de los grandes cuentistas del siglo XX, en el año de 1953. En esos relatos, el lenguaje es austero. Los personajes hablan desde la derrota, el abandono, con la violencia como escenario de fondo. Dos años después, Pedro Páramo terminó de alterar el mapa de la narrativa en español. Fragmentaria, polifónica, poblada de murmullos, la novela rompe con la estructura lineal del tiempo y con la frontera entre vivos y muertos. Comala no es solo un pueblo, es conciencia colectiva que ha quedado atrapada entre la memoria y la culpa. Esa delgada línea entre la victoria y el fracaso, porque es el recuerdo, y no el olvido, el verdadero castigo de sus personajes. Puede que por ello el manuscrito original se llamó Los murmullos. Eso que el lector escucha, la suma de voces que se resisten a desaparecer.

La brevedad de su obra no disminuyó su impacto, lo intensificó. Gabriel García Márquez llegó a decir que los textos publicados de Rulfo no llegaban a trescientas páginas, pero que eran tan duraderos como los de Sófocles. Para el Nobel colombiano, la lectura de Pedro Páramo fue tan decisiva como la de Kafka, la revelación sobre lo que la literatura era capaz de hacer. Jorge Luis Borges expresó una admiración similar, convencido de que la novela de Rulfo estaba entre las mejores escritas en lengua española. Ni qué decir tiene de Isabel Allende, que lo incluyó entre las influencias centrales del Boom Latinoamericano.

Rulfo no tuvo alumnos en el sentido académico, pero sí herederos. Su influencia atraviesa el Boom y llega hasta la narrativa contemporánea, pasando por la generación del Crack. Ray Loriga dijo: “Yo no sería lo que soy sin Juan Rulfo”. Para el escritor español, todo lo “medianamente inteligente” que aparece en sus libros pasó antes por la sombra de Rulfo. No se refería solo a temas, sino al fraseo, al sonido de la voz, a la conciencia de que la lengua, esa lengua común del español, se hereda y se transforma con cada autor que la toma en serio.

En términos literarios, Rulfo suele ubicarse dentro del realismo rural mexicano, pero esa etiqueta se queda corta. Su obra dialoga con William Faulkner en la fragmentación del tiempo y en la construcción de territorios míticos; anticipa rasgos del realismo mágico sin inscribirse del todo en esa corriente; y se instala, con plena legitimidad, en la modernidad narrativa del siglo XX. Sus personajes no avanzan hacia un desenlace, sino que permanecen y repiten su tragedia. En Rulfo, más que acción, hay conciencia. Sobre la trama, el tono.

A cuarenta años de su muerte, ocurrida el 7 de enero de 1986 en la Ciudad de México, Juan Rulfo sigue siendo una referencia inevitable. Se estudia en universidades, se traduce a decenas de idiomas, se cita como origen y como límite del oficio literario. Él mismo desconfiaba de la grandilocuencia, decía que toda literatura es una mentira que sirve para recrear la realidad. Quizá por eso su obra envejece tan bien. Porque no buscó explicar México ni embellecerlo, sino escucharlo. Y en ese acto humilde pero radical, dejó una de las herencias más sólidas de la literatura en español.

Aquí te dejamos los detalles para que visites “Belleza Eterna” en el Museo Nacional de Antropología.

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¿De qué trata la exposición China en el Museo de Antropología?

La muestra se titula “Belleza Eterna: A lo largo del Río Amarillo”. Se trata de una colección impresionante de 143 piezas y conjuntos de joyería tradicional provenientes de la región de Shanxi.

Podrás ver objetos de plata, oro, jade y perlas que datan de las dinastías Ming y Qing (desde el siglo XVII) hasta la era moderna. Estas joyas no eran solo adornos; cuentan historias de estatus social, protección espiritual y rituales de vida. Es, literalmente, ver la historia de China moldeada en metal precioso.

¿Hasta cuándo estará disponible?

Si aún no has ido, ¡tienes tiempo! La exposición se inauguró recientemente y permanecerá abierta al público hasta el 8 de marzo de 2026. Es el plan perfecto para un fin de semana cultural en Chapultepec.

¿Cuánto cuesta la entrada y cuáles son los horarios?

Lo mejor de todo es que el acceso a esta exposición temporal es completamente gratuito. Los horarios de visita son los habituales del Museo Nacional de Antropología:

• Martes a domingo, de 9:00 a 18:00 horas.

Recuerda que los lunes el museo permanece cerrado por mantenimiento, así que programa bien tu visita. El Museo de Antropología se ubica en Paseo de la Reforma y Calzada Gandhi s/n, Col. Chapultepec Polanco.

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Para artistas, diseñadores, creadores de contenido y marcas, se trata de una oportunidad enorme. Para el público en general, es una forma de ver cómo los clásicos se renuevan y siguen vivos en nuevas generaciones.

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Betty Boop: la caricatura que rompió esquemas

Betty Boop nació a principios de los años 30, en una época en la que la animación apenas estaba encontrando su estilo. Con su voz infantil, su mirada coqueta y su actitud desenfadada, rápidamente se volvió distinta a todo lo que existía.

No era solo una caricatura bonita. Betty representaba a una mujer segura, libre y con carácter, algo poco común para su tiempo. Por eso, con los años se convirtió en un símbolo cultural que trascendió la pantalla: apareció en camisetas, pósters, música, moda y arte urbano.

Desde 2026, Betty podrá protagonizar nuevas historias, versiones modernas o reinterpretaciones sin límites legales.

Mondrian: cuando menos es más

Piet Mondrian es uno de los nombres clave del arte moderno. Su estilo, basado en líneas negras, colores primarios y formas geométricas, cambió la manera de entender la pintura y el diseño.

Aunque sus obras parecen simples, su impacto fue enorme. La estética de Mondrian influyó en la arquitectura, la publicidad, la moda e incluso en el diseño digital actual. Marcas, edificios y pasarelas han tomado inspiración directa de su trabajo.

Con su entrada al dominio público, estas composiciones podrán reproducirse y adaptarse libremente en libros, exposiciones, productos y proyectos creativos.

¿Qué significa que algo sea de dominio público?

Cuando una obra entra al dominio público, deja de estar protegida por derechos de autor. Esto ocurre después de que pasa cierto tiempo desde la muerte del creador o desde su publicación original, según la ley.

En términos simples:

• Cualquiera puede usar la obra
• No hay pagos ni permisos
• Se fomenta la difusión cultural

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Lejos de quedar en el pasado, Betty Boop y Mondrian están a punto de iniciar una nueva etapa. Su entrada al dominio público no borra su historia; al contrario, la amplifica.

En 2026, estos íconos dejarán de pertenecer a unos cuantos y pasarán a ser parte de todos. Y eso, en el mundo del arte y la cultura, siempre es una buena noticia.

Es por eso que han anunciado el lanzamiento de talleres de cine gratuitos para mujeres, sí, exclusivamente. Esto es un gran paso en la creación del séptimo arte, por lo que te dejamos toda la info si es que estás interesada en tomarlo.

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¿Quién impartirá los talleres de cine gratuitos para mujeres?

Si tu sueño siempre ha sido trabajar en algo relacionado al cine, ésta es tu señal. Y es que ha comenzado una iniciativa entre Netflix México y la Secretaría de Cultura de la CDMX para asegurar una formación de primer nivel para todas aquellas chicas que quieran aprender cine, y lo mejor es que será completamente gratuito.

Este tipo de talleres abre la puerta a espacios en donde la breca de género ha sido notoria, pues al profesionalizar a las mujeres en áreas técnicas y creativas, no solo se generan empleos, sino que se garantiza que nuestras historias sean contadas desde una perspectiva más diversa y real.

Para asegurar que todo sea lo más profesional posible, los módulos será impartidos por expertos en asociaciones clave en la industria, es decir:

• Gerentes de Locaciones México (GLM): Se encargarán del taller de Gerencia de Locaciones.
• Asociación Mexicana de Filmadoras (AMFI): Estarán al frente de los talleres de Dirección y Asistencia de Producción.

¿Cuándo comenzarán?

Hasta el momento no hay fechas confirmadas para iniciar los talleres, sin embargo, se espera que comiencen en cualquier momento del primer trimestre de 2026. Es importante mencionar que ya se han realizado talleres previos de guionismo, pero esto dará continuidad y un giro para quienes quieran aprender algo más.

Es decir, esta nueva etapa de la “Alianza para el Desarrollo Audiovisual” está enfocada específicamente en el talento femenino para fortalecer su presencia en los sets de grabación desde inicios de año.

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¿Cómo se puede acceder a este taller de cine gratis para mujeres?

Para participar, es muy importante estar pendiente de las redes sociales oficiales de la Secretaría de Cultura capitalina y de Procine, ya que ahí se publicará el formulario de registro. Los requisitos básicos que suelen solicitar son:

• Ser mujer residente de la Ciudad de México (comprobante de domicilio).
• Identificación oficial vigente y CURP.
• Una carta de exposición de motivos donde expliques por qué quieres entrarle al mundo del cine.
• No tener parentesco o relación profesional con las instituciones convocantes.

Recuerda que los cupos suelen ser limitados debido a que son capacitaciones muy especializadas. Te recomendamos tener tus documentos listos para que, en cuanto salga la convocatoria oficial en los próximos días, seas de las primeras en postularte.

No necesitas ser una experta, estos talleres buscan precisamente darte las herramientas para que empieces desde cero o te especialices en un área técnica.

El Foro Shakespeare, el escenario perfecto para lo íntimo

A primera vista, el Foro Shakespeare parece hecho a la medida de esta puesta en escena. Su cercanía física con el público genera una atmósfera de confidencia, casi de susurro, que resulta ideal para una obra que exige atención, paciencia y disposición emocional. Aquí no hay distancia cómoda: el espectador se vuelve testigo cercano de lo que se quiebra sobre el escenario.

• “La Ratonera”, el arte de quedar atrapado: una obra de misterio en el Teatro Helénico

La obra se estructura en dos bloques claramente diferenciados: la historia de Blanca y la historia de Virginia, dos mujeres de mundos opuestos unidas por un trayecto común y una pregunta silenciosa: ¿hasta dónde puede llevarnos el deseo?

Blanca: el viaje confuso hacia la herida

La primera parte está dedicada a Blanca Madero, interpretada por Paulina Vega Garza, una mujer madura, elegante, culta y marcada por una vida de privilegios que se desmorona. Su monólogo inicia de forma deliberadamente confusa: no queda claro dónde está, hacia dónde va ni por qué habla como si el tiempo se hubiera fracturado.

Conforme avanza la escena, el rompecabezas empieza a tomar forma. Blanca ha llegado a la Ciudad de México tras perderlo todo: los bienes familiares, el viñedo de su padre, la vida ostentosa que parecía garantizarle estabilidad. Viaja en metro para encontrarse con su hermana menor, y cada estación se convierte en una parada emocional hacia un pasado doloroso.

El giro más inquietante aparece cuando el espectador comprende que Blanca podría estar internada en un hospital psiquiátrico, enfrentando traumas profundamente arraigados: un abuso paterno apenas insinuado, la traición simbólica de una hermana que se queda a vivir la vida que ella soñaba, y una identidad fragmentada.

Desde mi percepción, esta primera parte se extiende por más de una hora y, aunque poderosa en intención, por momentos se vuelve excesiva. Hay pasajes donde la confusión narrativa y la exaltación emocional de Blanca se sienten innecesariamente prolongadas, lo que puede distanciar al espectador en lugar de atraparlo.

Virginia: cuando el deseo se ríe de sí mismo

El tono cambia radicalmente con la entrada de Virginia, interpretada por Edgar Omar Moreno. La atmósfera se aligera, el ritmo se acelera y el discurso se vuelve punzante, irónico y profundamente provocador. Virginia es fervorosa, devota, una monja católica relajada que confiesa pecados ajenos y propios con una naturalidad desarmante.

Su monólogo es una mezcla exquisita de sarcasmo, erotismo y humor en doble sentido, que funciona gracias a una construcción de personaje sólida y carismática. Aquí, el metro cobra más claridad como espacio simbólico: lugar de encuentros, roces, aprendizajes y transgresiones cotidianas.

El momento en que Edgar Omar Moreno interactúa con el público es, sin duda, uno de los puntos más altos de la obra. Rompe la cuarta pared y convierte al espectador en cómplice. Sin embargo, esta sección dura apenas unos 20 minutos, lo cual deja una sensación agridulce: uno quisiera quedarse más tiempo en ese vagón, reír más, explorar más.

¿El metro como metáfora logra unir ambas historias?

Uno de los aspectos que más me dejó pensando al salir fue el uso del metro de la CDMX como nexo narrativo. En la historia de Virginia, su función simbólica es clara y efectiva. En la de Blanca, en cambio, el mensaje se diluye: no termina de quedar claro cómo ese trayecto físico articula su viaje interno.

Esa falta de cohesión entre ambas historias provoca que el espectador tenga que hacer un esfuerzo adicional para encontrar el punto exacto donde ambas mujeres se tocan, más allá del concepto general del deseo.

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Una obra incómoda, provocadora y no apta para cualquiera

Blanca y Virginia, a un metro del deseo no es una obra familiar ni para públicos infantiles. Su lenguaje complejo, los juegos de doble sentido y la densidad emocional del texto exigen madurez y apertura. Aun así, es una propuesta teatral que vale la pena para cualquier persona adulta que busque algo distinto un domingo por la tarde: un relato que incomoda, que hace reír y que sorprende con un giro inesperado hacia la salud mental.

Esta obra es una experiencia honesta, arriesgada y profundamente humana. Al final, como el metro mismo, puede ser incómoda, confusa o reveladora. Todo depende del vagón en el que uno decida subir.

Nada se compara con presenciar un ballet de esta magnitud en un recinto tan cargado de historia como el Castillo de Chapultepec. Durante el día, el lugar impone respeto; por la noche, en cambio, su atmósfera se transforma por completo. Hay algo casi ceremonial en el trayecto: el ascenso entre sombras, el aire frío, la sensación de caminar hacia un espacio suspendido en el tiempo.

• “La Ratonera”, el arte de quedar atrapado: una obra de misterio en el Teatro Helénico

La vibra nocturna del castillo es distinta, más íntima, casi misteriosa, con un aire antiguo que roza lo sepulcral. Y entonces ocurre el contraste: al llegar a la explanada, el espacio se abre y aparece un escenario desbordado de color, brillo y movimiento. Los vestuarios de los bailarines estallan en tonos vivos, bordados y texturas que dialogan con la piedra centenaria del recinto.

Tres actos para contar la Navidad mexicana

Navidades en México se articula en tres actos que reinterpretan las tradiciones decembrinas mexicanas desde la danza:

La anunciación y el nacimiento

El primer acto recrea la anunciación y da paso a un nacimiento viviente, cargado de simbolismo, solemnidad y una belleza contenida que prepara emocionalmente al espectador.

Los Reyes Magos y la diversidad regional

En el segundo acto, los Reyes Magos ofrecen sus regalos al Niño Dios a través de danzas regionales que recorren distintos puntos del país. Veracruz, Yucatán, Tabasco, Jalisco y otras regiones aparecen representadas con coreografías precisas y una musicalidad que, desde el primer acorde, remite a la geografía emocional de México.

La posada: luz, canto y celebración

El cierre llega con una posada tradicional mexicana: letanías, velas encendidas, peregrinos y la piñata, símbolo de los siete pecados capitales y de la fuerza colectiva que los vence. Es el momento más festivo y también uno de los más conmovedores.

La precisión del movimiento y la emoción colectiva

Las coreografías destacan por su precisión milimétrica, por la sincronía impecable de más de cien bailarinas y bailarines, y por una energía que no decae durante casi dos horas de función. La música mexicana, interpretada en vivo, no solo acompaña: guía, envuelve y emociona.

Como espectadora, resulta imposible no sentirse interpelada. Estar ahí, como mexicana, es maravillarse por la riqueza cultural del país, pero también experimentar un orgullo profundo por pertenecer a una tradición tan antigua, tan diversa y tan viva.

Había escuchado durante años que el Ballet Folklórico de Amalia Hernández es considerado uno de los mejores del mundo. La expectativa era alta. Sin embargo, la realidad superó cualquier idea previa: cada cuadro fue conmovedor, cada transición cuidada, cada aplauso merecido.

¿Durante que fechas y en dónde puedo adquirir mis boletos?

Navidades en México es presentado por Citibanamex y los boletos ya están disponibles a través de Ticketmaster.

Toma en cuenta que las funciones de este maravilloso espectáculo serán a las 19 hrs en el Castillo de Chapultepec los siguientes días:

Diciembre

· jueves 25

· viernes 26

· sábado 27

· domingo 28

· martes 30

Enero

· jueves 1

· sábado 3

· domingo 4

· miércoles 7

· sábado 10

· domingo 11

Fui a observar para luego poder escribir, sí, pero bastaron los primeros minutos para olvidar la libreta y dejarme llevar por la atmósfera: una casa de huéspedes, una tormenta de nieve que lo aísla todo y un crimen que se anuncia antes de suceder. Desde ahí, el teatro se vuelve un juego de miradas, silencios y sospechas compartidas.

La historia revive a la Mansión Monkswell, donde Mollie y Giles Ralston inauguran su casa de huéspedes justo cuando el mundo exterior queda incomunicado. Uno a uno llegan los personajes: excéntricos, incómodos, herméticos. Y entonces, como dicta el manual del suspenso, ocurre lo inevitable: un asesinato dentro de la casa. Nadie puede salir. Todos podrían ser culpables.

La versión que presenta Romelli Teatro respeta la estructura clásica del texto, pero apuesta por una lectura clara, sin excesos, donde cada gesto importa. Aquí no hay prisa: el misterio se cocina a fuego lento y el público lo agradece.

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El Helénico como aliado del suspenso

El Teatro Helénico no solo alberga la obra, la potencia. La cercanía con el escenario vuelve cada movimiento relevante, cada pausa incómoda. Hay momentos en los que el silencio pesa más que los diálogos, y es ahí donde la puesta gana fuerza.

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La escenografía recrea con precisión esa casa inglesa atrapada por la nieve: funcional, sobria, casi claustrofóbica. Todo está dispuesto para que el espectador se sienta dentro de la historia, atrapado junto con los personajes en esa ratonera simbólica.

Uno de los grandes aciertos de esta temporada es el trabajo actoral. Cada personaje carga con un pasado, una incomodidad, una sombra. Nadie es completamente transparente y esa ambigüedad sostiene la tensión durante toda la función.

Desde los dueños del lugar hasta los huéspedes más enigmáticos, el joven nervioso, la mujer hostil, el militar retirado, la extranjera reservada, el visitante sospechoso, todos aportan piezas al rompecabezas. Y cuando aparece la figura de la autoridad, la calma aparente solo incrementa la inquietud.

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Más que una obra, un pacto con el público

Hay algo profundamente teatral en “La Ratonera”: ese acuerdo tácito entre escenario y butacas para no revelar el final. Agatha Christie lo pidió hace décadas y, verlo cumplirse todavía hoy, tiene algo de ritual. La obra no solo se mira, se guarda.

No es casualidad que sea la pieza teatral con más tiempo en cartelera en la historia. Su vigencia no radica solo en el giro final, sino en su capacidad para recordarnos que el verdadero suspenso está en lo humano: en lo que se oculta, en lo que se calla, en lo que parece inofensivo.

Una temporada para dejarse atrapar

La temporada de “La Ratonera” con las actuaciones de Adriana Occelli, Alejandro Aguilar, Jorge Romero, Manuel Queli, Lola Ugalde, Paula Rabanal, Santiago de Gante y Mauricio Estevez, se presentó desde el 6 de noviembre hasta el 28 de diciembre de 2025, con funciones jueves y viernes a las 8:00 PM, en el Instituto Cultural Helénico, ubicado en Avenida Revolución 1500, Guadalupe Inn.

Salir del teatro esa noche fue como despertar de un encierro voluntario. Afuera, la ciudad seguía su curso. Adentro, durante casi dos horas, todos fuimos parte del mismo juego: buscar al culpable sabiendo que, en el fondo, el misterio ya nos había ganado.

Porque eso es “La Ratonera”: una trampa deliciosa donde el teatro demuestra, una vez más, que el suspenso no necesita efectos espectaculares, solo una buena historia… y la oscuridad justa para no ver venir la verdad.

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Todos hemos soñado con ganar la lotería, y hoy desde el Teatro Lotería Nacional, revelaron la magia y la transparencia que existen detrás de cada billete, desde su diseño hasta el icónico grito del “¡Premio Mayor!”.

Historia

La Lotería Nacional, fundada en 1770 con el nombre de “Real Lotería General de la Nueva España” , fue creada para generar fondos para obras de asistencia social y pública.

Actualmente, la institución realiza más de 3,000 sorteos al año y se encuentra fusionada con pronósticos deportivos. Un hito reciente es el uso de códigos QR en los billetes para promover la Cartilla de Derechos de las Mujeres, un convenio que ayuda a crear una sociedad más igualitaria.

El arte detrás del billete

Cada “cachito” es visto como una pequeña obra de arte que busca reflejar la historia, cultura o naturaleza de México. La gerente de investigación y desarrollo de nuevos productos, Marisol Gandarilla, explicó que los diseños están profundamente inspirados en la tradición mexicana, basándose en textiles, ornamentos, artesanías, bordados, arquitectura, muralismo y grabado.

Para garantizar su autenticidad, los billetes se imprimen en papel especial de seguridad, resistente al desgaste y difícil de falsificar. Cuentan con numerosas medidas de seguridad, como marcas de agua visibles al trasluz, hilos de seguridad, tinta especial que cambia de color y microimpresiones. Además, los billetes modernos pueden incluir un código QR para verificar su autenticidad en línea.

Tipos de sorteos

La Lotería ofrece dos tipos principales de sorteos:

• Sorteos tradicionales: Son de tipo pasivo (el número ya está impreso en el billete, o “cachito”). Se realizan los martes (Mayor), viernes (Superior) y domingos (Zodiaco). Utilizan esferas de madera y latón, y cuentan con la participación de los “Niños gritones”.
• Sorteos electrónicos: Permiten al jugador elegir sus números. Se realizan cinco veces al día, todos los días del año. Incluyen cinco juegos numéricos (Tris, Gana Gato, Melate, etc.) y concursos deportivos (Progol).

Los niños gritones

Los niños y niñas gritones son cruciales para la transparencia de los sorteos tradicionales. La tradición se remonta a 1771, cuando se eligió a huérfanos para vocear los números como símbolo de pureza. Desde 2001 se aceptan también niñas.

Miren la felicidad con estos chiquillos!!! pic.twitter.com/IrWYmFUjc4

— marthadebayle (@marthadebayle) December 10, 2025

• El grupo actual tiene 30 integrantes: 20 niñas y 10 niños.
• Para ser niño gritón se exige un promedio escolar alto (mínimo 8 o 8.5) , buena dicción, voz clara, memoria y disciplina.

El gordo de navidad

La Directora General, Olivia Salomón, promovió el sorteo más esperado del año: El gordo de navidad.

La fecha del evento es el 24 de diciembre a las 8:00 p.m. La participación es de 80,000 números, disponibles en 4 series. El Premio Mayor es de 204 millones de pesos, repartidos en 4 series. El costo del cachito es de $120 pesos.

Con la Lotería Nacional, cada compra de un cachito no solo alimenta un sueño personal de fortuna, sino que también contribuye directamente al bienestar social del país, haciendo de cada sorteo un acto de esperanza colectiva.

Una vida que se hizo arte

Para responder esta pregunta, debemos entender quién era esta celebridad del pasado. Frida Kahlo, una figura cuya vida es muy conocida en México pero a menudo ignorada en el extranjero, nació en la Casa Azul de Coyoacán, Ciudad de México, el 6 de julio de 1907, aunque más tarde cambió su año de nacimiento a 1910. Su herencia era diversa: su padre, Guillermo Kahlo, era un fotógrafo judío-alemán, y su madre, Matilde Calderón, era una católica de ascendencia indígena y española.

Desde una edad temprana, la salud de Frida fue precaria. A los seis años, contrajo polio, lo que resultó en una deformidad en su pierna y pie derechos. Mientras estudiaba medicina, un trágico accidente en 1925 cambió el curso de su vida y, por extensión, el de la historia del arte contemporáneo. A sus 18 años, el autobús en el que viajaba con su novio fue arrollado por un tranvía, causándole múltiples fracturas y lesiones internas. Estas lesiones la obligaron a usar corsés de yeso de por vida, someterse a más de 30 cirugías y enfrentar varios abortos espontáneos. Los doctores pensaban que moriría en el quirófano. Fue durante su larga convalecencia en cama que comenzó a pintar, utilizando un caballete portátil y un espejo. Comenzó pintando lo que tenía más accesible: ella misma. Desde ese momento, su obra se vio influenciada por el sufrimiento.

Se casó con Diego Rivera en 1929 ; Diego Rivera era de los muralistas principales mexicanos el cual le doblaba la edad. Es de conocimiento público que tuvieron un matrimonio turbulento (con un divorcio y un nuevo matrimonio) y ambos tuvieron romances. Pasaron los primeros años de su matrimonio en los Estados Unidos donde experimentó su “despertar creativo” y comenzaron a valorar su arte hasta ese momento. Imogen Cunningham creía que “era mejor pintora que Diego. Nunca recibió ningún reconocimiento”.

Prueba de ello es un artículo de 1933 que la describe de la siguiente forma: “La esposa del maestro muralista se dedica alegremente a las obras de arte”, aunque ella misma bromeó: “Claro que le va bien para ser un niño... Pero soy yo la gran artista”.

Su carrera despegó alrededor de 1938 al lograr su primera venta ese año a Edward G. Robinson. Ella no lo podía creer, fue ahí donde abrió su independencia económica. En este punto de inflexión dejó de ser solo la esposa del muralista y comenzó a ser Frida Kahlo.

La obra de Frida

Frida Kahlo a lo largo de su corta vida produjo entre 150 y 200 pinturas, una cantidad considerada baja para un artista de su talla. Entre sus obras se encuentran muchos autorretratos, representaciones de familiares y amigos y representaciones de la naturaleza. Pero en su mayoría su obra era ella misma. Se describió a sí misma como una “pintora de sí misma”, haciendo de su cuerpo, su sufrimiento y su identidad (física, política, sexual y cultural) un medio estético profundamente personal y radical.

Frida fue una figura transgresora, desafiando tabúes y estereotipos. Forjó la imagen de una mujer mexicana rebelde que desafió los cánones de belleza y los roles de género, allanando el camino para otras mujeres en el ámbito artístico.

Las pinturas de Frida Kahlo son una fusión de folclore y simbolismo que ilustran sus vivencias desde su propia perspectiva, sin buscar un surrealismo intencional. Aunque obtuvo reconocimiento en Europa y realizó exposiciones individuales, la fama que alcanzó tras su muerte fue inesperada.

Murió el 13 de julio de 1954 a los 47 años. Su última pintura fue Viva la vida. La Casa Azul, su casa, se convirtió en museo en 1958. En 1953, un año antes de su muerte, le amputaron la pierna. “Pies, ¿para qué los quiero si tengo alas para volar?”, fue su frase más célebre, a razón de este suceso.

La fridamanía

La “fridamanía” es el fenómeno global de popularidad que se manifiesta en la intensa comercialización de la imagen de la artista mexicana Frida Kahlo, elevándola a la categoría de ícono mundial.

Este fenómeno tiene varias causas. Por un lado, su estética icónica (cejas prominentes, trenzas adornadas con flores y vestimenta tradicional mexicana) resulta visualmente impactante y es ideal para la reproducción en una amplia variedad de mercancía (merchandising), abarcando desde cosméticos y ropa hasta artículos de decoración, con presencia incluso en lugares tan distantes como Bruselas, Buenos Aires o Marrakesh.

La expansión de esta imagen es gestionada por la Frida Kahlo Corporation, una entidad panameña que licencia su figura y genera considerables ingresos. Sin embargo, esta expansión está actualmente ensombrecida por una disputa legal de casi una década. Las herederas de la artista acusan a la corporación, que controla el 51% de la marca, de haber “incumplido sistemáticamente” los acuerdos previamente establecidos.

Por otro lado, la resonancia de Frida Kahlo en la cultura moderna también alimenta la “fridamanía”. Su arte es una biografía visual cruda e íntima, donde plasmó su dolor físico y sufrimiento emocional, lo que facilita una profunda conexión emocional con el público. Su capacidad para enfrentar la adversidad y el dolor extremo con valentía la ha erigido en un símbolo de fuerza, resistencia y superación. Al vivir bajo sus propias reglas, explorar abiertamente su sexualidad y centrar su obra en el cuerpo y las experiencias femeninas, se ha consolidado como un ícono de la liberación femenina y una figura clave para el movimiento feminista contemporáneo.

Finalmente, su profunda conexión con las tradiciones y la cultura mexicana la convierte en una embajadora cultural que celebra lo popular y lo indígena. Su actitud desafiante ante las normas sociales de su época, incluyendo su apertura sexual y su postura política de izquierda, la hace especialmente atractiva para los movimientos progresistas actuales.

La comercialización del legado artístico de la artista ha desatado controversia. Por un lado, existen conflictos legales entre la familia y la corporación que gestiona la obra, y fuertes críticas sobre la trivialización de su complejo legado al reducirlo a un mero producto de consumo (souvenirs, ropa). Se argumenta que esta explotación distorsiona su visión y significado original.

Por otro lado, los defensores argumentan que la comercialización es el medio más efectivo para la preservación, difusión y accesibilidad de su obra. Sostienen que la presencia global de su imagen mantiene viva su relevancia, inspira a nuevas generaciones y genera los recursos económicos vitales para la gestión de su patrimonio y asegurar su inmortalidad cultural a escala global. ¿Tú qué opinas?

Fuga de agua sucia cae sobre libros de egiptología

La inundación causó daños a más de 400 libros y documentos relacionados con la egiptología y la documentación científica. Una fuente del museo a CNN reportó entre 300 y 400 libros dañados. El material afectado incluye revistas de egiptología, documentación científica y libros encuadernados que datan de finales del siglo XIX y principios del XX. El responsable de La Tribune de l’Art, Didier Rykner, cifró en “unas 400” las obras dañadas, algunas de ellas con encuadernaciones antiguas presuntamente irrecuperables. Además de los textos, las oficinas de la biblioteca quedaron temporalmente inutilizables.

El portavoz del museo indicó que, aunque estos textos son consultados regularmente, no son ejemplares únicos en el mundo y serán secados y reparados para ser devueltos a las estanterías. Las autoridades del museo, incluyendo el administrador general Francis Steinbock, aseguraron que ninguna obra de arte o pieza patrimonial única fue dañada.

La fuga de agua brotó con tanta fuerza que el agua, además de empapar la alfombra, alcanzó un armario eléctrico en una planta inferior. Según un correo electrónico interno del Comité de Higiene, de Seguridad y de Condiciones de Trabajo (CHSCT), esto pudo haber generado un incendio o un accidente de consecuencias “todavía más graves”. Los empleados que trabajaban esa noche lograron cortar la fuga a tiempo para evitar el riesgo. También se reportó otra fuga de agua de menor importancia el martes pasado.

Fallas estructurales en todo el museo

La inundación fue causada por la apertura accidental de una válvula que forma parte de un sistema de plomería que ya estaba en desuso y desconectado hace meses. Un mensaje del CHSCT explicaba que la válvula que alimentaba las tuberías sobre la documentación, “que se sabía que estaban defectuosas”, provocó la inundación de agua sucia.

Según el portavoz del museo, este sistema en desuso está previsto para ser reemplazado como parte de las obras de renovación que comenzarán en septiembre de 2026.

Didier Rykner, de La Tribune de l’Art, denunció que este incidente no es una sorpresa, ya que el personal del departamento “desde hace años” ha solicitado fondos para proteger los libros ante una potencial ruptura de las tuberías, cuyo mal estado es “bien conocido”. Rykner contrastó el estado “deplorable” de estas instalaciones con los 276,000 euros gastados en comprar mobiliario de diseño para las oficinas de la presidenta directora del Louvre, Laurence des Cars, su administrador general y otros empleados en esa área.

Un año de pesadilla para el Louvre

Esta nueva falla en la infraestructura subraya los “problemas estructurales que afronta el museo”, construido a partir de finales del siglo XII y que recibió 8,7 millones de visitantes el año pasado. El incidente es un motivo más de preocupación tras el espectacular robo de joyas de la corona francesa ocurrido el 19 de octubre en la galería de Apolo, que también puso de manifiesto graves fallos de seguridad en el Louvre. Los ladrones accedieron con un montacargas en pleno día, y aunque todos han sido detenidos, las joyas no han sido recuperadas.

Las conclusiones de la investigación administrativa sobre los posibles fallos de seguridad del robo se presentarán el próximo miércoles en el Senado.

Aumento del precio de entradas

En el contexto de la necesidad de mejora de infraestructuras, el museo anunció en noviembre que aumentaría el precio de las entradas para financiar un programa de modernización. A partir del 14 de enero de 2026, la entrada individual para visitantes por fuera del Espacio Económico Europeo costará 32 euros (37$), un aumento del 45 % respecto a los precios actuales. Se prevé que este aumento genere entre 15 y 20 millones de euros adicionales al año (entre 17 y 23 millones de dólares), los cuales se invertirán en la mejora de las infraestructuras.

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De acuerdo con la información difundida, la medalla fue enviada a Francia, lugar de residencia del creador. No se programó una ceremonia pública en México ni un acto protocolario en el Palacio de Bellas Artes. El INBAL señaló que la decisión responde a la residencia del artista y a la logística necesaria para formalizar la entrega.

La institución explicó que la distinción se basa en la influencia que el trabajo escénico de Jodorowsky ha tenido en procesos de creación, formación y experimentación teatral en México. También se mencionó su impacto en otros países donde ha desarrollado actividades profesionales.

Respuesta del artista

Tras el anuncio, Jodorowsky emitió un mensaje breve en el que afirmó que “México es un país sagrado”. Agregó que mantiene un vínculo personal y creativo con el país, que formó parte de etapas relevantes de su producción artística. Sus declaraciones circularon en medios informativos junto a los datos del reconocimiento.

Antecedentes y trayectoria relacionada con México

Jodorowsky nació en 1929 en Tocopilla, Chile, y ha trabajado en teatro, cine y literatura. Su paso por México incluyó proyectos escénicos que fueron identificados por especialistas como puntos de referencia dentro de las prácticas teatrales experimentales del siglo XX. Esos trabajos siguen presentes en análisis académicos, archivos y revisiones sobre el desarrollo de la escena contemporánea.

El INBAL incorporó esa trayectoria al sustento del reconocimiento, destacando que la medalla se entrega a figuras que han contribuido a transformar prácticas artísticas o que han abierto rutas relevantes en sus disciplinas.

Cobertura y alcance de la noticia

Diversos medios nacionales publicaron notas sobre la entrega, retomaron la postura del INBAL y la reacción del artista, y contextualizaron el lugar que Jodorowsky ocupa dentro de la historia del teatro en México. La información generó interés por la manera en que la institución reconoce trayectorias internacionales que tuvieron momentos clave en el país.

La medalla, al enviarse al extranjero y difundirse sin un acto presencial, abrió también una conversación sobre los formatos actuales de reconocimiento institucional y sobre la relación entre las instituciones culturales mexicanas y los creadores que desarrollan parte importante de su obra fuera del país.

La acción de donar, que consiste en entregar fondos con fines benéficos, está respaldada por una extensa cultura a nivel mundial. A menudo, las donaciones de grandes sumas de dinero se canalizan hacia instituciones y organizaciones de la sociedad civil. En términos globales, hay varios países líderes en hacer esta práctica parte de su propia cultura. Indonesia encabeza el Índice Mundial de Filantropía de CAF World Giving desde hace varios años consecutivos, destacándose con un impresionante 90% de su población realizando donaciones. Un factor clave es el fuerte arraigo de conceptos religiosos, como el zakat islámico.

Otros países notables por su generosidad incluyen a varias naciones africanas, como Kenia, Gambia y Nigeria, conocidas por su sólida cultura de apoyo comunitario. Myanmar también figura, impulsado por tradiciones budistas como el dana. Además, el Reino Unido y Australia muestran altos índices de donaciones monetarias. Estados Unidos, con su histórica y significativa tradición de filantropía privada, donde las donaciones empresariales públicas son una práctica común, también se encuentra entre los líderes del ranking.

¿Cuánto donan realmente los multimillonarios?

En 2018 Jeff Bezos, fundador de Amazon, uno de los hombres más ricos del mundo donó $160,000 millones de dólares. Una cifra que sin duda a primera vista parece generosa y de alto impacto. Sin embargo, esta cantidad millonaria, era en ese momento tan solo 0.1 % de su riqueza acumulada. Así es, 169 mil millones de dólares, no llegaban a ser ni el 1 % de la fortuna de Bezos en 2018.

Este es solo uno de los muchos ejemplos de una gran paradoja: las grandes promesas de donación de los millonarios contrastan fuertemente con el bajo porcentaje de su fortuna que realmente donan. Si bien una donación de cientos de millones de dólares es nominalmente enorme, representa una porción mínima de la riqueza total de un multimillonario. Según Forbes en 2024, más del 70% de los multimillonarios de Forbes 400 donaron menos del 5% de su fortuna

Excepciones: Caso MacKenzie Scott

Hay pocas excepciones a la regla de la filantropía entre los más ricos. Según estimaciones de Forbes, solo diez de las 400 personas más acaudaladas de Estados Unidos han donado más del 20% de su patrimonio. Este grupo selecto incluye a figuras como Warren Buffett, Bill Gates, MacKenzie Scott, Melinda French Gates, Pierre Omidyar, George Soros, Edythe Broad, Lynn Schusterman, Reed Hastings y Amos Hostetter Jr.

MacKenzie Scott, exesposa de Jeff Bezos, destaca significativamente. Con un patrimonio neto superior a los 35.000 millones de dólares, ha roto el status quo al donar 19.250 millones a más de 2.000 organizaciones sin fines de lucro desde su divorcio. Esto representa un impresionante 79% de las acciones originales de Amazon que recibió en 2019. De hecho, en un solo año reciente, redujo su participación accionaria en un 42%, lo que equivale a 12.600 millones de dólares.

La motivación de su enfoque filantrópico radica en una experiencia personal de juventud: una compañera de cuarto le prestó generosamente $1,000, lo que le permitió continuar sus estudios universitarios.

Su filosofía se centra en la “contribución pacífica y no transaccional”. Confía en que las organizaciones receptoras son las que mejor conocen sus necesidades, por lo que no impone requisitos estrictos a sus donaciones.

Deducción de impuestos

Un factor importante en las donaciones de alto valor, son las donaciones deducibles de impuestos. Estas son una estrategia fiscal clave para contribuyentes con altos ingresos, ya que reducen su base imponible mientras apoyan causas benéficas. Para ser deducibles, las donaciones deben ser a entidades reconocidas por las autoridades fiscales (como Donatarias Autorizadas por el SAT en México o calificadas por el IRS en EE. UU.).

Existen límites porcentuales de deducción basados en los ingresos del donante en la mayoría de las jurisdicciones. Los grandes contribuyentes a menudo planifican estas donaciones a lo largo de varios años para optimizar el beneficio fiscal cuando los montos son muy grandes.

Tanto el IRS como el SAT permiten estas deducciones:

• E.U: Permite deducciones de hasta el 60% del Ingreso Bruto Ajustado (AGI), con la opción de trasladar el excedente no deducido a ejercicios futuros
• México: Las donaciones a donatarias autorizadas son 100% deducibles del ISR, respetando los límites porcentuales establecidos en función de los ingresos del donante

¿Qué sigue para la filantropía a gran escala?

En la actualidad, cada vez se observa una tendencia futura a la filantropía colectiva que busca maximizar su impacto uniendo esfuerzos.

Coefficient Giving es un gran ejemplo de ello, fue cofundada por Cari Tuna y Dustin Moskovitz (co-fundador de Facebook) y se basa en el altruismo eficaz. Su filosofía es donar a aquellas causas con la mayor probabilidad de generar un impacto significativo por cada dólar invertido. A diferencia de la filantropía tradicional, Coefficient Giving adopta una perspectiva global y se enfoca en la defensa, la investigación y las políticas para generar mayores beneficios estructurales.

A pesar de las paradojas en las grandes donaciones, el futuro de la filantropía millonaria es prometedor. Casos como el de MacKenzie Scott demuestran un enfoque en el impacto real más allá de la deducción fiscal. El auge de tendencias e iniciativas como Coefficient Giving, marcan una tendencia esperanzadora.

La tecnología está impulsando una transformación clave en los hábitos de donación. La manera y los destinatarios de las donaciones se están redefiniendo gracias al creciente uso de los pagos digitales, las plataformas de crowdfunding y la aplicación de la inteligencia artificial en la filantropía. Estas estrategias, buscan que el gran capital evolucione: pasar de ser solo un acto simbólico a convertirse en una herramienta clave y potente para construir un futuro más justo y sostenible.

Ocurre, además, en un momento en el que la ilustración vive un auge histórico: los libros-álbum se exportan más, los formatos híbridos proliferan y la lectura visual se vuelve parte esencial de la alfabetización cultural. FILIAZ, consciente de esta transformación, abre un espacio donde creación, industria y lectores se cruzan para ampliar horizontes.

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Un encuentro con nombres que definen el rumbo del dibujo narrativo

ilustrAcción reunirá a una constelación de artistas y especialistas cuya obra ha marcado tendencias en ferias del libro y escuelas de arte alrededor del mundo. En la lista figuran Elena Pasoli, directora de la Feria del Libro Infantil de Bolonia; los italianos Iván Canu y Giacomo Benelli, responsables de Mimaster Illustrazione; el catalán Joan Negrescolor; la argentina Paula Fernández; y una sólida representación mexicana encabezada por Alejandro Magallanes, Jorge Alderete, Valeria Gallo, Regina Olivares y Luisa F. Arellano.

Además de charlas y mesas redondas, el programa contempla talleres intensivos para quienes buscan abrirse paso en áreas como la edición independiente, el concepto visual y la narrativa secuencial. El enfoque es claro: ofrecer herramientas prácticas que conecten la obra de los artistas con circuitos editoriales internacionales.

Mariana Alcántara: la poeta de las imágenes que encabeza la muestra

La exposición central del encuentro, Poesía Visual, rinde homenaje a la sensibilidad de Mariana Alcántara, una de las ilustradoras mexicanas más celebradas en la escena global. Su estética, reconocida en certámenes como Sharjah, Chen Bochui y los BRAW Awards, combina lo cotidiano con lo simbólico, y convierte gestos íntimos en metáforas poderosas.

La exhibición ocupará la Biblioteca Vasconcelos hasta el 18 de enero de 2026 y funciona como una puerta a la exploración de un lenguaje que, más que ilustrar, interpreta el mundo desde los detalles.

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La visión de FILIAZ: leer también es mirar

Para Mariana Estévez, directora de la FILIAZ, la ilustración es una forma de pensamiento. Un modo de narrar lo que no siempre encuentra palabras. “El arte también se lee”, ha dicho en más de una ocasión, defendiendo la idea de que los libros ilustrados no son solo un complemento visual, sino un territorio creativo en sí mismos. ilustrAcción, en ese sentido, funciona como un puente: une a los artistas con los lectores; a los lectores con la memoria visual; y a la memoria con nuevas preguntas sobre cómo contar lo que nos rodea.

Rumbo a FILIAZ 2026: una segunda etapa con mirada europea

Tras su edición inaugural, ilustrAcción continuará su ruta en marzo de 2026, integrada al programa de FILIAZ 2026, que se realizará del 13 al 22 de marzo en Aztlán Feria de Chapultepec. Allí, la conversación se ampliará con invitados de la Comunidad Europea y México, bajo el eje temático “Lecturas que nos dibujan: crear, leer, acompañar”.

La apuesta es ambiciosa: construir un laboratorio artístico permanente donde las nuevas generaciones puedan formarse, crear redes profesionales y entender la ilustración como una herramienta narrativa al nivel de cualquier texto literario.

Antonio lleva puesta una chamarra estilo militar que recuerda los elegantes diseños de Hugo Boss en los años cuarenta. Es color azul, y de ella cuelgan insignias que no alcanzo a identificar con precisión. Nos encontramos en la colonia Petrolera de Azcapotzalco hacia las seis de la tarde de un lunes inusualmente frío en la Ciudad de México. Me ha recibido en su casa que es además su lugar de trabajo.

Aunque hoy abundan los entusiastas del collage en sitios web y colectivos, son pocos quienes ejercen el oficio con el rigor que merece y todo lo que eso implica: dejar la vida en la obra y sostener la búsqueda de la posteridad.

Me cuenta de esa vez que quiso asesinar a su yo artístico. Los problemas con la bebida han pavimentado buena parte de su trayectoria. En aquella ocasión, un Antonio totalmente alcoholizado destruyó la obra que iba a exponer en el extinto recinto Balderas 108. Su intención era acabar con ese ser del pasado que le atormentaba en aquel momento. No sucedió. «Lo atraje aún más y todo el mundo pensó que se trataba de un acto artístico eso de la destrucción de mi obra». De aquel lejano recuerdo la memoria es hoy manifestación y poderoso símbolo de protección, la última línea de defensa.

Antonio Fräppa (AF): Me llamo Antonio; desde hace 22 años soy Antonio Fräppa, un seudónimo que ya adopté como apellido. Soy artista autodidacta de Azcapotzalco. ¿Cómo me presentaría? Pues como alguien con mucha curiosidad creativa y muy chambeador en eso del arte, desde una posición muy independiente. Algo así, yo creo.

Es el artista Antonio Fräppa, director de la Sociedad de Collagistas Mexicanos. Ha expuesto obra en más de cinco países y en varios lugares de México. Renunció a la escuela de artes La Esmeralda a los 11 meses para encontrar su camino en la autodidaxia. La simbología religiosa, la muerte y el erotismo son elementos clave dentro del saturado uso de recortes en cada una de sus piezas. Te mostramos eso que hay detrás de estas imágenes de dolor, pérdida y reconstrucción de la existencia de un hombre que ha aprendido a crear lo que él ha llamado su «mitad faltante». Este es un trabajo exclusivo de W Radio.

En la casa hay parte de su obra. Al entrar por el zaguán, notas el rastro de su trabajo. Una mesa, material, virutas regadas por el suelo. También un letrero que hace sentir al visitante el cálido recibimiento de una madre o unos abuelos: «Bienvenido a mi casa». Al cruzar la puerta principal hay una sala y un comedor con algunos objetos de Antonio distribuidos en las sillas. Alrededor, fotografías familiares, muchas de ellas de otro tiempo, muchas de ellas de personas que no me atrevo a preguntar todavía quiénes son. Y al fondo, un restirador, libros, más material y collages por todos lados.

W Radio (WR): ¿Habrías sido el mismo artista si te hubieras quedado en La Esmeralda?

AF: Lo que me hubiera dado la escuela serían contactos y más facilidades para exponer o dar clases. Cuando entré a La Esmeralda llevaba 15 años haciendo collage por mi cuenta. Tal vez hubiera sido más fácil en lo social, porque sin academia es un trabajo muy solitario. Aunque a veces me junto con gente afín al collage y al arte, la creación sucede en el encierro.

WR: Muchos artistas que han trascendido vienen de la autodidaxia, y eso es valioso, porque el ser busca sus propias formas y caminos de expresión. Creo que la escuela, aunque útil, también puede limitar el desarrollo natural del arte. ¿Qué opinas?

AF: A fin de cuentas no deja de ser una caja. Antes de desarrollar mi carrera autodidacta sí intenté entrar a la escuela. Hice examen para la UAM* en Diseño Gráfico, lo más cercano a artes, y apliqué para la ENAP*. Ya no me tocó el pase automático, así que tuve que hacer examen. Fui enfermo, con fiebre. Esas cosas me ponen nervioso. Y el examen tenía preguntas que no tenían nada que ver con arte. Me frustró porque era justo todo lo que quería evitar: matemáticas, cosas así.

Antonio recuerda que suman más de veintidós años dedicados a esto. Hay que agradecer a esas instituciones que no lo aceptaron dentro de sus filas, de ese grupo de ilustrados. Hoy, es el principal expositor del collage pictórico de México, y una referencia obligada para cualquier artista que quiera incursionar en esta disciplina en el mundo.

Antonio Fräppa, Azcapotzalco, Ciudad de México, 1985. Todo su trabajo es autorreferencial. Veo que su obra ha sido colocada en marcos antiguos. Algunos de estilo barroco. Él se encarga de todo. Antes, una vez, llevó a enmarcar su trabajo a uno de tantos lugares donde enmarcan obra. Le pareció una falta de respeto el trato que le dieron a sus collages. Desde ahí, el se encarga del resto. Si crees en el pensamiento mágico, aquí viene uno.

Aquellos viejos marcos los ha encontrado en lugares distintos y han sido cargados energéticamente en el cementerio. Si observas su obra, la simbología juega un papel determinante. Más carga energética.

AF: «Son anécdotas, toda mi chamba es autorreferencial».

Me dice, y luego echo un vistazo a unos cuadros acomodados por el suelo. Distingo uno, el Angelito Negro, pieza ofrendada al altar de Lucifer con sede en Tepito. También hay piezas con cristos e imágenes religiosas. Algunas letras.

WR: ¿Cómo llegaste al altar de el Angelito Negro?

AF: Fue en un sueño. Estaba necesitado de un guía espiritual y pedí una señal. Esa noche me fui a dormir. Soñé con las manos del demonio, las sujeté y sentí paz. Luego fui a buscarlo a Tepito, conocí a Chino*, y en el altar, ofrendé mi pieza a Lucifer.

Fräppa insiste en que todo su trabajo es autorreferencial. Me sorprende la facilidad con que lo cuenta, y no hace sino despertar mayor interés por él. Emplea esa palabra, autorreferencial.

AF: Mi obra son cosas que he vivido, que me han impactado, algunas, traumatizado. Siento que tengo muchos vacíos, muchos abandonos. Si ves mi obra, hay saturación, exceso de elementos. Aunque tengan sentido, siempre está esa necesidad de llenar vacíos. No conozco a mi padre, por ejemplo, y siento que me falta una mitad. Esa mitad la he estado inventando, buscándome, creando respuestas; reconstruyendo mi existencia. La vida es lo que me impacta, lo que me mueve y también lo que me aterra. He pasado por algunas cosas. Me enfoco en lo violento, lo conflictivo, incluso en los artistas, cuando leo sobre ellos, me interesa su parte conflictiva, emocional, interna. Al principio me influí en la idea romántica del artista bohemio, esa del pobre, borracho, mujeriego. Me clavé con Modigliani. Me enamoré de ese personaje que vivía al margen.

WR: Hablando de tu proceso creativo, en muchos de tus trabajos hay imágenes encontradas o contrapuestas: arriba, abajo, izquierda, derecha. ¿Esta situación tú la impones como un significado o es producto del accidente creativo, y de pronto se encuentran las dos figuras una en contra de la otra?

AF: Creo que tiene que haber control del trabajo, pero también dar espacio a eso que se va desarrollando, a dejar que la intuición sea la guía. Tal vez ahora, al descubrir la cuestión técnica en eso del collage (de no pegar por pegar, sino tener herramientas específicas para hacerlo), es parte del control que yo puedo tener sobre la obra.

WR: Puede que lo siguiente sea una pregunta básica, pero creo que no lo es tanto si te encuentras con un lector curioso: ¿de dónde obtienes tu materia prima? Claro, tu materia prima son las vivencias, las anécdotas, pero ¿en dónde encuentras el material para recortar? ¿De dónde sustraes tus imágenes?

AF: En su mayoría en las librerías de viejo. Pero de cualquier lugar donde haya libros. Conforme fui creando me fui percatando de lo que necesitaba. Es un cosa obsesiva el no parar con los libros. Tengo suficientes como para no comprar más, pero soy muy goloso en eso. Donde veo oportunidad de obtener material, lo tomo. Si voy a alguna inauguración de cualquier cosa y veo que hay flyers, si me sirven, los tomo. En su mayoría son librerías, pero me he encontrado material también en los tianguis, en casas o bibliotecas. Yo no tengo problema en que, si veo que en una biblioteca tienen cinco tomos del mismo libro, tomo uno. Y busco la forma de llevármelo y quedármelo. Yo no tengo medidas en esa cuestión de la ilegalidad o de lo correcto o lo incorrecto.

WR: Es parte de tu trabajo estar en ese escenario, ¿no?

AF: Sí, porque es crear historia.

WR: Si lo vemos desde un lugar místico, sería una señal, como si el libro te hablara, quizá te pida que te lo lleves.

AF: Sí, y también siempre intento explicarle a las personas estos actos impulsivos, pero necesarios para el trabajo. Igual agarro un libro y lo regreso como obra. Entonces sí, mi material lo obtengo desde donde lo encuentre.

Por lo demás, Fräppa cuida todo el proceso. Desde el recorte hasta la enmarcación, incluso hasta a quiénes le vende su obra. Por una razón más metafísica que monetaria.

AF: Cuido todo el proceso. Es mi vida la que se va a vender, no sé a qué manos va a llegar y tampoco tengo la certeza de que vayan a valorar como yo valoro mi trabajo, porque sé lo que implica esa forma mágica. Es decir, sé que puede provocar mucho, entonces es mejor que lo tenga yo.

WR: Lo veo. Y en ese sentido, teniendo en cuenta lo que dices sobre la carga energética, ¿qué tanto peso tiene el pensamiento mágico en tu trabajo, en tu persona, en tu disciplina y, en general, en el arte?

AF: Pues debería tener todo el peso. Me di cuenta que podemos provocar cosas. Personalmente he provocado muchas cosas a través de mi obra, por los elementos que pongo. Como es autorreferencial, fuera de esa cuestión ególatra, es esa búsqueda interna. Me di cuenta que a veces provocaba situaciones que me han sucedido por elementos que he puesto en mi obra.

WR: Un ejemplo.

AF: Pienso que si tú te representas en un cuadro o a través de palabras o en una foto, como tú te representes es como se va desarrollando tu existencia.Si te pasó algo jodido, por ejemplo, mis problemas con el alcohol… Usaba elementos de botellas, de peleas, pero en lugar de alejarlo, lo seguía atrayendo.

WR: Al final el arte es manifestación.

AF: Exactamente, sí. Y tú puedes seguir mostrando esa parte oscura de las cosas, pero también debes de protegerte de todo eso.

WR: ¿Cómo te proteges?

AF: A través de los recortes.Si voy a poner una botella en mi mano, mis problemas con el alcohol (llevo ocho años trabajando eso), entonces, si quiero representarme otra vez con problemas con la bebida, en lugar de poner una botella llena o entera, la pongo rota.

WR: Símbolos contra símbolos.

AF: Exactamente. Lo que decías hace rato.

*UAM. Universidad Autónoma Metropolitana. *ENAP, Escuela Nacional de Artes y Diseño. *Chino, host y fundador del altar del Angelito Negro.

Te contamos por qué esta cinta es el plan cultural perfecto y el incentivo para correr a comprar tus boletos.

El Duelo de Autores: Cuando Richard Linklater filma a Godard

La obra central de esta recomendación es “Nueva ola francesa”, dirigida por el aclamado cineasta estadounidense Richard Linklater (conocido por Boyhood y la trilogía Before). Linklater rinde un homenaje delirante, creativo y en blanco y negro al nacimiento de uno de los movimientos más importantes de la historia del cine: la Nouvelle Vague.

La película se centra en la juventud de Jean-Luc Godard en el París de 1959, justo cuando se propone filmar su ópera prima, la icónica “Sin aliento” (À bout de souffle, 1960).

Es una comedia que retrata el caos, la pasión y la desobediencia creativa con la que Godard y su equipo desafiaron a los productores, la falta de recursos y las reglas para revolucionar el lenguaje cinematográfico mundial.

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Ver esta cinta es presenciar el diálogo fascinante entre un director moderno, Linklater, interpretando al visionario que cambió el cine, Godard, en un formato que evoca la estética de la época.

Es ahora o nunca en la Muestra 78 Internacional de Cine en la Cineteca

La principal razón para no posponer este plan es la naturaleza de la Muestra Internacional de Cine:

• Estas películas son proyecciones únicas. La Muestra 78 solo tiene una duración limitada, y las funciones de “Nueva ola francesa” se agotan rápidamente, ya que es la única oportunidad de verla en la gran pantalla en México.
• La Cineteca Nacional selecciona lo mejor de los festivales internacionales más prestigiados. No solo verás esta cinta, sino que al visitar la Cineteca te sumergirás en un ambiente cinéfilo inigualable.

Si te apasiona la historia del arte o la rebeldía creativa, esta película te ofrece reflexión, riesgo y una mirada lúdica sobre cómo se crea una obra maestra.

No dejes pasar la oportunidad de ver una de las películas más esperadas de la 78ª Muestra Internacional de Cine en la Cineteca Nacional.

Romería narra el viaje de Marina, joven de 18 años que tras quedar huérfana de ambos padres, busca reconectarse con su familia paterna en Vigo, Galicia. Su objetivo inicial es obtener un documento que confirme su vínculo familiar y le permita acceder a una beca para estudiar cine. La búsqueda se transforma en un recorrido por los secretos, silencios y tensiones familiares que la confrontan con un pasado que apenas conoce.

Recibimiento

La película cierra lo que muchos críticos consideran la trilogía familiar de Carla Simón, que inició con Verano 1993 y continuó con Alcarrás. Simón combina registros casi documentales, como el diario que sigue Marina, imágenes de una estructura fragmentada que reconstruye, de a poco, las memorias perdidas e inconclusas. Temas como el SIDA, la drogadicción y la vergüenza familiar se abordan de manera directa, y dan espacio a que las decisiones de los personajes y sus prolongados silencios construyan la narrativa.  

Durante su estreno mundial en el Festival de Cannes 2025, Romería recibió una ovación prolongada y destacó la actuación de Llúcia García, quien interpreta a Marina. Críticos como Peter Bradshaw (The Guardian) destacan la inteligencia dramática de la cinta y su capacidad para abordar la memoria familiar sin recurrir al melodrama. Espinof la ha descrito como el trabajo más sólido de Simón hasta la fecha. Al tiempo que Fotogramas señala que la mezcla de lo realista con lo fragmentario otorga un ritmo vivo al relato.

¿Por qué no te la puedes perder?

La presencia de Romería en la Cineteca Nacional permite al público mexicano acercarse a una historia que, aunque profundamente personal, dialoga con heridas generacionales universales. La memoria, el silencio y la reconstrucción de lo que se perdió se convierten en ejes que atraviesan la película y que cobran sentido en una proyección colectiva como la de la Muestra Internacional de Cine.

Esta proyección representa más que un estreno: es una invitación a revisar las historias que heredamos, a confrontar lo que se ha quedado sin decir y a entender cómo el pasado se filtra en el presente a través de quienes somos y de quienes amamos.

Un fotógrafo que persigue lo invisible

La noche en Live Aqua San Miguel de Allende no necesitó preámbulos. Las paredes respiraban un rumor suave, como si cada cuadro palpitara. Allí, entre luces moradas y sabores, Uriel Santana presentó “Las formas del alma”, una travesía visual que busca aquello que no se posa, no se posa para la foto, sino para la vida: la verdad que queda cuando se cae la pose.

En esta muestra, una mezcla de retratos, cuerpos, gestos y silencios, los visitantes descubren algo poco habitual: imágenes sin prisa, sin una intención de presumir belleza, sino de explorarla desde su origen más crudo. La piel deja de ser superficie; la mirada se convierte en lenguaje. La vulnerabilidad, en lugar de fragilidad, se transforma en un espacio de poder.

“No fotografío cuerpos. Fotografía tras fotografía, busco el alma que se atreve a mostrarse”, expresó Santana al inaugurar la exposición en el bello recinto.

Un proyecto que nació en secreto y creció como una confesión compartida

Lo que hoy parece una exposición monumental empezó como una inquietud íntima. “Hace ocho años comencé a sentir la necesidad de retratar a personas famosas sin todas las capas con las que solemos protegernos”, recuerda Santana. Sin filtros, sin producciones estridentes, sin narrativas prestadas.

A su lado, y con un brillo de complicidad en los ojos, Ana Celia confirma que la obra es fruto de un viaje colectivo:“Somos cinco los que hemos caminado este sueño: Javier Barrera, Jean Cárdenas, Fernanda Familiar, Uriel y yo. Y quiero nombrar a Hugo Serna, porque sin él no habríamos llegado aquí”.

Urquidi, productora de televisión y cine, siempre acostumbrada al detrás de cámaras, confiesa que este proyecto la llevó a un territorio inesperado: “Me siento halagada. Esto está fuera de mi contexto profesional, pero profundamente conectado con alguien a quien admiro: Uriel. Aquí estamos todos, construyendo algo que durará más allá de nosotros”.

El cuerpo como mapa y la mirada como frontera

Las fotografías muestran a personas conocidas, como por ejemplo: Daniela Romo, Bárbara Mori, Erika Buenfil, Mariana Seoane, Grettel Valdez, Andrés Palacios, Sebastián Ruli, Christian Chávez, entre otros, pero no como las conoce el público. Aquí no hay peinados perfectos, vestuarios curados ni encuadres destinados al aplauso. Solo rostros, torsos, piel. De pronto, quienes suelen vivir rodeados de vigilancia mediática aparecen libres, sin personajes que defender.

Le pregunto a Santana cómo se descubre el alma en una sesión así, tan expuesta.

“Quitas lo que tapa: la ropa, la pose, la idea de lo que uno cree ser. Más allá de la piel está la mirada, y ahí no hay falla. Cada persona se proyecta porque no tiene nada más que dar que a sí misma, todo eso en la mirada”.

La esencia, dice, no se puede ensayar.

La evolución de un oficio que empezó en la infancia

Al hablar de su crecimiento artístico, Santana sonríe como quien regresa al origen.

“Ha sido un proceso natural. La disciplina hace lo suyo. Me levanto todos los días con ganas de retratar. Esto no es forzado: es mi pasión desde niño”.

Y en esta exposición, esa disciplina dialoga con algo más profundo: una manera de mirar el mundo desde un sentido matriarcal.

“Crecí rodeado de mujeres poderosas: mi madre, mis hermanas. No hicieron caso a las reglas de antes. Cuando veo a una mujer, veo un símbolo divino: poder, amor, ternura. Eso me ha permitido ver más allá del cuerpo y capturar la esencia”.

Vulnerabilidad: la palabra que cambia de forma

La conversación deriva hacia una pregunta esencial: ¿qué significa la vulnerabilidad en una sociedad que exige dureza y sobreexposición?

Ana Celia toma aire y responde desde la memoria: “En mi época se decía ‘¿se encuera o no se encuera?’ Era una frase durísima, sobre todo hacia una mujer. Hoy hemos avanzado, pero la vulnerabilidad sigue ahí. Incluso si ves a una mujer tranquila, imagina hacerlo frente a treinta personas. Atreverse es un acto enorme”.

Sin embargo, para Urquidi la vulnerabilidad cambia cuando existe un propósito:“Cuando la intención es retratar el alma, no hay morbo. Hay libertad. Lo que aparece en estas imágenes no es debilidad, sino un gesto de confianza”.

Santana coincide: “Lo vulnerable te vuelve poderoso. Cuando te muestras como eres, la gente ya no tiene más qué decir de ti. Es un acto de valentía”.

Lo que quieren que la gente se lleve

En una exposición donde la desnudez deja de ser un espectáculo para convertirse en lenguaje, surge la pregunta inevitable: ¿qué mensaje quieren que el público se lleve?

Urquidi responde con suavidad, casi como un susurro:“No buscamos que alguien se quite la ropa. Buscamos que alguien se sienta cómodo en su piel. Yo también tengo una cesárea, tengo estrías. Esa es la geografía del cuerpo. Y eso también es belleza”.

Santana añade con firmeza: “Soy fan de las cicatrices. Son tu historia. Si esta exposición logra que alguien se vea con más amor, entonces cumplimos el propósito”.

Un viaje que apenas comienza

“Las formas del alma” recorrerá México en formato itinerante. Después de San Miguel de Allende, la muestra viajará a distintos lugares. El proyecto cerrará con un libro de arte que funcionará como testimonio visual y emocional de esta búsqueda por lo auténtico.

Quizá eso explica la emoción de quienes estuvieron en la inauguración. No se trataba solo de celebrar una exposición, sino de asistir al nacimiento de un archivo íntimo: un espejo para mirar lo que somos cuando nadie nos observa.

Y, al final, eso es lo que sostiene la obra de Santana: un acto radical de honestidad, un recordatorio de que la vulnerabilidad también es una forma de libertad, y que el alma, cuando se atreve a aparecer, nunca se olvida.

¿De qué trata la exposición de piñatas del MAP?

Cada año el Museo de Arte Popular (MAP) suele realizar una exposición de piñatas para traer de vuelta el arte de hacerlas. Es bien sabido que las piñatas retratan cualquier cosa de la cotidianidad, haciendo una burla a ciertas personas, hechos o cosas simples.

Es por eso que el MAP con la exposición de piñatas narra su propia historia y proceso artesanal, pues son piezas únicas creadas por artesanos y artistas que participaron en un concurso del mismo recinto cultural. Esta exposición es para todas las edades, por lo que si quieres acudir con tu mejor compañía puedes hacerlo sin problema.

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¿Hasta cuándo estará disponible la exposición de piñatas del MAP?

La exposición de piñatas del MAP estará a partir del 8 de noviembre hasta el 15 de diciembre de 2025, así que aún hay tiempo de visitarla y ver todo lo que hicieron.

Recuerda que esta actividad dentro del museo es para todas las edades y es importante para conocer las tradiciones, su origen y sobre todo el por qué tener y hacer piñatas se está convirtiendo en un fenómeno mundial que no se puede perder de vista en pleno 2025.

¿Cuáles son los costos y horarios del MAP?

El Museo de Arte Popular (MAP) tiene un horario de martes a domingo de 10 a 18 hrs, y los costos de entrada son de $60 de martes a sábado y los domingos el acceso es gratuito para todas las personas. Asimismo, considera que si vas a visitar el recinto cultural entre semana, estudiantes, profesores, personas con discapacidad y adultos mayores de 60 años no pagan la entrada.

¿Cuándo abrirá el MIDE?

El Museo Interactivo de Economia (MIDE) es el primer museo de economía en el mundo. Está ubicado en el Centro Histórico de la CDMX y su principal objetivo es acercar la educación económica, financiera y ambiental a todos los visitantes, todo desde una visión interactiva, lúdica y reflexiva.

Es por eso que se le extraña bastante por las calles del centro capitalino y el MIDE lo sabe perfecto, por lo que desde el 8 de noviembre el recinto ya se encuentra abierto.

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¿Qué actividades hay por la reapertura del MIDE?

El MIDE se puso muy elegante con sus actividades y nuevas adquisiciones, por lo que desde el 8 de noviembre hasta el 16 de este mismo mes, todos los asistentes podrán visitar el museo completamente GRATIS.

Aunado a esto, el MIDE preparó un perro robot que están más que seguros que les enseñará bastante sobre economía a grandes y chicos. Éste habla con los visitantes y explica con bastante sencillez los conceptos de la inflación, la oferta y la demanda de los mercados.

Por otro lado, añadieron muchas proyecciones en video mapping y juegos mucho más interactivos para que todos aprendan por igual. Así que si lo tuyo es ir a aprender mucho sobre las finanzas, el MIDE es tu mejor opción.

¿Cómo llegar al MIDE?

Si no sabes cómo llegar al MIDE o tal vez ya se te olvidó un poco el camino, no te preocupes que aquí hay varias opciones:

• Transporte público: el metro más cercano al MIDE es la estación Allende de la línea 2, una vez saliendo es caminar sobre la calle de Tacuba con esquina a la calle Simón Bolivar y listo, has llegado
• Automóvil: si vas en coche te recomendamos llegar por la calle de Tacuba, Filomeno Mena o Simón Bolivar. El museo no cuenta con estacionamiento, sin embargo, hay algunos cercanos al recinto que cuestan alrededor de $13, $24 o $30 la hora.

Así que toma precauciones y acude con tiempo para que puedas disfrutar de todo el lugar sin prisas.

Durante cerca de 90 años, este salón de baile ubicado en la calle Lerdo 206 en la colonia Guerrero de la alcaldía Cuauhtémoc, ha formado una historia entrañable y digna de conocer, pues ha sido testigo de la historia cambiante de nuestro país no solo en el ámbito musical sino también del baile.

Este legendario recinto no solo ha guardado historias a ritmo de danzón, chachachá, swing y mambo, sino que ha sido la locación perfecta para capturar en una cámara fotográfica la esencia de la vida nocturna y cultural mexicana. Sus más de 1,300 metros de duela de madera han sido sede de al menos 26 producciones audiovisuales notables entre películas, series, videos musicales, y documentales.

¿Qué películas han grabado en el salón Los Ángeles?

La primera película que fue grabada ahí fue Una gallega baila mambo en 1951 protagonizada por una muy joven Silvia Pinal y Joaquín Pardavé. Después, continuando su inicio en la pantalla de la época de Oro del cine mexicano, el salón fue utilizado en otros clásicos como:

○ Esquina bajan (1948).

○ Tívoli (1974).

○ Danzón (1991)

Ya en el siglo XXI aparece en Cantinflas, la película (2014), película que retrata la vida de Mario Moreno quien frecuentaba el lugar para bailar, Paradas Continuas (2009) y Cuando los hijos regresan (2017).

Su llegada a la fama internacional

El atractivo cultural de Salón Los Ángeles ha trascendido fronteras, convirtiéndolo aún más en un set atemporal y muy atractivo para la cámara. En la serie original de Netflix Sense 8, grabada en ocho ciudades del mundo; el salón hace una aparición en un capítulo de la segunda temporada estrenada en 2017. Por los mismos años se grabó en este sitio en la película española de The Chosen, biografía de León Trotsky. También ha sido el escenario de producciones de no ficción, como el documental Bailar para Vivir (2004) de la directora alemana Cordelia Dvorá y el cortometraje El Abuelo (2011).

¿Y en la televisión y telenovelas?

La duela de madera no solo ha sido un set de cine; su ambiente singular también ha atraído a grandes nombres de la música y la televisión. En él se han grabado videos musicales icónicos como por ejemplo recientemente, el salón fue el escenario para la grabación de Amor a primera vista de Belinda y Los Ángeles Azules. Este video por sí solo registra más de 897 millones de vistas. Años antes fue set de otros videoclips como El microbito del grupo Fobia (1997), La Rubia y El Demonio del grupo Panteón Rococó (2008) y VIVE con Mane De la Parra y Napoleón (2012).

Por otro lado, también ha salido en la televisión, pues fue la locación de 165 emisiones del programa Son…eros, aparece en la telenovela Amor de Barrio, y al igual en la puesta de escena Aventurera durante 4 años.

El Salón Los Ángeles, un lugar emblemático, ha mantenido viva su magia desde sus inicios con danzones y mambos. Famoso por ser punto de encuentro de figuras como Frida Kahlo, Diego Rivera y Carlos Fuentes, hoy en día sigue atrayendo la atención, apareciendo en anuncios y consagrándose como el “hogar y hoguera de quienes gustan de sacarle brillo al piso”. Si bien es perfecto para una foto o un momento digno de Instagram, su esencia inmutable radica, ante todo, en el baile. Se puede visitar con un horario de martes a domingo de 17:00 a 23:00. Ofrecen clases de baile de dos horas los lunes a las 18:00 y martes 16:00. El precio varía según el evento pero su entrada en promedio cuesta $100 MXN.

Gigantescas pantallas y super bocinas dignas de alguien tan inmenso se iban preparando para rebotar entre la inigualable y bella Catedral y los edificios coloniales.

Desde muchísimo antes de la hora, familias, parejas de todas las edades, grupos de amigos e incluso los solitarios que dejaron todo para asistir, se acomodaron sobre cartones y cojines improvisados, esperando a que diera inicio.

Los vendedores ambulantes, tamales, cacahuates, esquites, banderines o gorras, se iban moviendo entre la multitud. La atmósfera se acomodó entre la celebración, nostalgia y los tiempos de ahora: teléfonos en alto, lágrimas en las mejillas, aplausos y gritos que estallaban con el primer acorde de “Amor eterno” y drones que oscilaban por arriba de estos aplausos.

Muchos se preguntaban desde casa si “¿habrá valido la pena? pues podían verlo sin la necesidad de ella, pero sin duda la amplitud de la pantalla y el audio hicieron la gran diferencia aunado de los coros que lograron hacerlos sentir como si hubieran estado dentro del Palacio de Bellas Artes aquella noche marcada en la historia dónde solo apenas unos contados afortunados lograron el cometido.

Las cifras oficiales apuntan que más de 170,000 personas se dieron cita en la Plaza de la Constitución para revivir ese recital de 1990.

La colaboración entre Netflix y la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México permitió que el material restaurado llegara en formato de gran pantalla al Zócalo.

Ningún segundo se mantuvo en silencio, es que se vivió como si se tratase de un concierto “real” ya que hasta tuvo presencia de mariachis en vivo y fuegos artificiales. Al final, cuando las luces se atenuaron y la gente comenzó a dispersarse, quedaba la estela de una velada que fue, a la vez, homenaje y reencuentro entre las viejas y nuevas generaciones.

El rapero y productor musical no se presentaba en México desde 2008 cuando fue la última y única vez que se le vio en escenario por tierras aztecas. Hoy ¡17 años después! anuncia su sorprendente regreso, dejando boca abierta a todo el país.

Y es que fue el propio artista quién difundió la noticia a través de su cuenta de X.

Kanye West conocido por emblemáticos álbumes como Graduation, My Beautiful Dark Twisted Fantasy, 808s & Heartbreak, Donda 1 y Donda 2, ha sido no solo un artista de talla, sino un ícono en la industria musical y su regreso a México llega en medio de una nueva etapa creativa y un repaso de toda su magistral discografía, además de presentar nueva música.

El evento se dará cita en la Plaza de Toros “La México”, ubicada en la delegación Coyoacán el 30 de Enero del 2026, a través de una noche única en la que todos sus fans han estado esperando por años.

¿Cuando y cómo conseguir boletos?

Aunque la fecha y lugar ya están confirmados por el propio artista, todavía no se conocen los precios oficiales, ni la boletera encargada o fecha para la venta de boletos, ni mucho menos detalles de producción o invitados.

Pero el registro para la misma ya está habilitada y debes de hacerlo ya para tener la oportunidad de ir a uno de los conciertos más esperados del próximo año, aquí te dejamos el enlace para que te registres ¡ya!

https://yemexicocity.com/

Así que ya sabes, esta es tu oportunidad para que cantes con fuerza en un concierto que se quedará en la historia.

A continuación, un repaso de las películas a proyectarse del 13 de noviembre al 11 de diciembre de este año.

La apertura corresponde a Nueva Ola Francesa (Francia, 2025), de Richard Linklater, un homenaje explícito a Jean-Luc Godard que celebra la inventiva  y la desobediencia creativa, al tiempo de consolidar el diálogo entre tradición y contemporaneidad en el cine de autor.

En el terreno histórico y reflexión social, El sonido al caer (Alemania, 2025) explora la memoria alemana del siglo XX con un tratamiento sensible que recorre heridas colectivas, mientras Sirat: Trance en el desierto (España-Francia, 2025) propone un viaje hipnótico que desafía la lógica narrativa convencional y confronta al espectador con los límites de la percepción cinematográfica.

El drama humano se impone en Sueños (sexo y amor) (Noruega, 2024), Oso de Oro en Berlín, donde Dag Johan Haugerud construye un relato sobre la intensidad del amor, la sexualidad y el autodescubrimiento, y en Ella y su hijo, de Saeed Roustayi, que retrata con crudeza las condiciones de violencia y las estrictas normas sociales que enfrentan las mujeres en Irán. Obispo rojo, de Francesco Taboada Tabone, ofrece una radiografía documental del prelado mexicano Sergio Méndez Arceo, combinando archivo histórico y mirada crítica para reconstruir un personaje que marcó su tiempo.

La sátira política se hace presente con Un fantasma para servirte (Tailandia, 2025), una ópera prima que cuestiona la memoria selectiva de los sistemas y la manipulación del pasado, y con O último azul (Brasil-México-Chile-Países Bajos, 2025), donde Gabriel Mascaro articula un paisaje distópico que confronta política, memoria y control social. Regresos significativos incluyen Romería (España-Alemania, 2025), de Carla Simón, que examina duelos y reconfiguraciones familiares tras la muerte, y Dos fiscales (Francia-Alemania-Países Bajos-Letonia-Rumania-Lituania, 2025), de Sergei Loznitsa, que penetra en la estructura del régimen totalitario durante las grandes purgas estalinistas.

Entre los clásicos de la programación, Underground (Yugoslavia, 1995), de Emir Kusturica, mantiene su vigencia como sátira política y epopeya sobre medio siglo de historia yugoslava, mientras Dos extraños, dos estaciones (Japón, 2025) ofrece una introspección sobre la creación artística como herramienta para construir experiencia humana y analizar la amistad y la cotidianeidad.

La programación cierra con La voz de Hind Rajab (Túnez-Francia, 2025), galardonada con el Gran Premio del Jurado en Venecia, que recrea a partir de audios reales las últimas horas de una niña palestina de seis años asesinada por el ejército israelí, un filme potente, directo y conmovedor que confronta la violencia desde la intimidad de la experiencia individual.

La 78 Muestra Internacional de Cine se realizará del 13 al 30 de noviembre en la Cineteca Nacional México, y del 21 de noviembre al 11 de diciembre en la Cineteca Nacional de las Artes y Cineteca Chapultepec, con funciones también en CCU-UNAM, Museo Universitario del Chopo y otros espacios culturales.

La edición de este año reúne a autoras y autores como Gioconda Belli (Nicaragua), Ángeles Mastretta, Rosa Beltrán, Alberto Ruy Sánchez y Ana Clavel (México), Diamela Eltit (Chile), y los españoles Laura García y Jorge Carrión. Se suman también voces locales como Celeste Alba Iris García, José Francisco Márquez Alonso, Liliana Blum, Silvia Peña Alfaro, E. Tonatiuh Trejo y Mónica Nepote.

San Luis Potosí y su tradición literaria

San Luis Potosí tiene una tradición literaria que ha transitado de los nombres del canon a una escena contemporánea activa. En el estado nacieron Manuel José Othón y Francisco González Bocanegra, y desde la década de los noventa la ciudad ha construido espacios para la formación y la discusión, como el Centro de las Artes, la Casa de Cultura del Barrio de San Miguelito, la Casa Rosalía o los círculos de lectura independientes que se han mantenido en colonias, universidades y cafés. El festival forma parte de esa continuidad, un punto de encuentro anual donde se cruzan generaciones, estilos de escritura y formas de leer lo público.

La presentación oficial del festival se realizó hace una semana en la Casa Universitaria del Libro de la UNAM, en la Ciudad de México. Ahí, el alcalde Enrique Galindo Ceballos señaló que esta edición ocurre en un contexto en el que San Luis se reconoce como Capital Americana de la Cultura y Ciudad del Aprendizaje por la Unesco.

¿Cuándo es el desfile de Día de Muertos 2025?

Una de las fechas más importantes para México es el día de muertos. Una tradición que tiene más de 200 años de llevarse a cabo, tiene un significado muy importante pues, recordar a nuestros seres queridos que han partido de este mundo y esperar a que nos visiten al menos un día nos llena el corazón.

Es por eso que las autoridades correspondientes lo saben perfectamente y desde hace nueve años, se ha organizado el ahora clásico, desfile de Día de Muertos.

En la edición de este año, de acuerdo con la convocatoria, se hará un homenaje a la lucha libre mexicana y al arte drag, por lo que seguro habrá mucho color con pierrotazos incluidos. La cita es el sábado 1 de noviembre de 2025.

¿Cuál es el recorrido que harán?

Es bien sabido que casi siempre, el desfile de Día de Muertos parte desde la Puerta de Los Leones en el Bosque de Chapultepec y concluye en el Zócalo de la capital. Así que si quieres asistir, te recomendamos llegar temprano para agarrar un buen lugar.

La ruta que seguirá el desfile de Día de Muertos será:

• Salen por la puerta de Los Leones en Chapultepec
• Pasan por el Ángel de la Independencia
• Siguen hacia la Diana Cazadora
• Se dirigen hacia la Glorieta del Ahuehuete
• Llegan a la Glorieta de Cuauhtémoc
• Caminan hacia la Glorieta de las Mujeres que Luchan
• Pasan frente a El Caballito
• Finalmente terminan en el Zócalo

Te sugerimos revisar las vialidades cerradas antes para que elijas la mejor ruta en dado caso de que tengas que pasar cerca a la zona.

¿Cuál es la temática y cómo participar en este desfile de Día de Muertos 2025?

La convocatoria para participar en el desfile de Día de Muertos 2025 fue lanzada por la Fábrica de Artes y Oficios (FARO) Aragón. Ellos mencionan que las personas que deseen participar en este gran evento y requieren que tengan disponibilidad de horario entre las 7:00 AM y las 20:00 hrs el mismo día del desfile.

Por otro lado, los organizadores mencionaron que la temática principal es: ‘Paisaje vivo: el arte drag y la lucha libre’.

Asimismo, encontrarás carros alegóricos con catrinas gigantes, música en vivo y mucha conmemoración.

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Alberto Aguilera Valadez, un niño de Parácuaro, Michoacán, “convirtió su herida personal en un himno y la exclusión en un espectáculo”. Las realizadoras revelan un Juan Gabriel visionario de la conservación de la memoria, que se grababa a sí mismo “todo el tiempo”.

Un Archivo Íntimo e Inédito

La columna vertebral de la docuserie son los más de 2 mil casettes que contienen charlas y declaraciones, un archivo al que “nadie había tenido acceso hasta ahora, 45 años después”. Esta “egoteca” o “joya de museo documental” revela a un artista que, antes de ser Juan Gabriel, “ya empezó a generar acervo y no paró hasta el final”.

Las entrevistas grabadas para la serie utilizan solo audio de forma premeditada, buscando generar un contraste de épocas y resaltar la diferencia en cómo se concebía la grabación de la vida cotidiana en el pasado, cuando “tener una cámara en tu casa para registrar tu cotidianidad no es como ahora”.

El Provocador que se Salió con la Suya

La docuserie explora la compleja relación entre Alberto y su alter ego. “Alberto protegía a Juan Gabriel y Juan Gabriel protegía a Alberto”. Las directoras señalan que “siempre jugó con esa dualidad”, entendiendo que “eran la misma persona pero él mismo sabía separar ciertas cosas fundamentales” para protegerse de “chismes y calumnias”. En sus propias palabras, el “Divo de Juárez” afirmó: “Yo creé a Juan Gabriel y soy el único que tiene derecho a destruirlo”.

Juan Gabriel es retratado como “el gran provocador y el gran conquistador, provocaba para conquistar”. El documental subraya que ni “los moralinos, ni ese contexto conservador machista de principios de los 70 en México no pudieron evitar que subiera como la espuma”. El artista se atrevió a “meterse con el charro y ponerle lentejuelas”, usando su música para que “todos se rindieran a sus pies.”

Al definir al personaje a la luz del documental, las realizadoras concluyen que Juan Gabriel fue un “personaje que se salió con la suya en todo, era más grande que todo poder”. “Más grande que el poder político, más grande que la homofobia, que el machismo”. Jamás renegó o pretendió ser alguien que no era. Su arte fue una redención; “la herida la volvió canto”, y con cada transgresión se decía a sí mismo: “debo, puedo y quiero”.

¿Dónde ver la docuserie?

La docuserie de cuatro episodios de una hora tendrá su estreno en Netflix. Se estrena hoy, jueves 30 de octubre de 2025, en el catálogo de Netflix.

El lanzamiento se produce en un momento de gran atención al “Divo de Juárez”, con la proyección de su icónico concierto en Bellas Artes de 1990 programada como un gran homenaje en la Ciudad de México.

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Del Toro, quien también se encuentra promocionando su propia versión de Frankenstein, se convirtió en una figura clave para la concreción del filme de los Ambriz. “Es nuestro gran amigo, guía artístico y moral. ”Siempre que tenemos una duda nos responde. Lo contactamos para que viera la película y desde marzo hasta acá nos ha acompañado. Gracias a él pudimos concretar la distribución con Cinépolis”,

Una apuesta inédita en el cine mexicano

Soy Frankelda se gestó durante cuatro años de producción en el estudio Cinema Fantasma, ubicado en Ciudad de México. La cinta utilizó alrededor de 50 sets distintos y más de 100 marionetas hechas a mano, reuniendo a un equipo de más de un centenar de artistas. Para Arturo Ambriz, esta obra representa una apuesta arriesgada pero necesaria: “Es la primera película hecha en stop-motion donde se presenta un mundo de fantasía que sentíamos hacía falta en México”.

La protagonista, Frankelda, no es ajena al público. Su historia comenzó en la serie Los sustos ocultos de Frankelda, creada para HBO Max, y desde entonces ha evolucionado hasta convertirse en un largometraje. Frankelda se ha convertido en una obsesión. Queríamos crear algo de casa, de nuestro folclore, con este ambiente de fantasía. Es una apuesta muy fresca, el mundo y los personajes que creamos no se parecen a nada, y eso es lo que merece el público”, añadió Arturo.

Una historia de fantasía y terror

Basada en el universo creado para la serie de HBO Max, la película sigue la historia de Frankelda, una misteriosa escritora fantasma del siglo XIX, que, junto a su gruñón libro encantado, ayuda a niñas y niños a enfrentar sus miedos a través de relatos de terror. Su mundo da un giro cuando recibe la visita de Herneval, el príncipe de los sustos, quien la invita a viajar al Reino de las Pesadillas, donde deberá escribir nuevas historias aterradoras mientras enfrenta desafíos que podrían poner en peligro su misión. Con inspiraciones como Leonora Carrington, Remedios Varo, Tim Burton y Henry Selick, la propuesta y festín visual de la cinta promete mucho.

Funciones especiales y acceso gratuito

Como parte del esfuerzo por acercar esta innovadora propuesta al público, la Secretaría de Cultura organizará dos funciones especiales gratuitas:

• Miércoles 29 de octubre, 16:30 h – Centro Cultural José Martí (Calle Dr. Mora 1, Col. Centro, CDMX). Entrada libre, recomendada para mayores de 13 años.
• Jueves 30 de octubre, 16:00 h – FARO Oriente (Calz. Ignacio Zaragoza, Iztapalapa, CDMX). Función gratuita y abierta a toda la familia.

Ambas proyecciones invitan a los asistentes a llegar con anticipación, ya que se espera una gran afluencia. Además de contar con una exposición en la Cineteca Nacional, con escenarios y marionetas usadas en la cinta.

Apoyo de nuestro tapatío ganador del Oscar

El entusiasmo de del Toro no se limitó al ámbito profesional. El cineasta también usó su influencia en redes sociales para invitar al público a apoyar la película. A través de X (antes Twitter), compartió el mensaje de un usuario que decía: “Apoyen a Frankelda HDSPTM”, lo que generó una ola de comentarios positivos y humorísticos entre los seguidores.

Una cinta hecha con el corazón y las manos

Soy Frankelda no solo destaca por su calidad técnica y visual, sino también por su valor simbólico: es una película realizada sin apoyo extranjero, impulsada por el talento artesanal de artistas mexicanos. Para sus creadores, es un “antídoto a la inteligencia artificial”, una obra que rinde homenaje a las historias contadas a mano, con imaginación y pasión.

La cinta estará disponible en la cartelera nacional a partir del día de mañana, 23 de octubre y se puede adquirir boletos en la app de Cinépolis o Cinemex o en sus taquillas respectivas. Su realización marca un hito para la animación mexicana, consolidando a Soy Frankelda como un referente del género y del talento nacional incluso antes de su estreno.

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El último miércoles de cada mes, se presenta un programa que comienza regularmente a partir de las 6 de la tarde, para que todos los museos y recintos culturales abran sus puertas con diversas actividades para disfrutar una noche mágica. Te dejamos algunos de los recintos y su cartelera para este mes de octubre en la Noche de Museos.

Noche de Museos: El Día de Muertos viene con música, películas y más con acceso GRATUITO

• Noche de Museos: Museo Legislativo

Si te encuentras por el centro de la capital, podrás disfrutar de una noche temática de Día de Muertos con la inauguración de la ofrenda ´Del Palacio al Panteón´. Y si no puedes asistir, no te preocupes, puedes verlo desde su cuenta oficial de Facebook.

• Noche de Museos: FARO Aragón

En este recinto cultural proyectarán gratis el clásico del terror ‘El Exorcista’. La cita es en punto de las 18:00 hrs y recuerda llegar con tiempo porque el cupo es limitado a 120 personas.

• Noche de Museos: Palacio de Minería

La Facultad de Ingeniería de la UNAM invita a todos los asistentes a disfrutar de una noche completamente potosina con la tradicional fiesta ‘Xantolo’, una fiesta de los espíritus de la Huasteca. En punto de las 20:00 hrs y el cupo es para 200 personas, así que te sugerimos llegar con tiempo.

• Noche de Museos: Casa del Tiempo UAM

Si lo que quieres es disfrutar de un buen concierto, y sobre todo, sones, este recinto es para ti. Y es que llega Joe Drattana y las Iguanas con su ‘Son pa’ los muertos’ en punto de las 19:00 hrs y es completamente libre con cupo a 70 personas.

• Noche de Museos: El Claustro

El Festival de Día de Muertos en el Claustro llega con todo y bazar, altar de muertos, visitas guiadas y danzas con la Compañía de Danza Folklórica Matlacihua a partir de las 17:00 hrs y el cupo es para 300 personas.

Así que ya te la sabes, si quieres asistir a la Noche de Museos visita sus redes oficiales para toda la cartelera completa y junto a tu mejor compañía, pasen una noche de Día de Muertos inolvidable.

Rastreo Genético en Aguas: La Nueva Táctica Científica

Ante la dramática disminución de la población, científicos de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) han adoptado una estrategia innovadora para monitorear al Ambystoma mexicanum, o ajolote para los amigos. Han dejado a un lado las redes vacías y ahora filtran el agua de Xochimilco en busca de ADN ambiental (ADNe), las partículas genéticas que los seres vivos liberan constantemente.

El biólogo Luis Zambrano, del laboratorio de restauración ecológica de la UNAM, explicó el fundamento de la técnica: “Todos arrojamos ADNe a lo largo de nuestro camino por el mundo y eso se puede capturar filtrando el aire o el agua”.

Esta técnica consiste en comparar el ADN recolectado del agua con una biblioteca genética existente, un proceso en el que colabora Esther Quintero de Conservación Internacional en México. El muestreo en 53 puntos ,refugios de agua limpia y canales abiertos, reveló la presencia de ADNe de ajolote en todas las áreas protegidas y en un único sitio desprotegido.

Aunque el hallazgo fuera de los refugios es “muy poco”, según Zambrano, sugiere una pequeña “posibilidad de resiliencia” a pesar de la continua degradación de los canales. Este esfuerzo de rastreo de ADNe, que solo ha cubierto un tercio de Xochimilco hasta ahora, busca generar un censo actualizado que, si bien la tendencia histórica es desalentadora (de 6,000 ejemplares por kilómetro cuadrado en 1998 a solo 36 en 2014), es crucial para entender su situación actual.

Éxito en Reintroducción y Aprendizajes Cruciales de Adaptación

En paralelo al rastreo de ADN, otro grupo de investigadores, liderado por Alejandra Ramos de la Universidad Autónoma de Baja California, realizó un experimento clave para la conservación: liberó 18 ajolotes criados en cautiverio en dos entornos diferentes: los canales de Xochimilco y el humedal artificial de La Cantera Oriente.

Durante 40 días de monitoreo, todos los ejemplares sobrevivieron. Tres de ellos, incluso, fueron recapturados con un notorio aumento de peso, lo que demuestra su capacidad para alimentarse y adaptarse por sí mismos en condiciones semicontroladas. Ramos señaló que este aumento de masa corporal es un indicador crucial de éxito.

El estudio también arrojó luz sobre su comportamiento, como interacciones sociales preferenciales y patrones de desplazamiento: los ajolotes adultos se movían menos, sugiriendo una mayor eficiencia al seleccionar territorios ricos en recursos, a diferencia de los jóvenes que exploraban mayores distancias.

Sin embargo, se identificaron amenazas directas, como los ataques de garzas blancas. Este factor ha llevado a los investigadores a proponer un “entrenamiento para el reconocimiento de depredadores” antes de futuras liberaciones, para aumentar las posibilidades de supervivencia.

Prioridad en la Restauración del Hábitat

Históricamente, el ajolote habitó todo el Valle de México, pero la expansión urbana y la contaminación lo han relegado exclusivamente a los canales fragmentados de Xochimilco. La UICN estima que quedan entre 50 y 1,000 individuos en estado silvestre.

Los expertos coinciden en que la conservación debe centrarse en la rehabilitación del ecosistema original. Zambrano enfatiza que la protección del ajolote no solo es ecológica, sino cultural: su nombre deriva del dios mexica Xólotl, por lo que su pérdida significaría “perder parte de nuestra identidad mexicana”.

Zambrano lo resume con una metáfora clara: “No se trata de trasladar a los osos polares a nuestros refrigeradores, sino de conservar el Polo Norte. Tenemos que preservar Xochimilco para conservar al ajolote”.

Los científicos señalan que la conservación funciona, pues sus esfuerzos ya están mejorando la calidad del agua y beneficiando a polinizadores. No obstante, urgen a las autoridades a tomar medidas más contundentes, como prohibir negocios de esparcimiento en las tradicionales islas (chinampas) y, en cambio, incentivar y apoyar la producción agrícola tradicional para garantizar que los agricultores puedan ganarse la vida.

Los ajolotes son una especie sumamente fértil ,“se reproduce mucho y pone muchos huevos”, dice Zambrano, y de fácil recuperación, si se les garantizase un hábitat sano. El reto no es la biología de la criatura, sino el compromiso de la humanidad para con su entorno.

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Ahora de la mano de la actriz, guionista y compañera de vida de Daniel Day Lewis, Rebecca Miller relatará la vida, obra, demonios y éxitos del director ganador del Oscar. Contando también con testimonios de figuras como Spielberg, De Niro y DiCaprio. “Mr. Scorsese” es el nombre de la docuserie y se estrena hoy en Apple TV.

La Dualidad del Artista

La serie documental no solo explora la extensa filmografía de Scorsese con 36 largometrajes, sino también los temas que han obsesionado su obra: el lugar del bien y el mal en la naturaleza humana. El propio cineasta plantea la pregunta en los primeros momentos del documental: “¿Somos intrínsecamente buenos o malos? Esta es la lucha, lucho con eso todo el tiempo”. Rebecca Miller, directora de los 5 episodios señala que la genialidad de Scorsese reside en la coexistencia integradora de la religión y el pecado, una dualidad forjada en un hombre que soñó con ser sacerdote.

Una Vida que Desborda la Pantalla

Rebecca Miller describe la vida de Scorsese como una que “desborda sus propios límites”. La serie se adentra en su obra, que abarca desde sus cortometrajes iniciales en 1964 y su primer largometraje, ‘¿Quién llama a mi puerta?’ (1967), hasta clásicos como “Toro salvaje” (1980), “El Aviador” (2004), cinta por la que casi se retira del cine, “Infiltrados” (2006) por la que ganó su Oscar a Mejor Director y su más reciente colaboración con Apple, “Los asesinos de la luna”.

Los Años Oscuros y la Generación de Cineastas

Miller también aborda sin reservas los años más turbulentos de Scorsese, especialmente su hundimiento en un infierno de consumo de drogas, con testimonios crudos, como el del fallecido Robbie Robertson. La directora es prudente, prefiriendo que la audiencia imagine el precipicio al que se asomaba en ese tiempo, sin dejar de lado otras estaciones turbulentas como sus complicados 5 matrimonios.

Scorsese pertenece a la primera generación de cineastas formados en universidades, un grupo que incluye a sus contemporáneos Steven Spielberg, George Lucas, Brian De Palma y Francis Ford Coppola. Como ellos, aplicó su cinefilia a la reinvención de Hollywood, situándose en el centro de ese mundo de contrastes entre el pecado y la santidad que definió su obra.

Testimonios de colaboradores y amigos

La serie cuenta con acceso exclusivo a los archivos privados del director y presenta conversaciones con él mismo, además de entrevistas inéditas con un elenco de amigos, familiares y colaboradores creativos. Entre las personalidades que participan se encuentran Thelma Schoonmaker, Paul Schrader, Robert De Niro, Leonardo DiCaprio, Daniel Day-Lewis, Steven Spielberg, Sharon Stone, Jodie Foster, Margot Robbie y Cate Blanchett. Serán De Niro y Thelma Schoonmaker, su editora de toda la vida, quienes encabezarán la crónica ilustrada de su evolución vital y artística.

Anécdotas Inéditas y Logros

“Mr. Scorsese” también revela historias nunca antes contadas, como los detalles de la épica batalla que libró el director para preservar la integridad de Taxi Driver, la que lo catapultó a la fama internacional. Miller destaca que la perseverancia de Scorsese fue crucial, llegando incluso a planear el robo del celuloide ante las amenazas de recalificación de la Motion Picture Association. Relatado que ha sido contado por Steven Spielberg en el documental, “¡Salvó la película!”.

La directora Miller expresó su honor por la confianza de Scorsese, asegurando que el documental “conectará con todos, desde los fans más fieles hasta cualquiera que haya lidiado con el fracaso y haya aspirado a la fama”.

Mr. Scorsese y sus cinco episodios ya se encuentran disponible en Apple TV.

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1. Nicos

Nicos es un restaurante con más de seis décadas de existencia, que apoya a pequeños productores locales. Se distingue por su rigor en la selección de ingredientes y la ejecución de recetas auténticas en un ambiente clásico y formal.

Nicos es famoso por su cocina de herencia. Los platillos más elogiados incluyen los memorables camarones al tamarindo y las enchiladas Nicos. La cocina honra el sabor “hogareño” pero lo presenta con sofisticación.

• Dirección: Av. Cuitláhuac 3102, Clavería, Azcapotzalco, 02080 Ciudad de México, CDMX
• Teléfono: 55 5396 7090
• Horarios: Lunes a martes de 8 a.m a 6 p.m, miércoles a sábado de 8 a.m a 9 p.m y domingo de 9 a.m a 5 p.m
• Rango de precio: $$$$ (Rango de precio alto, típicamente sobre $280-$360 MXN por persona
• Sitio Web: https://www.nicosmexico.mx/
• Reseñas y reconocimiento: Calificación: 4.3/5. Comentarios: Los comensales reportan una gran experiencia, destacando el excelente servicio y la frescura de sus platillos. La comida es auténtica mexicana
• Menciones: Seleccionado para la prestigiosa Guía MICHELIN 2024

2. El Dux de Venecia

El Dux de Venecia se anuncia como “La mejor cantina de la Ciudad de México desde 1918”. Es un negocio fascinante que ha sobrevivido a profundas transformaciones sociales. Es descrita como la “mejor cantina de la Ciudad de México”.

El menú se basa en la botana de cantina, pero el platillo más recomendado es la torta de pulpo y el caldo de oso, preparaciones especiales y secretas consideradas la joya de la corona. En el apartado de bebidas, son imprescindibles el cóctel Limón. Continúan la tradición de ofrecer botana con cada bebida.

• Dirección: Avenida Azcapotzalco 586A, Centro de Azcapotzalco, Ciudad de México
• Teléfono: 55 7029 6567
• Horarios: Lunes a sábado: 11:00 am - 10:00 pm; Domingo: 11:00 am - 7:00 pm
• Rango de precio: $$ (Medio, típico de botanas y bebidas de cantina)
• Sitio web: http://www.elduxdevenecia.com/
• Reseñas y reconocimiento: Calificación: 4.3/5 basada en más de 1700 reseñas. Es aclamado como un secreto increíblemente bien guardado y un pilar de Azcapotzalco. Mencionada por revista Chilango y Time Out México

3. Petroleras y huaraches Vero

Este es el establecimiento indispensable para comprender la cocina de identidad obrera de Azcapotzalco, centrándose en la preparación de huaraches y gorditas, siendo la petrolera su plato bandera (el hijo del sope y el huarache). Es el vínculo entre la historia industrial de la zona y su patrimonio gastronómico.

La especialidad absoluta es la gordita de chicharrón (la petrolera tradicional). Los comensales también disfrutan de opciones como la gordita de frijoles con quesillo o los sopecitos tradicionales.

• Dirección: Av. Aquiles Serdán 92, Pasteros, Azcapotzalco, 02150 Ciudad de México,
• Teléfono: 55 4473 6888
• Horarios: Típicamente abierto de lunes a sábado de 10:00 am a 6:30 pm
• Rango de precio: $ (Muy accesible)
• Sitio web: https://www.facebook.com/veropetrolerasyhuaraches/menu/
• Reseñas y reconocimiento: Cuenta con 4/5 de calificación en google. Es un local calmado por su servicio y el sabor de las petroleras. Participa en el Festival de la Petrolera y el Pulque

4. La Casa de Toño (Clavería)

Aunque opera como una cadena, su sucursal en Floresta es un punto de referencia para los residentes de Azcapotzalco que buscan comida mexicana económica, sabrosa y disponible en horarios extendidos. Su eficiencia y calidad consistente lo convierten en un centro de encuentro de consumo masivo.

El menú abarca la esencia del antojito y la comida mexicana tradicional: pozole, flautas, quesadillas, y diversos guisados. Es conocido por su servicio rápido y la capacidad de atender a grandes cantidades de clientes sin sacrificar la sazón.

• Dirección: Calle Floresta 77, Claveria, Azcapotzalco, 02080 Ciudad de México,
• Teléfono: 55 9331 4671
• Horarios: Abierto todos los días de 8:00 am a 11:00 pm
• Rango de precio: $ (Bajo, altamente accesible). Sitio web: https://sucursales.lacasadetono.mx/
• Reseñas y reconocimiento: Cuenta con 4 estrellas basada en más de 20.000 reseñas. Los comensales lo valoran por su consistencia, su menú amplio y su accesibilidad económica

5. Los Jarochos de Nextengo

Para diversificar la experiencia gastronómica en Azcapotzalco mucho más allá del maíz, Los Jarochos se posiciona como uno de los establecimientos de mariscos más representativos de la alcaldía. Es un espacio con mesas al aire libre que ofrece entretenimiento en vivo y un gran ambiente.

Su enfoque son los mariscos y pescados frescos. Uno de sus platos populares es el lomo de salmón con salsa de cangrejo.

• Dirección: C. Cam. a Nextengo 188, Sta Lucia, Azcapotzalco, 02760 Ciudad de México, CDMX
• Teléfono: 55 5352 1864
• Horarios: Lunes a jueves 11 a.m a 8 p.m y viernes a domingo 11 a.m a 9 p.m
• Rango de precio: $$ (Medio, típico para la cocina de mar)
• Reseñas y reconocimiento: Calificación 4.5/5. Es identificado como un destacado de su categoría en el área. Listado en guías gastronómicas como un punto de interés en el Centro de Azcapotzalco

A diferencia de otras alcaldías enfocadas en el esplendor de la Nueva España o la arquitectura moderna, Azcapotzalco ofrece a los chilangos una inmersión completa en las raíces mexicanas, combinando vestigios prehispánicos, el arte sacro de la época virreinal y el refinamiento de la arquitectura porfiriana. Esta guía presenta cinco sitios esenciales que narran el legado de Azcapotzalco. 5 lugares que debes conocer e invitan a la exploración de su patrimonio cultural, artístico y su vibrante vida local.

1. Catedral de los Santos Apóstoles Felipe y Santiago Azcapotzalco

Fue erigido como catedral en noviembre de 2019 con la creación de la Diócesis de Azcapotzalco. Fundado por la orden dominica sobre un posible sitio prehispánico , su complejo arquitectónico data del siglo XVI (1540-1564) y destaca por su mezcla de estilos (colonial, barroco y neoclásico). Es el ancla histórica de la alcaldía y un punto central de la vida cívica frente al Jardín Hidalgo. En el campanario de la torre se encuentra la famosa leyenda de la “Hormiga Roja”

• Dirección: Av. Morelos No.14, Centro, Azcapotzalco, 02000 Ciudad de México, CDMX
• Costo de entrada: Entrada libre. Se sugiere un donativo para el mantenimiento del patrimonio eclesiástico.
• Horario y dato clave: El templo está abierto la mayor parte del día. Los horarios de misas son: lunes a sábado 08:00 a.m., 12:00 y 19:00 h. Domingos: 08:00 a.m., 09:30 a.m., 10:30 a.m., 12:00 hrs, 13:30 hrs, 17:00 hrs, 18:00 hrs, 19:00 hrs y 20:00 hrs. Se recomienda que las visitas culturales respeten los horarios de culto.
• Teléfono: 55 5561 0103

2. Casa de cultura Azcapotzalco

Muy cerca de la catedral se encuentra la casa de cultura. Inaugurado en 1891 como Palacio Municipal por mandato de Porfirio Díaz diez años antes, este edificio es un símbolo del esplendor porfiriano. Su valor cultural reside en los talleres y eventos que ofrecen, sus impresionantes vitrales y murales por Juan O’Gorman, sus salas de exposiciones y los jardines Naranjos y Las Rosas.

• Dirección: Av. Azcapotzalco 605, Col. Azcapotzalco, C.P. 02000, Azcapotzalco, CDMX.
• Costo de entrada: Entrada libre. Solo los talleres, cursos o eventos especiales pueden tener un costo asociado.
• Horario y dato clave: Abierto de lunes a domingo, de 10:00 a 20:00 h. Su apertura los lunes (día de cierre habitual para la mayoría de los museos) la convierte en una opción cultural accesible.
• Teléfono: 55 5352 8014

3. Parque Tezozómoc

Diseñado por el arquitecto paisajista Mario Schjetnan Garduño e inaugurado en 1982, este parque es una proeza biofísica pues recrea la topografía a escala del antiguo Valle de México, donde las colinas simulan los volcanes y el lago central representa al antiguo Lago de Texcoco en donde viven tortugas japonesas y garzas. Actualmente es un importante centro urbano de deporte para la Azcapotzalco que cuenta con ciclovía, juegos infantiles, senderos y pista para correr, canchas deportivas, lanchas, entre más actividades familiares.

• Dirección: Manuel Salazar S/N, Hacienda del Rosario, Prados del Rosario, Azcapotzalco, 02410 Ciudad de México
• Costo de entrada: Entrada libre. El acceso es gratuito.
• Horario y dato clave: Abierto de lunes a domingo de 6:00 a 18:00 h. El diseño conceptual lo posiciona como una joya de la arquitectura paisajística e histórica.

4. Mercado Azcapotzalco

Construido en 1957 por el gran Pedro Ramírez Vázquez, este mercado es la evolución moderna del antiguo tianquiztli (tianguis) precolombino, funcionando como el motor económico y centro de negocios de la vida cotidiana en la alcaldía. Es el destino esencial para degustar la cocina auténtica y conectar con la identidad local.

• Dirección: Centro de Azcapotzalco, 02000 Ciudad de México, CDMX
• Costo de entrada: Entrada libre. El costo es variable y depende únicamente de los productos o alimentos que se consuman.
• Horario y dato clave: Abierto de lunes a domingo, de 7:30 AM a 6:00 PM. Es un centro vital para degustar la cocina auténtica y es altamente accesible a través de transporte público, incluyendo la estación de Metro .

5. Arena Ciudad de México

Inaugurada en 2012, esta Arena se erigió sobre los antiguos terrenos del Rastro de Ferrería y es el recinto de espectáculos más grande, cómodo y tecnológico de su tipo en América. Diseñado por KMD Architects, el diseño le permite albergar cerca de 200 eventos anuales, desde conciertos masivos hasta competencias deportivas y partidos, consolidándose como un ícono de entretenimiento y arquitectura moderna en Azcapotzalco.

• Dirección: Av. de las Granjas 800, Santa Barbara, Azcapotzalco, 02230 Ciudad de México, CDMX
• Costo de entrada: Variable. Depende del evento en cartelera.
• Horario y dato clave: La operación está sujeta a los eventos programados. El horario de taquilla es de lunes a domingo de 10:00 a.m. a 7:00 p.m. Es capaz de albergar hasta 200 eventos anuales, con una capacidad de más de 22.000 personas. Link de cartelera: https://www.arenacdmx.com/
• Teléfono: 55 6235 7016

Esta es una oportunidad imperdible para conocer al genio detrás de la famosa lata de sopa Campbell’s desde una perspectiva más personal y cercana.

¿Dónde y hasta cuándo se podrá ver la exposición de Andy Warhol en CDMX?

La exposición “Warhol y su obturador fugaz” se encuentra en la Casa del Lago UNAM, ubicada dentro del Bosque de Chapultepec, la zona más verde y cultural de la Ciudad de México. Los capitalinos y visitantes tienen hasta el 9 de noviembre para visitarla.

La muestra está abierta al público de miércoles a domingo, en un horario de 11:00 a 18:00 horas. ¡No hay pretexto para perderte el legado de Andy Warhol en Chapultepec!

¿Cuánto cuesta la entrada a esta expo y qué se podrá ver?

¡Buenas noticias! La entrada a la exposición de Andy Warhol en Chapultepec es completamente gratis.

La muestra exhibe un acervo del Luckman Fine Arts Complex de la Universidad Estatal de California que llegó a México gracias a la UNAM. En tu recorrido, podrás encontrar:

• Polaroids íntimas: Fotos instantáneas que el propio Warhol tomó a amigos y figuras emblemáticas del mundo artístico, mostrando una faceta más cotidiana.
• Serigrafías: Piezas del artista que complementan su obra fotográfica.
• Material de Consulta: Elementos que permiten profundizar en la prolífica carrera del maestro del arte contemporáneo.

¿Quién fue Andy Warhol?

Andy Warhol (1928-1987) fue un artista estadounidense, figura central y máximo exponente del movimiento conocido como Pop Art. Es reconocido mundialmente por sus obras que se apropian de objetos y personajes de la cultura de masas, como la ya mencionada lata de sopa Campbell’s y el Díptico de Marilyn Monroe.

Warhol no solo fue pintor, también fue cineasta y fotógrafo, logrando difuminar las fronteras entre el arte y la cultura popular, dejando una huella imborrable en el arte contemporáneo. Ahora, su legado fotográfico con Andy Warhol en Chapultepec nos permite asomarnos a su mundo privado.

1. Los canales de Xochimilco

Los canales son la espina dorsal de Xochimilco y la razón principal de su estatus de patrimonio mundial, pues el sistema chinampero representa una de las obras de ingeniería agrícola más impresionantes del mundo prehispánico, gestada entre los siglos XIV y XVI a través de la construcción manual de islas artificiales para el cultivo que hasta la actualidad siguen activas.

• Dirección: Los canales son accesibles a través de múltiples embarcaderos oficiales. El Embarcadero Fernando Celada Miranda es uno de los puntos principales y más conocidos, ofreciendo acceso fácil y una gama completa de servicios turísticos. Av. Guadalupe I. Ramírez s/n Bo. San Juan Xochimilco CDMX
• Costo de entrada: El costo para el paseo tradicional en trajinera se establece por hora. La tarifa oficial es de $750 MXN por hora. Este precio cubre la embarcación completa, la cual tiene capacidad para un máximo de 20 pasajeros
• Horario y dato clave: El servicio de trajineras está disponible diariamente. Los recorridos se ofrecen generalmente de 08:00 AM a 18:00 horas, aunque algunos embarcaderos mantienen horarios extendidos hasta las 21:00 h, los cuales deben solicitarse con previo aviso. El ajolote existe en Xochimilco y hace del paseo una navegación sobre uno de los hábitats más críticos y fascinantes del planeta
• Accesibilidad: La accesibilidad es variable; se requiere asistencia para abordar la trajinera, pero las embarcaciones suelen ser planas, lo que facilita el movimiento una vez a bordo

2. Catedral de Xochimilco

Ubicado en el corazón del centro histórico de Xochimilco, el Templo y Ex-Convento de San Bernardino de Siena es una joya arquitectónica franciscana del siglo XVI, uno de los conventos más grandes y antiguos de la región, que simbolizó la nueva hegemonía espiritual tras la Conquista, incluso después de que los xochimilcas, que inicialmente apoyaron a los mexicas, se aliaron con los españoles.

• Dirección: Avenida Nuevo León No. 24 Bis, Col. Barrio Santa Crucita, C.P. 16070, Xochimilco, CDMX, México
• Costo de entrada: Gratuito
• Horario y dato clave: El templo está abierto al público para visita generalmente durante el día de 7 AM a 8 PM. Más allá de su arquitectura plateresca, el templo es famoso por albergar el Cristo articulado más grande de América Latina. Se recomienda a los visitantes buscar los diez chalchihuites incrustados en su fachada
• Teléfono: 55 5676 0148

3. La Isla de las Muñecas

La Isla de las Muñecas (IdM) se ha consolidado como el destino más enigmático de Xochimilco, cuya historia se basa en la leyenda de Don Julián Santana Barrera. Este santuario macabro, cubierto por más de 2.500 muñecas desgastadas, ha creado una atmósfera inigualable que trasciende el turismo local, atrayendo la atención global y sirviendo de inspiración para la cultura pop y el cine, siendo visitado por personalidades como Tim Burton y Lady Gaga, y generando empleo directo para alrededor de 150 familias de la zona.

• Dirección: La Isla de las Muñecas se encuentra en una zona remota y de difícil acceso dentro de la red de canales, específicamente en el Canal de Apatlaco, dentro de la Zona de Conservación Ecológica
• Costo de entrada: La visita a la Isla de las Muñecas se maneja bajo un costo fijo de paquete, no por la tarifa oficial horaria, debido a la distancia; las agencias suelen ofrecer este tour largo por un precio que comienza alrededor de $1,300 MXN por trajinera y la entrada a la isla en $90. Este costo es siempre por la embarcación completa
• Horario y dato clave: El recorrido completo, incluyendo la navegación por los canales de conservación, tiene una duración total de 4 a 4,5 horas. El tiempo de permanencia efectivo en la isla es de aproximadamente 45 minutos. Reservar este tour en cualquier página de internet asegura la navegación por los canales más distantes y mejor conservados, un área vital para la ecología de Xochimilco
• Accesibilidad: El recorrido es apto para personas en silla de ruedas, ya que se realiza en trajinera

4. Museo Arqueológico de Xochimilco

El Museo Arqueológico de Xochimilco, gestionado por el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), es un recinto fundamental para la comprensión histórica de la región antes de la llegada de los europeos, funcionando como el puente material que conecta el paisaje chinampero actual con los habitantes que lo crearon. Su colección se centra en los vestigios prehispánicos hallados en la zona lacustre, incluyendo cerámicas y artefactos de la vida cotidiana que ilustran la complejidad del urbanismo lacustre.

• Dirección: Av. Tenochtitlan s/n esq. La Planta Barrio La Planta Santa Cruz Acalpixca CP 16520, Xochimilco
• Costo de Entrada: Entrada general: $14. Estudiantes, niños e INAPAM: $7
• Horario y Dato Clave: El museo opera de martes a domingo, de 10:00 a 17:00 horas El acceso es libre y gratuito todos los domingos para el público nacional (mexicanos) y extranjeros residentes, mediante la presentación de una identificación oficial vigente
• Teléfono: 55 2157 1757

5. Mercado de flores y plantas de Cuemanco

El Mercado de Flores y Plantas de Cuemanco es la manifestación más grande y vibrante de la tradición hortícola de Xochimilco, siendo reconocido como el mercado de flores y plantas más grande de América Latina en su tipo, cuyo origen se remonta a mediados de 1993 como parte integral de un proyecto de rescate ecológico que buscó formalizar la actividad económica y asegurar un punto de venta rentable y organizado para los productores chinamperos.

• Dirección: Av. Canal Nacional 2000, Coapa, Cuemanco, Xochimilco, 16036 Ciudad de México
• Costo de Entrada: La entrada es libre y gratuita
• Horario y dato clave: El mercado está abierto prácticamente todos los días del año. Los horarios de atención al público suelen empezar desde las 8:00 hasta las 18:00 horas. Visitar y comprar en Cuemanco es un acto de turismo sostenible directo
• Teléfono: 55 2300 3644
• Accesibilidad: El acceso es a nivel de calle y, al ser un mercado al aire libre con pasillos amplios, se considera accesible en términos generales

Este proyecto cultural ofrece un recorrido guiado por una ofrenda de Día de Muertos, donde se combina el arte popular mexicano con explicaciones sobre la historia y simbolismo de esta festividad. Los visitantes pueden aprender sobre la cultura mexicana mientras recorren el taller de artesanías de Mexskeletons y ven a los artistas en acción.

• Fecha y hora: Abierta todo el año. Los tours se realizan de martes a sábado, de 10:00 a 17:00 h
• Lugar y dirección: Bosques del Sur Xochimilco, en Rincón Pozo 42, Paseos del Sur, C.P. 16010, Ciudad de México
• Detalles del evento: El tour dura una hora y está disponible en inglés o español. Incluye la visita a la ofrenda y al taller de artesanías, además de pan de muerto
• Costo y boletos: El tour tiene un costo de $200 mxn por persona (sin transporte). Requiere cita previa para grupos de 2 a 20 personas y se puede reservar a través de Get your guide o Tripadvisor en el siguiente link https://www.tripadvisor.com.mx/Attraction_Review-g150800-d28260596-Reviews-Casa_Dia_De_Muertos-Mexico_City_Central_Mexico_and_Gulf_Coast.html
• Rango de edad: Apto para todas las edades

1. Paisajes Nómadas: Mapas que fluyen, raíces de agua

Descubre esta exposición que celebra la memoria biocultural de Xochimilco, con trabajos que sintetizan los encuentros con la comunidad, presentando mapas y registros que dialogan con los saberes chinamperos.

• Fecha y hora: Abierta al público hasta el domingo 12 de octubre, de 10:00 a 18:00 h
• Lugar y dirección: Museo Chinampaxóchitl, en Periférico Oriente, Mercado de Flores, Plantas y Hortalizas, C.P. 16036, Ciudad de México
• Costo: La entrada es gratuita
• Rango de edad: Apta para todas las edades

1. Un paseo por Xochimilco

El Comité Ahuehuetes presenta esta exposición pictórica que celebra la esencia de la tierra natal de la Maestra Marilupe Díaz. Sus pinturas rinden homenaje a las tradiciones, los paisajes y la vida cotidiana de Xochimilco, declarado Patrimonio Mundial por la UNESCO.

• Fecha y hora: Del 1 al 14 de octubre, de lunes a viernes de 12:00 a 17:00 h
• Lugar y dirección: Ahuehuetes # 42, Barrio La Guadalupita, Xochimilco
• Accesibilidad y costo: El lugar es accesible para personas con sillas de ruedas y la entrada es gratuita
• Rango de edad: Apta para todas las edades

1. Talleres Flor de chinampas

Si buscas una actividad creativa para los más pequeños, el Museo Chinampaxóchitl ofrece talleres sobre los animales de la zona lacustre, explorando los mitos en los que aparecen.

• Fecha y hora: Sábado 11 de octubre de 2025, a las 12:00 h
• Lugar y dirección: Museo Chinampaxóchitl, en Periférico Oriente, Mercado de Flores, Plantas y Hortalizas, C.P. 16036, Ciudad de México
• Rango de edad: A partir de los 6 años

5. Cuicatl: La ciudad que suena

El domingo 12 de octubre, el Museo Chinampaxóchitl se llena de música con este evento que incluye una variedad de géneros para todos los gustos.

• Fecha y hora: Domingo 12 de octubre de 2025, a las 12:00 h
• Lugar y dirección: Museo Chinampaxóchitl, en Periférico Oriente, Mercado de Flores, Plantas y Hortalizas, C.P. 16036, Ciudad de México
• Detalles del evento: A las 12:00 h, se presentará Alexie Santiago, y a las 13:00 h, Jazz Tango
• Costo: Entrada gratuita
• Rango de edad: A partir de 8 años

Te contamos quién es, cuáles son sus obras más representativas y más sobre él.

¿Quién es Laszlo Krasznahorkai?

Laszlo Krasznahorkai es un novelista y guionista húngaro que es conocido por su escritura un tanto difícil y exigente. Nacido en Gyula, Hungría, estudió Derecho tanto en su ciudad natal como en Budapest.

Inició su carrera como escritor independiente trabajando en una editorial. Asimismo, durante su carrera ha apoyado al cineasta Béla Tarr, con su cinta Kárhozat.

Es descrito por sus allegados como una persona de carácter fuerte y que no se conforma con nada, siempre está buscando más allá de todo. Él mismo se describe como:

No soy un escritor, escribo libros. Soy un artista que llega a escribir libros, novelas, cuentos cortos. No trabajo en un escritorio con una computadora y esas cosas, trabajo en mi cabeza, como un viejo poeta”

Laszlo Krasznahorkai

¿Cuáles son sus obras más importantes?

Las obras más importantes en la carrera de Laszlo Krasznahorkai son principalmente sus novelas, especialmente aquellas que definen su estilo y su visión apocalíptica de las cosas, como:

• ‘Tango Satánico’ de 1985

Es su primera novela y la más conocida, trata sobre un pueblo húngaro al borde del colapso del comunismo que se sumerge en la fe y el autoengaño. Ésta fue adaptada al cine en una película considerad de culto.

• ‘La melancolía de la resistencia’ de 1989

Considerada por muchos como su obra maestra, retrata el caos y la descomposición social en una ciudad húngara, que con la llegada de un circo que exhibe el cuerpo de una ballena, se desata una serie de eventos desafortunados, llevando a todos a una destrucción total.

• ‘El barón Wenckheim vuelve a casa’ de 2016

La novela que lo llevó a ganar el National Book Award for Translated Literatura, narra el regreso de un barón a su puebli natal para reencontrarse con el amor de su juventud. Ésta se caracteriza por su comedia negra y la falsedad.

Si quieres adentrarte en sus obras, no te puedes perder las anteriores mencionadas y comprobar por qué lo describen así.

¿Qué otros premios ha obtenido Laszlo Krasznahorkai?

Laszlo Krasznahorkai ha sido galardonado con distintos premios gracias a sus libros y novelas que lo hacen acreedor a recibir reconocimiento internacional. Entre los distintos premios que se le han otorgado, son:

• Premio Booker International Prize (2015)
• Premio Austriaco de Literatura Europea (2021)
• Premio Formentor de las Letras (2024)
• Premio Nobel de Literatura (2025)

Sin duda alguna, Laszlo Krasznahorkai, es uno de los escritores más importantes del siglo XXI, además sus críticas lo han llevado a lo alto de la literatura internacional.

Esta es nuestra selección de cinco restaurantes obligatorios que demuestran la dualidad de su oferta gastronómica.

1. PATIO CIENTO20 XOCHIMILCO

Este lugar es indispensable por su concepto de joya secreta: un “paraíso gastronómico” oculto detrás de la fachada de una carnicería. Su ambiente es un patio o terraza tradicional Xochimilca con plantas colgantes.

• Dirección: C. Pedro Ramírez del Castillo 120, San Antonio, Xochimilco, 16070 Ciudad de México, CDMX
• Horarios: Miércoles a Lunes: 9:00 am a 5:00 pm. Fines de semana abre a las 8:00 am
• Especialidad: Desayunos de comida mexicana en un ambiente relajado y servicio excelente
• Reseñas de Google: Destacan el muy buen sabor, la rapidez del servicio y la atmósfera que lo convierte en un gran lugar para desayunar en familia. Está calificado con 4.7 estrellas
• Más información: https://www.instagram.com/patiociento20/?hl=es

2. MARISCOS TOÑO

Una alternativa vibrante a la cocina tradicional de Xochimilco, Mariscos Toño ofrece una propuesta especializada en pescados y mariscos al estilo de las marisquerías antiguas, aunque también cuenta con cocina mexicana y cortes de carne al carbón. Destaca por su ambiente familiar, buena música y sus espectáculos en vivo.

• Dirección: Plan Sexenal 24, Tierra Nueva, Xochimilco, 16050 Ciudad de México, CDMX
• Teléfono: 55 5489 6169
• Horarios: Lunes a domingo de 12:00 pm a 8:00 pm
• Especialidad: Pescados y Mariscos, incluyendo Camarones al coco con salsa de mango habanero y Pulpo a las Brasas
• Reseñas de Google: Muy buena calificación (4.1 estrellas con más de 3000 reseñas). Los clientes disfrutan del buen ambiente, buena música y precios accesibles
• Más información: https://www.menumariscostono.com/

3. FONDA TEPEPAN

La Fonda Tepepan es el pilar del sabor casero tradicional y la cocina mexicana variada. Es conocido por ofrecer una experiencia consistentemente agradable, con énfasis en la sazón y la amabilidad del servicio.

• Dirección: Camino Real a Xochimilco No. 1, Santa María Tepepan, Xochimilco, 16020 Ciudad de México, CDMX
• Teléfono: 55 4752 2732
• Horarios: Lunes a domingo de 8:00 am a 6:30 pm
• Especialidad: Platillos de desayuno y comida tradicional como las enmoladas y enfrijoladas especiales con chorizo
• Reseñas de Google: Con 4.3 estrellas. Los comensales elogian el sabor delicioso, las “porciones bien servidas” y la atención muy buena y amable por parte del personal

4. ARCA TIERRA

Arca Tierra es el máximo exponente de la gastronomía de alto costo en la zona. No es un restaurante tradicional, sino un proyecto de agricultura regenerativa que ofrece experiencias culinarias inmersivas en la chinampa, trabajando en colaboración con más de 40 familias campesinas

• Dirección: Pista Olímpica Virgilio Uribe, Xochimilco, 16043 Ciudad de México, CDMX
• Teléfono: 55 1051 5525
• Horarios: Varían según la experiencia. Se requiere reservación obligatoria.
• Especialidad: Cocina chinampera regenerativa, una especialidad es el menú de temporada elaborado en auténtica cocina de humo en su experiencia de amanecer chinampero
• Reseñas de Google: Cuenta con 3.4 estrellas. Los comentarios se centran en la calidad de la “experiencia fuera de este mundo” y el valor de apoyar el comercio justo y la agricultura sostenible
• Más información: https://www.arcatierra.com/

5. CHANTICO (Barato/Antojitos Típicos)

Chantico es un espacio acogedor con decoración folclórica, considerado por los locales como el mejor lugar para degustar la gastronomía típica de Xochimilco a un costo accesible. Ofrece una carta completa de platillos mexicanos con un ambiente tranquilo y muy buena atención.

1. Castillo de Chapultepec / Museo Nacional de Historia (MNH)

Se erige en el Cerro de Chapultepec como el único castillo real de América. Ha servido como academia militar, observatorio y residencia imperial (Maximiliano y Carlota) y presidencial. Actualmente aloja el Museo Nacional de Historia, que narra la historia de México desde la Conquista hasta la Revolución.

• Dirección: Primera Sección del Bosque de Chapultepec, C.P. 11100, Miguel Hidalgo, CDMX
• Costo de Entrada: El costo general es de $100 MXN. La entrada es gratuita para niños menores de 13 años, mayores de 60, maestros y estudiantes con credencial vigente y personas con discapacidad
• Horario y Dato Clave: Abierto de martes a domingo, 9:00 a 17:00 h. La entrada es libre los domingos para el público nacional y residentes. Se pueden adquirir entradas en línea en el siguiente link: https://ventadeboletosenlinea.inah.gob.mx/
• Teléfono: 55 5256 5464

2. Museo Nacional de Antropología (MNA)

Considerado uno de los recintos de arqueología más importantes del mundo. Su diseño fue realizado por el arquitecto Pedro Ramírez Vázquez. Alberga tesoros como la Piedra del Sol (Calendario Azteca) y las cabezas colosales olmecas, siendo el repositorio esencial de la identidad prehispánica de México.

• Dirección: Av. Paseo de la Reforma y calzada Gandhi s/n, Chapultepec Polanco, C. P. 11560
• Costo de Entrada: El costo general es de $100 pesos mexicanos. Entrada gratuita a nacionales mayores de 60 años (credencial INAPAM), menores de 13 años, personas con discapacidad, profesores y estudiantes (credencial vigente)
• Horario y Dato Clave: Abierto de martes a domingo de 9:00 a 18:00 h. La entrada es gratuita los domingos para nacionales y extranjeros residentes. Cuenta con estacionamiento gratuito. Solo se permite el acceso al visitante con un bolso pequeño. El servicio de guardarropa es gratuito y está disponible de 9:00 a 17:00 horas. Compra de boletos en línea: https://ventadeboletosenlinea.inah.gob.mx/
• Accesibilidad: Las sillas de ruedas están a su disposición sin costo para el público que las necesite en el vestíbulo del museo
• Teléfono: 55 5553 6332

3. Museo Soumaya (Plaza Carso)

Símbolo de la modernidad en nuevo Polanco. El edificio fue diseñado por Fernando Romero, destacando por su fachada asimétrica cubierta con más de 16,000 hexágonos de aluminio. Contiene la vasta colección de arte de la Fundación Carlos Slim (incluyendo un extenso acervo de varios artistas de talla global).

• Dirección: Boulevard Cervantes Saavedra, esquina Presa Falcón, Col. Granada, C.P. 11529
• Costo de Entrada: Entrada libre
• Horario y Dato Clave: Abierto los 365 días del año, de lunes a domingo, 10:30 a 18:30 h. Es una opción ideal para visitas en lunes, día de cierre para otros museos
• Accesibilidad: Es un museo 100% accesible para personas con discapacidad motriz
• Teléfono: 55 1103 9800

4. Casa Museo Luis Barragán

Fue la residencia y taller del único arquitecto mexicano en ganar el Premio Pritzker. Declarada Patrimonio Mundial por la UNESCO, la casa es un ejemplo de minimalismo emocional, destacando por el uso magistral de la luz, el color y la arquitectura.

• Dirección: General Francisco Ramírez 12 y 14, Col. Ampliación Daniel Garza, C.P. 11840
• Costo de Entrada: Para nacionales, el precio base es de $400.00 MXN por persona. Estudiantes y profesores $280.00 MX
• Horario y Dato Clave: Lunes y jueves: 12:00 p.m. - 2:30 p.m. Martes, miércoles y viernes: 11:20 a.m. - 4:00 p.m. Sábado: 11:00 a.m. - 1:30 p.m. Domingo: Cerrado. La visita está sujeta a cita previa obligatoria. La edad mínima para visitar el museo es de 12 años, sin excepción. Link para adquirir boletos: https://visit.casaluisbarragan.org/mx
• Teléfono: 55 8104 0688

5. Auditorio Nacional

Es el recinto de espectáculos más importante de México y uno de los más activos a nivel mundial. Su estructura es un referente urbano en Paseo de la Reforma, albergando conciertos, ópera, ballet, espectáculos y eventos masivos de talla global.

• Dirección: Avenida Paseo de la Reforma 50, Polanco, V Sección, C.P. 11560
• Costo de Entrada: El costo es variable, dependiendo del evento en cartelera
• Horario y Dato Clave: La taquilla opera de lunes a sábado de 10:00 a 19:00 h. El recinto ofrece un Recorrido Virtual en su sitio web. Para consultar la cartelera ir al siguiente link: https://www.auditorio.com.mx/cartelera.html
• Accesibilidad: El recinto cuenta con elevadores, rampas y lugares exclusivos para personas en silla de ruedas
• Teléfono: 55 9138 1350

1. Pez Globo

Una emotiva obra de teatro que sigue a León, un niño sensible que intenta reprimir sus emociones, y a Jacinta, su pez globo amargado. Juntos, descubren que está bien sentir y llorar.

• Fecha y hora: Sábados y domingos, 13:00 h. La temporada se extiende del 6 de septiembre al 9 de noviembre
• Lugar y dirección: Teatro El Galeón, Centro Cultural del Bosque, Polanco V Sección, Miguel Hidalgo, C.P. 11560, Ciudad de México
• Nombre del evento y artista: Pez Globo, de Abraham Oceransky
• Duración, rango de edad y costo: 70 minutos de duración Recomendada para mayores de 5 años. La entrada tiene un costo de $150 para adultos y $80 para infancias
• Boletos: https://teatroinbal.sistemadeboletos.com/ordertickets.asp?p=2499&src=eventperformances

2. Elsa-Louise Manceaux: Notas de voz

Es una instalación que expande los límites de la pintura al integrarla con el habla, el texto, la tipografía, la imagen en movimiento y el sonido.

• Fecha y hora: Hasta el 8 de febrero de 2026
• • Lunes a viernes: 10:00 - 17:00 h.
  • Sábado: 10:00 - 19:00 h.
  • Domingo: 10:00 - 17:00 h.
• Lugar y dirección: Museo Jumex, Miguel de Cervantes Saavedra 303, Colonia Granada, 11520 Ciudad de México
• Nombre del evento y artista: Elsa-Louise Manceaux: Notas de voz
• Costo: Entrada gratuita
• Teléfono: 55 5395 2618

3. Lago de los Cisnes

La Compañía Nacional de Danza, acompañada por la Orquesta del Teatro de Bellas Artes, presenta una versión contemporánea del clásico. Prepárate para una noche llena de magia, amor y tragedia.

• Fecha y hora: 11 de octubre
• • Primera función: 12:30 h.
  • Segunda función: 19:00 h.
• Lugar y dirección: Auditorio Nacional, Paseo de la Reforma #50, Col. Polanco V Sección, 11560 Ciudad de México
• Nombre del evento y artista: Lago de los Cisnes, interpretado por la Compañía Nacional de Danza y la Orquesta del Teatro de Bellas Artes
• Duración, rango de edad y costo: Duración aproximada de 2 horas. El límite de edad es de 3 años, y los menores a partir de esta edad deben pagar boleto. Los precios varían desde $580 hasta $2,800, dependiendo de la zona
• Boletos: https://www.ticketmaster.com.mx/lago-de-los-cisnes-boletos/artist/2411006?venueId=499713

4. Carlota

Este monólogo con elementos de danza y música en vivo se presenta en el Castillo de Chapultepec, explorando la historia de la Emperatriz Carlota, su amor y su locura.

• Fecha y hora: Sábados, 20:00 h. La temporada se extiende del 4 de octubre al 6 de diciembre de 2025
• Lugar y dirección: Castillo de Chapultepec, Bosque de Chapultepec I Secc, 11580 Ciudad de México. El acceso es por la puerta frente al Museo Tamayo, acceso por elevador para personas en sillas de ruedas
• Nombre del evento y artista: Carlota. Elenco: Alejandra Chacón. Dramaturgia y Dirección: Rodrigo González.
• Duración, rango de edad y costo: Duración de 60 minutos. Clasificación: adolescentes y adultos. La entrada general es de $580.
• Boletos: https://descuentos.carteleradeteatro.mx/producto/carlota-sabado-11-de-octubre-2000-h/

5. De Mozart, tubas y bemoles

Una divertida historia infantil que une a Mozart con una tuba soñadora, usando cuentos sinfónicos, títeres y música para un viaje lleno de emociones y diversión.

• Fecha y hora: Sábados y domingos, 12:30 h. La temporada se lleva a cabo del 20 de septiembre al 19 de octubre de 2025
• Lugar y dirección: Teatro del Bosque Julio Castillo, Centro Cultural del Bosque, Polanco V Sección, Miguel Hidalgo, C.P. 11560, Ciudad de México
• Nombre del evento y artista: De Mozart, tubas y bemoles. Elenco, Dramaturgia y Dirección: Marío Iván Martínez
• Duración, rango de edad y costo: Duración de 70 minutos Clasificación: mayores de 5 años. El costo es de $150 para adultos y $80 para infancias. Descuento del 50% a estudiantes, maestros y afiliados al INAPAM. Afiliados al programa Gente de Teatro: $45 cualquier día. Jueves $45 todas las funciones. De venta en taquilla y en la página
• Boletos: https://teatroinbal.sistemadeboletos.com/eventperformances.asp?evt=289

Te contamos quién es ella y algunas de sus obras más importantes de esta escritora que ya es orgullo nacional.

¿Quién es Cristina Rivera Garza?

La escritora mexicana actualmente tiene 61 años y es una de las más reconocidas actualmente. Ella es originaria de Matamoros, Tamaulipas. Estudió en la máxima casa de estudios, UNAM, específicamente en la FES Aragón, donde se tituló como Socióloga Urbana.

Cristina Rivera Garza, cursó su primer doctorado en Historia de América Latina en la Universidad de Houston, misma que le ha dado la distinción de honoris causa.

La escritora fue elogiada por Carlos Fuentes, icónico escritor mexicano y la describió como “una de las obras de ficción más notables de la literatura no solo mexicana, sino en castellano, de la vuelta de siglo”. Y no era para menos, en 2024, Cristina Rivera Garza ganó el Premio Pulitzer en la categoría de ‘Memoria o autobiografía’ por su obra más leída que es “El invencible verano de Liliana”, donde retrata el feminicidio de su hermana en 1990, cuando tenía solamente 20 años.

Sin duda alguna, Cristina Rivera Garza realiza su exploración entre los límites de géneros literarios, especialmente entre ficción, no ficción, teoría y autobiografía sin dejar de lado la violencia social, su contexto y el lenguaje.

Ahora bien, para saber si la escritora mexicana ganó o no, habrá que esperar al próximo jueves 9 de octubre de 2025, cuando el secretario permanente de la Academia Sueca, abre la puerta de la sede y anuncia a la prensa quién fue el ganador o ganadora. Así que solo queda estar muy pendientes del anuncio en el sitio oficial del Premio Nobel de Literatura.

¿Cuáles son algunas de sus obras más representativas?

Cristina Rivera Garza se distingue por tener una voz experimental y crítica que aplica bastante bien al momento de la escritura, donde plasma a la perfección la visión desde los cuerpos ausentes y nunca deja de lado la visión crítica que tiene como socióloga.

Asimismo, la memoria histórica que puede tener es lo que la distingue de otras escritoras, tanto, que la está llevando al Premio Nobel 2025. Por lo que si quieres adentrarte en sus letras, te dejamos unas cuantas opciones para que conozcas de cerca a Cristina Rivera Garza:

• ‘La Muerte me da’ 2007, Cristina Rivera Garza

Éste es un libro que inicia con una mujer que se encuentra en la calle con un cuerpo desmembrado de un joven. Por más sorpresivo que suene, como se dijo anteriormente, la visión sociológica de la autora es bastante cruda, sin embargo, se convierte en una historia que te atrapa porque las únicas pistas que encuentra la protagonista, son versos de la poeta Alejandra Pizarnik.

• ‘La Castañeda. Narrativas Dolientes desde el Manicomio General México 1910-1930’ 2022, Cristina Rivera Garza

Se considera un ensayo que dio frutos luego de una exhaustiva investigación. En él, se muestra el lado humano y aterrador de los inquilinos olvidados de La Castañeda, que invita a la reflexión sobre la cara humana detrás de lo que fue un manicomio en el siglo pasado.

• ‘Nadie me verá llorar’ 1999, Cristina Rivera Garza

Considerada como una de las piezas clave de su carrera literaria, la describen como una novela inquietante, pues se enfoca en el pasado de una paciente psiquiátrica llamada Modesta Burgos en el mismo manicomio que la descripción anterior, en La Castañeda.

• ‘El invencible verano de Liliana’ 2021, Cristina Rivera Garza

La que sí o sí se debe leer, ha sido mencionado como uno de los libros más vendidos en los últimos años y se centra en la historia de Liliana Rivera Garza, hermana menor de la autora que fue víctima de feminicidio en los 90s a los 20 años de edad. La autora describe el libro como una excavación en la vida de una mujer brillante y audaz, que buscaba terminar su relación con un novio que no la dejaba ir.

La atención al diseño la concentraba debajo de la forma, en ese vínculo ancestral del cuerpo con el tejido. En sus primeros experimentos con telas plisadas se veía venir la arquitectura portátil de sus piezas, el proceso industrial que, aunque masivo no menos valorado, caracterizaría el trabajo de Issey Miyake años más tarde, en medio de una crisis postguerra que sacudía Japón, en tanto Occidente oteaba, expectante, aquel paraje de fortalezas quemadas.  

Hiroshima símbolo del límite humano. La sensibilidad en los diseños de Miyake también son visión. Su ropa no comunica poder sino algo que no ha cambiado en la historia de la humanidad, la necesidad de vestir al cuerpo.

En los ochenta y noventa, cuando el lujo japonés se convertía en sinónimo de vanguardia, Miyake se mantuvo al margen del ruido. Mientras otros diseñadores se regodeaban en la teatralidad, él exploraba la función. Su colección “Pleats Please”, una serie de prendas plegadas mediante calor, marcó una ruptura. La ropa que no necesitaba plancharse, se movía con el cuerpo, no imponía, acompañaba. Era un manifiesto silencioso sobre la libertad en el vestir. La elegancia, en su universo, tenía más que ver con la lógica que con la ostentación.

Luego vino Steve Jobs. El fundador de Apple buscaba lo mismo que Miyake había estado construyendo toda su vida, la simplicidad útil. Durante una visita a Japón, Jobs quedó impresionado con los uniformes diseñados por Miyake para los empleados de Sony. Le gustó tanto el concepto identitario, ese que relacionaba la cultura japonesa con la tecnología y funcionalidad, tan cercano a la idea que tenía Einstein de eliminar toda distracción que causara decidir qué ponerse cada mañana. Le pidió a Miyake diseñar un uniforme para Apple, pero el plan fracasó. Jobs, sin embargo, guardó para sí el concepto. En respuesta, el diseñador le envió varios cuellos de tortuga negros, de los cuales llegó a tener cientos. Ese suéter fue uniforme personal e insignia de lo que vendría después.

El resultado fue una de las imágenes más poderosas del siglo XXI, el hombre que cambió la relación del mundo con la tecnología, vestido siempre igual. Jeans Levi’s 501, tenis New Balance y un turtleneck de Issey Miyake. El mensaje no era moda, sino enfoque. Jobs comprendió que la ropa podía ser un código de economía mental. Su look se volvió símbolo de coherencia, de disciplina, de la filosofía de eliminar lo accesorio para concentrarse en lo esencial.

El suéter negro dejó de ser un simple uniforme personal y se convirtió en una declaración estética replicada en la cultura visual contemporánea. En el minimalismo de ciertos raperos y artistas visuales, en la neutralidad sobria que hoy domina el streetwear de lujo, hay rastros claros del pensamiento de Miyake y de la interpretación que Jobs hizo de él. La idea de que la ropa puede ser una herramienta de identidad y no un grito de consumo.

En los últimos años, esa conexión ha vuelto a aparecer en lugares inesperados. Sticky M.A., uno de los nombres más particulares del trap español, ha convertido la sobriedad en parte de su narrativa visual. Tonos planos, siluetas limpias, piezas que podrían pasar inadvertidas si no fuera por la actitud que las sostiene. Esa economía visual, ese “menos es más” reinterpretado por la cultura urbana, bebe directamente de la estética japonesa de los noventa y del legado de diseñadores como Miyake, Yohji Yamamoto o Rei Kawakubo. La diferencia es que ahora el gesto minimalista convive con la ironía del exceso, un artista puede vestirse de negro absoluto y, al mismo tiempo, llenar su letra de referencias a la ostentación.

Miyake no diseñó en busca de tendencia, pero su influencia se filtró por la rendija menos esperada del siglo XXI. De los laboratorios textiles de Tokio al escenario de un trapero madrileño, pasando por las keynotes de Cupertino, su huella es visible cada vez que alguien usa la ropa como lenguaje de intención.

1. “LOS SUSTOS OCULTOS DE FRANKELDA” EN FARO ARAGÓN: Terror familiar

Si se disfruta del terror apto para todas las edades, no debe perderse la proyección de esta serie animada. Acompañará a Frankelda, una misteriosa escritora fantasma, quien relata historias escalofriantes para que los niños enfrenten sus miedos de forma divertida. ¡Una excelente opción para una tarde de cine diferente!

• ¿Cuándo?: Viernes 3 de octubre de 2025.
• ¿Dónde?: FARO Aragón (av. 517, San Juan de Aragón I Sección, Gustavo A. Madero).
• Horario y Costo: 17:00 horas. Entrada gratuita.

2. TALLER DE MANDALAS TEJIDAS Y ATRAPASUEÑOS EN FARO INDIOS VERDES: Relajación y creatividad

Si se busca una actividad más tranquila y creativa, se puede participar en esta clínica de tejido para crear su propia mandala, ojo de dios o atrapasueños. El taller promueve la técnica tradicional del tejido, fomentando la creatividad y la preservación cultural. Cada sesión dura dos horas y es una gran oportunidad para elaborar algo con sus propias manos.

• ¿Cuándo?: Viernes 3 de octubre de 2025.
• ¿Dónde?: FARO Indios Verdes (Av. Huitzilihuitl 51, Santa Isabel Tola, Gustavo A. Madero).
• Horario y Costo: 16:00 horas. Actividad gratuita.

3. EXPOSICIÓN “EL ÚLTIMO VIAJE DE FLORES MAGÓN” EN EL MUSEO DE LOS FERROCARRILEROS: Un viaje al pasado

Para los amantes de la historia, el Museo de los Ferrocarrileros presenta una exposición que narra el poco conocido destino de Ricardo Flores Magón. La muestra detalla cómo un sindicato de ferrocarrileros mexicanos gestionó el traslado de sus restos desde una prisión en Estados Unidos hasta la Ciudad de México, todo a bordo del tren. Un fascinante recorrido por el pasado de nuestro país.

• ¿Cuándo?: Abierta todo el fin de semana, del viernes 3 al domingo 5 de octubre de 2025.
• ¿Dónde?: Museo de los Ferrocarrileros (Alberto Herrera 8F, Aragón la Villa, Gustavo A. Madero).
• Horario y Costo: De martes a domingo, de 10:00 a 17:00 horas. Entrada gratuita.

4. RADIO-TEATRO “LA GUERRA DE LOS MUNDOS” EN FARO ARAGÓN: Una experiencia inmersiva

El espectador puede experimentar la emoción del radioteatro con esta adaptación de la clásica novela de H.G. Wells. La historia se presenta en formato de noticiero radial, con reporteros y presentadores que informan sobre una invasión extraterrestre en tiempo real. Es una experiencia inmersiva que lo transportará a un momento de pánico y caos, tal como lo vivieron los oyentes originales de la transmisión de Orson Wells.

• ¿Cuándo?: Sábado 4 de octubre de 2025.
• ¿Dónde?: FARO Aragón (av. 517, San Juan de Aragón I Sección, Gustavo A. Madero).
• Horario y Costo: 11:00 horas. Actividad gratuita.

5. KARAOKE FIV CLUB EN FARO INDIOS VERDES: ¡Saca el cantante que lleva dentro!

Para los amantes de la música, este es el lugar ideal. Se invita a una tarde de convivencia musical en un espacio de expresión totalmente libre para compartir la voz con la comunidad. Un espacio perfecto para relajarse, escuchar talento local y disfrutar de la música en un ambiente amigable y totalmente gratuito.

• ¿Cuándo?: Viernes 3 de octubre de 2025.
• ¿Dónde?: FARO Indios Verdes (Av. Huitzilihuitl 51, Santa Isabel Tola, Gustavo A. Madero).
• Horario y Costo: 17:30 horas. Actividad gratuita.

1. Fisher’s Lindavista

Para los amantes de los mariscos frescos y un ambiente contemporáneo, Fisher’s es la elección ideal para reuniones de negocios o celebraciones especiales. Ubicado estratégicamente en Lindavista, este restaurante ofrece un entorno acogedor con una decoración agradable y música de fondo perfecta para una conversación tranquila. Sus especialidades, preparadas con ingredientes de la más alta calidad, incluyen el filete de pescado al ajillo, los camarones a la diabla con su toque picante y el pulpo a la parrilla, un verdadero manjar.

• Precio: Rango medio a alto
• Dirección: Av. Colectores 13 No. 280 Locales 33-41, Magdalena de las Salinas, 07760 Ciudad de México
• Teléfono: 55 5119 9070
• Horario: Martes y miércoles: 9:30 a.m. - 9:00 p.m.; Jueves a sábado: 9:30 a.m. - 10:00 p.m.; Domingo y lunes: 9:30 a.m. - 8:00 p.m.
• Calificación: 4.6 en plataformas de entrega
• Más información: https://www.fishers.com.mx/menu
• Reservas: https://reservandonos.com/lugar/restaurante-fishers-lindavista/

2. Taquería El Paisa Lindavista

Un verdadero santuario para los aficionados a la comida callejera económica, auténtica y deliciosa, la Taquería El Paisa se especializa en tacos al pastor, servidos con la clásica piña, cilantro y cebolla que los hacen inconfundibles. También ofrece opciones igualmente deliciosas como tacos de suadero, lengua o costilla, satisfaciendo así diversos gustos. Es importante recordar que este establecimiento solo acepta efectivo, por lo que se recomienda planificar la visita con anticipación.

• Precio: Rango económico y accesible
• Dirección: Calz. Azcapotzalco - La Villa 1283, Montevideo, Gustavo A. Madero
• Teléfono: 55 7679 8825
• Horario: Lunes a domingo: 2 p.m. - 2 a.m.
• Calificación: 4.3 estrellas

3. Checkers Pizza & Grill

Si se busca algo más informal con opciones internacionales para satisfacer diferentes antojos, Checkers Pizza & Grill combina magistralmente pizzas recién horneadas, comida americana reconfortante e italiana tradicional. Es una excelente alternativa para una comida familiar en un ambiente relajado o un encuentro casual con amigos, ofreciendo algo para cada paladar.

• Precio: Rango medio
• Dirección: Nte. 86-A 4732, Nueva Tenochtitlan, Gustavo A. Madero, 07890 Ciudad de México, CDMX
• Teléfono: 55 3104 6999
• Horario: Lunes a domingo: 14:00 - 23:45 h
• Calificación: 4.4 estrellas

4. Tommy Pizzas

Otro clásico para una comida económica y reconfortante, Tommy Pizzas en Lindavista es conocido por su amplia variedad de opciones que van desde las tradicionales hasta las más innovadoras. Ofrecen pizzas grandes con precios alrededor de los 290 pesos, ideales para compartir entre varias personas, asegurando una comida deliciosa y abundante.

• Precio: Rango económico
• Dirección: Av. Montevideo 200, Lindavista, Gustavo A. Madero, 07300 Ciudad de México, CDMX
• Teléfono: 55 5752 4241
• Horario: Lunes a domingo: 12 p.m. - 23:00 p.m.
• Calificación: 4.4 estrellas, destacando la calidad del servicio y las pizzas
• Más información: https://www.tommypizzas.com/

5. Los Huicholes

Si el antojo de tacos persiste, pero se desea probar algo más allá del pastor, Los Huicholes es otra opción altamente calificada en la alcaldía Gustavo A. Madero. Este lugar es perfecto para un desayuno o una comida rápida y sabrosa de cocina mexicana auténtica, ofreciendo una experiencia culinaria que deleitará a cualquier paladar.

• Precio: Rango económico
• Dirección: Av Azcapotzalco La Villa 1283, DF 07730
• Teléfono: 55 5586 8818
• Horario: Lunes a domingo: 1 p.m. - 3 a.m.
• Calificación: 4.1 estrellas, un favorito local para disfrutar de buenos tacos

1. La Basílica de Guadalupe

Este es el máximo centro religioso de México, atrayendo a millones de peregrinos cada año, especialmente el 12 de diciembre. El complejo de La Villa no solo alberga la Basílica moderna (la “nueva”), sino también la antigua iglesia de Nuestra Señora de Guadalupe y las capillas históricas

• Dirección: Fray Juan de Zumárraga No. 2, Villa Gustavo A. Madero, Gustavo A. Madero, 07050 Ciudad de México, CDMX
• Costo: Entrada libre (consultar costos para representaciones o recorridos especiales)
• Horario: Está abierta de lunes a domingo de 06:00 a 21:00 h
• Sitio web: https://virgendeguadalupe.org.mx/

2. Cablebús Línea 1

Representando la modernidad de la alcaldía, la Línea 1 del Cablebús no es solo un medio de transporte, sino una experiencia turística por sí misma. Esta ruta ofrece vistas panorámicas espectaculares, conectando puntos clave como Indios Verdes y Cuautepec. Es una ruta eficiente que recorre 9.2 km en 33 minutos. Es ideal para obtener una perspectiva diferente de la ciudad y apreciar el desarrollo urbano de la zona norte.

1. Dirección estación Indios Verdes: Calz. Ticomán 169, Col. Lindavista, Alcaldía Gustavo A. Madero, Ciudad de México
2. Costo: $7
3. Horario: Lunes a Viernes de 5:00 a 23:00 h. Sábados de 6:00 a 23:00 h. Domingos y días festivos de 7:00 a 23:00 h.

3. Museo de los Ferrocarrileros

Ubicado en la antigua estación de tren de La Villa, este museo es un espacio cultural fundamental para preservar la historia del gremio ferrocarrilero en México. Es ideal para visitar en familia y aprender sobre la vida en las vías y la importancia de este medio de transporte en el desarrollo del país.

• Dirección: Alberto Herrera s/n esq. Hidalgo y Aquiles Serdán, Col. Aragón La Villa, C.P. 07000
• Teléfono: 55 5118 6407
• Costo: Entrada gratuita
• Horario: Martes a domingo: 10 a.m- 17:00 p.m

4. Capilla del Pocito

Dentro del complejo de La Villa, esta pequeña joya arquitectónica es un monumento histórico de propiedad federal que vale la pena conocer. Su arquitectura de estilo barroco tardío y su planta circular la hacen única, siendo un punto clave en la tradición de las apariciones de la Virgen de Guadalupe.

• Dirección: Plaza de las Américas 2, Villa Gustavo A. Madero, Gustavo A. Madero, 07050 Ciudad de México, CDMX
• Teléfono: 55 5577 3844
• Costo: Gratuito
• Horario: Lunes a Domingo: 9:00 a.m. a 12:00 p.m., 4:00 p.m. a 6:00 p.m.

5. Museo de Geología y Paleontología

Para los curiosos de la ciencia y la historia natural, este museo ofrece una alternativa educativa y fascinante. Su acervo abarca temas de geología y paleontología, lo que lo convierte en un espacio diferente dentro de la oferta cultural de la GAM.

• Dirección: Calz. Ticomán 55, La Laguna Ticoman, Gustavo A. Madero, 07340 Ciudad de México, CDMX
• Teléfono: 55 5729 6000
• Costo: Entrada libre
• Horario: Lunes a viernes: 10:00 a.m- 18:00 p.m. Sábado: 10:00 a.m - 15:00 p.m. Domingo cerrado.

1. Centro de Tlalpan y Parroquia de San Agustín de las Cuevas

Lo primero que se debe hacer es dar un paseo por la plaza principal, donde se encuentra un hermoso kiosco en medio de bella vegetación y la Fuente del danzón. Es común encontrar un poco de música en vivo en este espacio, mercados el fin de semana y eventos de la alcaldía. Uno de los puntos imperdibles es recorrer el interior de la Parroquia de San Agustín de las Cuevas, la cual data del siglo XVI y fue fundada hace casi 500 años por una orden religiosa llegada de España. Lo más notable de la parroquia es su retablo barroco cubierto con hoja de oro. Cerca de ahí, los visitantes pueden encontrar diversas opciones gastronómicas con precios accesibles.

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• Dirección: Francisco I. Madero 10, Tlalpan Centro I, Tlalpan, 14000 Ciudad de México, CDMX

2. Zona arqueológica de Cuicuilco

Este sitio es fundamental para conocer una de las primeras civilizaciones de Mesoamérica, la cual fue sepultada por una erupción del volcán Xitle. La Zona Arqueológica de Cuicuilco es uno de los asentamientos más antiguos de Mesoamérica y posee un enorme valor histórico y cultural para la Ciudad de México. Fue fundada alrededor del año 800 a.C., marcando el inicio de un sistema urbano y religioso en el Valle de México. La estructura más emblemática del sitio es su pirámide circular, la cual es única en la arquitectura mesoamericana. Esta construcción escalonada sobresale en el paisaje y se cree que fue utilizada como centro ceremonial. Dentro del sitio se encuentra un pequeño museo donde se puede aprender más sobre la cultura de los habitantes prehispánicos.

Construcción y Época: Entre 800-600 a. C. (Época: 800 a. C. a 250 d. C).

• Horario: Martes a domingo 9 a.m.–5 p.m

3. La Casa Frissac

Situada en el centro de Tlalpan, La Casa Frissac es una joya arquitectónica y cultural que ha sido testigo de una rica historia, abarcando desde la época porfiriana. Esta imponente construcción de arquitectura europea se encuentra en la Plaza de la Constitución. Fue construida a finales del siglo XIX por don Jesús Pliego Frissac, un hacendado. Es una edificación de estilo francés muy elegante y clásico que frecuentemente alberga distintas actividades culturales. Hoy funciona como un centro cultural.

• Costo: Gratuita
• Horario: Toda la semana 8 a.m.–8 p.m
• Dirección: Calle Moneda sn, Tlalpan Centro I, Tlalpan, 14000 Ciudad de México, CDMX

4. El Bosque de Tlalpan

Es un área natural protegida que se encuentra al sur de la Ciudad de México y es uno de sus principales bosques urbanos. Consta de 253 hectáreas. Aunque fue inaugurado originalmente como zoológico en 1970 (con los animales presentes hasta 1988), hoy el parque alberga un centro cultural, áreas recreativas e instalaciones deportivas. Fue declarado área natural protegida desde 1997. El área alberga un ecosistema único que incluye matorral xerófilo y bosque de robles.

• Opciones de servicio: Pícnics y columpios
• Horario: 5 a.m.–5 p.m. (viernes, sábado, domingo, martes, miércoles, jueves). Lunes cerrado

5. Six Flags México

Six Flags México es un parque de diversiones ubicado en la Ciudad de México. Es el mayor parque de atracciones de la Ciudad de México y fue el primer parque de Six Flags en inaugurarse fuera de los Estados Unidos y Canadá. El parque abrió originalmente en 1982 como Reino Aventura y reabrió bajo la marca Six Flags en el año 2000, acompañado de una gama mejorada de juegos y atracciones. Cuando se convirtió en Six Flags, también fue el más grande de América Latina.

• Horario: 10 a.m.–12 a.m. (viernes, sábado, domingo, miércoles, jueves). Lunes y martes Cerrado
• Dirección: Carr. Picacho-Ajusco Km 1.5, Jardines del Ajusco, Tlalpan, 14219 Ciudad de México, CDMX

Brugada señaló que esta acción marca “una nueva etapa en la atención a la ciudadanía” y responde a la necesidad de que el gobierno capitalino esté más cerca de las y los chilangos en sus propias demarcaciones territoriales.

¿Qué es una ‘Casa de Gobierno’?

Una Casa de Gobierno es un nuevo modelo de centro de atención ciudadana y operativa que busca descentralizar las áreas del Gobierno de la CDMX, llevándolas directamente a las colonias y alcaldías.

Históricamente, el gobierno de la capital se concentraba en una sola estructura (el Departamento del Distrito Federal, antes de 1997), y aunque las delegaciones se transformaron en alcaldías, la jefa de gobierno argumenta que es vital que la ciudad “esté presente en todos los territorios” y cuente con equipos dedicados a servir a la población en sus propias localidades. Por ello, la primera casa de Gobierno en Coyoacán es el inicio de una red de 21 sedes que funcionarán como bases operativas y de atención directa.

La alcaldía Coyoacán es la primera de las 21 sedes que se planean construir a lo largo de las 16 alcaldías de la CDMX. Este esfuerzo busca no solo acercar las oficinas, sino también equipar al gobierno con la maquinaria y el personal necesario para garantizar un mantenimiento urbano eficiente.

¡La Casa de Gobierno de la Ciudad de México “Xotepingo” es una realidad! En #Coyoacán tenemos claro que la coordinación, con los distintos niveles y órdenes de gobierno, es la mejor estrategia para dar buenos resultados a la ciudadanía.

Agradezco a nuestra Jefa de Gobierno,… pic.twitter.com/yBAPtORONL

— Giovani Gutiérrez (@giogutierrezag) September 25, 2025

¿Con qué servicios contará la Casa de Gobierno de Coyoacán?

La Casa de Gobierno de Coyoacán (y las que le seguirán en las demás alcaldías) no solo acercarán la atención a la población, sino que también estarán equipadas para garantizar el mantenimiento urbano en la zona. Asimismo, dijeron que podrá haber todo tipo de trámites, desde la Secretaría de Vivienda hasta Consejería Jurídica.

La primera casa de Gobierno en Coyoacán, ubicada en la Antigua Planta de Bombeo DGCOH en Xotepingo, sienta las bases para un gobierno capitalino más accesible y con mayor capacidad de respuesta en las colonias.

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¿Qué habrá en la Casa Roja de Frida Kahlo?

Es importante mencionar que el recinto fue inaugurado hoy 25 de septiembre de 2025 con la misión de preservar y compartir la vida íntima y familiar de la artista Frida Kahlo.

Este espacio fue la residencia privada que adquirieron los padres de la artista y aunque como tal Frida Kahlo nunca vivió ahí, la casa siempre perteneció a su familia.

Por ende, la Casa Roja es un espacio que se fue adaptando con el rediseño de Rockwell Group, y que pretende exhibir material inédito como:

• Cartas
• Fotografías inéditas de la pintora y su familia
• Muñecas y juguetes de la época
• Joyería
• Ropa
• Pinturas exclusivas
• Objetos únicos

Aunado a esto, a muchos de los seguidores de Frida Kahlo les emocionará que la Casa Roja cuenta con espacios divididos, es decir, cocina, baño, recámaras y además, un sótano privado que servía como refugio, ahí se exhibirán algunas de las letras que la pintora solía redactarle a su familia.

¿Cuánto cuesta y en dónde se ubica la Casa Roja?

Sin duda alguna si pensamos en Coyoacán es casi imposible no imaginarnos a Frida Kahlo por sus calles empedradas, por lo que si te gusta ir de visita por el sur de la capital, no te puedes perder la Casa Roja de Frida Kahlo.

Ahora bien, si ubicas la Casa Azul no habrá mucho pierde pues la Casa Roja se ubica en la calle Aguayo 54, casi que a un lado de la primera. Los horarios para poder ingresar a este nuevo museo de Frida Kahlo es de miércoles a lunes de 9:00 a 18:00 hrs y los boletos los puedes adquirir en la página oficial del recinto con los siguientes precios:

• Entrada general: $270
• Ciudadanos mexicanos $130
• Estudiantes, adultos mayores, niños (as) menores de 12 años y personas con discapacidad: $65

Así que si eres fan de la artista y de su legado, te recomendamos visitarla lo más pronto posible para que seas de los y las primeras en ver la Casa Roja en vivo y a todo color, junto con las pertenencias de Frida Kahlo.

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1. El Zócalo y Centro Histórico

El Zócalo, también llamado Plaza de la Constitución, es el corazón del Centro Histórico y ha sido escenario de ceremonias oficiales y eventos culturales multitudinarios, conciertos masivos, entre otros. Tanta historia y cultura se encuentran reunidas en este espacio incomparable. Ahí se encuentra la Catedral Metropolitana y el Palacio Nacional. Su dirección es: Plaza de la Constitución S/N, Col. Centro, Alcaldía Cuauhtémoc, C.P. 06000, Ciudad de México.

2. Paseo de la Reforma y el Ángel de la Independencia

Es considerada una de las avenidas más hermosas de la ciudad, conecta el Bosque de Chapultepec con el Centro Histórico, está rodeada por edificios modernos (de los más altos de la ciudad) y monumentos. Es un lugar ideal para recorrer en bicicleta o caminar. Cuauhtémoc ofrece un oasis con ciclo-pistas y zonas adaptadas para ciclistas. Se puede visitar el Ángel de la Independencia, que es el punto focal de la avenida, junto con la Diana Cazadora y los nuevos rascacielos. Se encuentra en la colonia Juárez de esta alcaldía.

3. Palacio de Bellas Artes

El Palacio de Bellas Artes es un lugar en la ciudad imprescindible. Se trata de un impresionante edificio de mármol que destaca por su arquitectura Art Nouveau y Art Decó. Alberga exposiciones de arte y es sede del Ballet Folklórico de México. El museo en su interior guarda un vasto acervo de arte mexicano, incluyendo importantes murales de los muralistas más importantes en la historia de México. Para llegar hay que dirigirse a la avenida Juárez esquina con Eje Central Lázaro Cárdenas en la colonia Centro.

Costo y horario: De martes a domingo de 10:00 a 18:00 h y la entrada general está en $95 pesos por persona. Hay entrada libre para docentes y estudiantes con credencial vigente física o digital, personas adultas mayores con credencial, personas con discapacidad, jubiladas, pensionadas, menores de 13 años y miembros del ICOM. Los domingos, la entrada es gratis para público nacional y extranjero.

4. Monumento a la Revolución

Un monumento icónico de la ciudad construido en 1900, un mausoleo dedicado a la conmemoración de la Revolución mexicana. Se puede explorar el museo en su interior, que ofrece detalles sobre la historia de la Revolución Mexicana y al igual que se puede disfrutar de una vista panorámica desde su mirador. Se ubica en: Plaza de la República S/N, Col. Tabacalera, Alcaldía Cuauhtémoc, C.P. 06030, Ciudad de México.

Costo y Horario: El costo de la entrada es de $40 pesos para el mirador y $90 para la entrada completa, que incluye el museo y el mirador. De 12:00 a 20:00 horas de lunes a jueves, de 12:00 a 22:00 horas el viernes y sábado, y de 10:00 a 20:00 horas el domingo.

5. Museo del Templo Mayor

Uno de los numerosos museos que concentran la oferta cultural de la delegación. Este recinto es fundamental para entender la historia prehispánica. Se trata de un sitio arqueológico que permite explorar las ruinas del centro ceremonial de Tenochtitlán, la antigua capital mexica. Para visitarlo, hay que ir a la calle Seminario número 8 en la colonia Centro.

Costo y Horario: El costo de la entrada general es de $100 pesos. Para menores de 13 años, estudiantes, maestros, personas de la tercera edad, pensionados y jubilados, la entrada es libre. Los domingos la entrada es gratuita para visitantes nacionales y extranjeros residentes. El horario de visita es de martes a domingo de 9:00 a 17:00 horas.

Todo lo que debes saber de la expo de José José en CDMX

El intérprete de ‘La nave del olvido’ o ‘El triste’, José José, está siendo homenajeado con una expo en CDMX a la cual puedes entrar completamente GRATIS.

Proveniente de una familia de músicos, José José creció en un ambiente musical que lo llevó a envolverse en ello desde muy joven.

En 1969 sacó su primer disco solista pero no fue hasta que participó en el Festival de la Canción Latina que se lanzó al estrellato en América Latina y el mundo. Por lo que la expo contará esta historia y más sobre el legendario cantante José José.

La cita es en la Casa de Cultura Azcapotzalco, ubicada en avenida Azcapotzalco 605 en CDMX. Toma en cuenta el tiempo que estará porque durará solo dos meses, iniciando el 20 de septiembre de 2025 y estará disponible hasta el 20 de noviembre de 2025.

El horario en que podrás visitar la expo de ‘El Príncipe de la Canción’ es de 11:00 a 19:00 hrs de martes a domingo, ya que los lunes (como la mayoría de los museos) se encuentra cerrado.

@josejoseoficial

Estamos en la inauguración de La Colección Privada del Príncipe de la Canción 👑José José 👑 📆20 Septiembre al 20 Noviembre 2025 #josejose #elprincipedelacancion #josejoseporsiempre #josejoseoficial

♬ Gavilán o Paloma (Remasterizado) - José José

¿Qué se podrá ver en esta expo de José José?

Entre las curiosidades que podrás ver del cantante, se encuentran objetos únicos como:

• Discos con portadas icónicas
• Instrumentos utilizados por él
• Fotografías inéditas
• Premios que recibió el cantante

Finalmente, recuerda llegar con tiempo pues aunque la colección es pequeña, es importante mantener la calma para ver los objetos y que descubras a José José.

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¿Cómo participar en la carrera?

Esta carrera es una iniciativa del Museo de Antropología para acercar al público de una forma divertida y diferente a las culturas prehispánicas. A través de los disfraces de deidades como Quetzalcóatl, Huitzilopochtli o Coatlicue, los participantes podrán conectar con la riqueza de la historia de México.

Participar en esta carrera es muy sencillo y, lo más importante, es gratis. Lo único que necesitas es un disfraz de algún dios o diosa mesoamericana. La carrera está abierta para el público en general y hay tres categorías:

• Niños y niñas de 4 a 15 años
• Jóvenes de 16 a 24 años
• Público en general

Para registrarte, solo tienes que tomarte una foto con tu disfraz y enviarla, junto con una breve descripción de tu personaje, a los siguientes correos electrónicos: servs-edu.mna@inah.gob.mx y comunicacioneducativamna@gmail.com; una vez que hayas hecho el registro, recibirás un correo de confirmación. Te sugerimos checar la convocatoria completa para todos los detalles.

¡El Museo Nacional de Antropología celebra 61 años de grandeza histórica!🎉

Es uno de los más visitados en el mundo; resguarda y conserva la colección arqueológica y etnográfica más importante de México. Conócelo en tu próxima visita.

¡Feliz aniversario! 🥳 pic.twitter.com/y3hMFImBbs

— Secretaría de Turismo de la Ciudad de México (@turismocdmx) September 17, 2025

¿Cuándo será la carrera en el Museo de Antrosología?

Aparta la fecha en tu calendario. La carrera se llevará a cabo el próximo sábado 27 de diciembre a la 1:00 de la tarde. El evento tendrá lugar en la explanada del Museo de Antropología, ubicado en Avenida Paseo de la Reforma y Calzada Gandhi.

Así que ve preparando tu mejor disfraz y anímate a participar en este evento que celebra a uno de los museos más emblemáticos de nuestro país.

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1. Plaza San Jacinto y Bazar del Sábado

Este pintoresco lugar invita a un paseo tranquilo entre iglesias históricas. Los sábados, el ambiente se anima con la presencia del tradicional Bazar del Sábado, un evento imperdible para quienes buscan artesanías, arte y un ambiente festivo. Se ubica en la colonia San Ángel, con código postal 01000.

2. Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo

Sumérgete en el universo de dos de los artistas más icónicos de México. Visita las casas donde Diego Rivera y Frida Kahlo vivieron y crearon parte de su obra. Hoy, este espacio alberga piezas de su trabajo y objetos personales, permitiéndote un acercamiento íntimo a su legado y vida íntima. Además es una de las primeras obras funcionalistas en Latino América construida por el icónico arquitecto Juan O’Gorman. El costo general del museo es de $45 que se necesitan pagar en efectivo, menos para estudiantes y profesores, personas con discapacidad y niños menores a trece años. Los domingos hay entrada general gratuita. Su horario es de martes a domingo de 10:00 a 17:30 pm.

3. Museo Casa del Risco

Un sitio con una historia rica y una arquitectura deslumbrante. Este museo también funciona también como Centro Cultural Isidro Fabela, ofreciendo una variedad de exposiciones y eventos que enriquecen la oferta cultural de la zona. Su horario es de 10:00 a 17:00 pm de martes a domingo. La entrada es libre y se encuentra en la Plaza San Jacinto.

4. Iglesia y Ex-convento de San Jacinto

Esta joya arquitectónica es un punto de referencia histórico y cultural que se encuentra en el corazón de San Ángel. Su presencia añade un toque de serenidad y tradición al recorrido por la alcaldía. El templo es una de las primeras iglesias coloniales en la Ciudad de México. Visitar el ex-convento no tiene ningún costo y su horario es de Lunes a Domingo de 08:00 am a 20:00 pm.

5. Centro Cultural San Ángel

Ubicado también en la emblemática zona de San Ángel, en Av. Revolución, esquina con Francisco I. Madero, en la colonia San Ángel.Este centro cultural es un espacio dedicado a la exhibición de obras de arte y dentro de él se encuentra el Teatro López Tarso. Su cercanía a otros puntos de interés lo convierte en una parada esencial para los amantes de la cultura. Se puede visitar de lunes a domingo, de las 10:00 a 20:00 hrs.

De acuerdo a distintas fuentes, existe una disputa con los sindicatos del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL). Aquí te explicamos qué está pasando y cuáles museos están afectados.

¿Por qué cerrarán los museos del INBAL?

El cierre de los recintos culturales se debe a un conflicto con las secciones sindicales del INBAL. El problema central es que el personal sindicalizado ha solicitado que, en lugar de recibir la ropa de trabajo de manera física, se les entregue el equivalente monetario en una tarjeta electrónica para que ellos puedan comprarla por su cuenta.

Sin embargo, el INBAL ha comunicado que no puede cumplir con esta petición. La razón es simple: la normatividad vigente solo permite la entrega de ropa de trabajo en físico. Si bien la institución lamenta los inconvenientes, se mantiene firme en que no puede salirse de la ley para atender esta demanda de los sindicatos del INBAL. En lo que se resuelve esta situación, los museos INBAL permanecerán cerrados.

INBAL Informa

Derivado de inconformidades por parte de secciones sindicales, museos de la red del INBAL estarán cerrados temporalmente.
Lamentamos las afectaciones y reiteramos la disposición al diálogo.

👉https://t.co/qcP8vueUm5 pic.twitter.com/2hwsDCTzRU

— Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (@bellasartesinba) September 9, 2025

¿Qué museos están cerrados hasta nuevo aviso?

Aunque el INBAL no ha publicado una lista oficial de los recintos afectados, algunos medios han reportado que los cierres incluyen varios de los museos más importantes del país. Entre los que se mencionan están:

• El Palacio de Bellas Artes
• El Museo Nacional de Arte (Munal)
• El Centro Cultural del Bosque
• El Museo de Arte Moderno
• El Laboratorio Arte Alameda
• El Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo

En lo que se soluciona la disputa, te recomendamos estar al tanto de las redes sociales del INBAL para cualquier actualización sobre el estado de los museos INBAL.

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¿Qué hacer el finde en CDMX? Actividades GRATIS para todas las edades

Recuerda que distintas actividades son familiares, por lo que si quieres acudir con infancias puedes hacerlo sin problema, el chiste es aprovechar la mejor compañía que tengas para alejarte un poco de la realidad.

• Plan gratis en CDMX: Festival de la Enchilada 2025

Si te encuentras por el oriente de la CDMX este evento es para ti. Llega a Iztapalapa la edición 19 y lo mejor es que la inauguración es este 31 de agosto y finaliza el 7 de septiembre, por lo que hay tiempo para que aproveches dicho evento culinario.

• Entrada: GRATIS
• Lugar: Macroplaza del Jardín Cuitláhuac, San Lucas, Iztapalapa (cerca del metro Iztapalapa)

• Plan gratis en CDMX: Exposición de mujeres sonideras

Desde fotografías hasta proyecciones visuales, este fin de semana es la última oportunidad para ver esta exposición pues cerrará el 30 de agosto, así que planea tu visita con tiempo.

• Entrada: GRATIS
• Lugar: Centro Cultural El Rulé (Eje Central 6, Centro Histórico, CDMX)
• Horario: 9:00 a 19:00 hrs.

• Plan gratis en CDMX: Feria del Hongo

Entre las calles de la alcaldía Cuajimalpa, encontrarás el Festival del Hongo, donde encontrarás todo tipo de artículos relacionados e incluso música en vivo y gran variedad de platillos. Aprovecha esta oportunidad a partir del 29 hasta el 31 de agosto.

• Entrada: GRATIS
• Lugar: Explanada de la alcaldía Cuajimalpa
• Horario: 9:00 a 22:00 hrs

• Plan gratis en CDMX: Recorridos en bicicleta en Chapultepec

Si tu vehículo de dos ruedas ya necesita desempolvarse, esta es tu oportunidad. Prepara la bici y adéntrate a la segunda sección del Bosque de Chapultepec para conocer su historia este 30 de agosto.

• Entrada: GRATIS
• Lugar: De la Glorieta de la Lealtad hasta Los Pinos
• Horario: En punto de las 11:00 hrs

• Plan gratis en CDMX: Expo de Leonora Carrington

La exposición ‘Manifiesto mexicano: La construcción del arte moderno’ llega con piezas emblemáticas de la artista, aunque también cuenta con obras de Siqueiros, Diego Rivera y Manuel Felguérez. Todo el fin de semana estará abierto, así que aparta la fecha.

• Entrada: GRATIS
• Lugar: Galería Consgina en Kepler 101
• Horario: Viernes de 9:00 a 16:00 hrs, sábado y domingo de 11:00 a 16:00 hrs.

• Plan gratis en CDMX: Festival de cine Macabro

Si eres de los que aman el cine de terror no te puedes perder esta edición del Festival de Cine Macabro.

• Entrada: GRATIS
• Lugar: Distintas sedes
• Horarios: Dependiendo de la sede y pelis proyectadas

• Plan gratis en CDMX: Baile por el Día del Abuelo

Esta es la oportunidad perfecta para sacar a bailar a tu abuelito o abuelita y disfrutar de una mañana con ellos en buena compañía. Se presentara la Sonora Santanera con María Fernanda, aCerina y su Danzonera y muchos artistas más.

• Entrada: GRATIS
• Lugar: Estadio Jesús “Palillo” Martínez, en la alcaldía Iztacalco
• Horario: De 10:00 a 14:00 hrs

Noche de Museos agosto 2025

El miércoles 27 de agosto se vivirá la octava edición de las Noches de Museos que son los recintos culturales que tienen horarios extendidos para que miles de visitantes vayan a disfrutar distintos eventos especiales. Es por eso que te decimos cuáles son los museos más importantes para esta noche cultural.

• Noche de Museos: Museo Nacional de la Cruz Roja Mexicana

En esta ocasión, se contará con recorridos guiados para que la ciudadanía conozca su labor, principalmente. El horario es de 18:00 a 21:00 hrs y aunque el acceso es completamente gratis y libre, deberás registrarte mandando un correo a museo.nal@cruzrojamexicana.org.mx

• Noche de Museos: Museo Panteón De San Fernando

El recinto será sede del “Festival Afrodescendencias en la ciudad de México: Memoria histórica y resistencia”, donde además, se podrá disfrutar de cumbias rancheras a cargo de la banda “La Negra Mexa y sus cumbiancheras”. Todo a partir de las 18:30 hrs y la entrada es completamente libre y sin cupo limitado.

• Noche de Museos: Museo Nacional de las Culturas del Mundo

Una noche vibrante y musical con un concierto que transformará la literatura en sonidos con la presentación de Jairo Guerrero (Techxturas Sonoras). El horario es a partir de las 19:00 hrs, tampoco tiene límite de personas y es gratuito.

• Noche de Museos: Ex Convento de Culhuacán

El sur de la CDMX tampoco se queda atrás, y es que el convento con su aura un tanto oscura y de terror, tendrán visitas guiadas a partir de las 18:00 hrs y después disfrutarás de un trío de guitarra. La entrada es gratuita.

• Noche de Museos: FARO Aragón

Al norte de la ciudad no se pueden perder la proyección de ‘Perfume de Violetas’ y la cita es en punto de las 18:00 hrs. Para esta actividad requieres realizar un registro a través del correo servicios.culturales.faroaragon@gmail.com

Finalmente, puedes visitar el sitio oficial de Cultura CDMX para poder apartar la fecha y ver qué actividad es tu favorita. No olvides llegar con tiempo y avisarle a tu mejor compañía para que disfruten en comunidad.

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Nuevo Museo del Cacao y Chocolate en CDMX; ¿Qué ver?

En un lugar dentro del Centro Histórico de la capital, abrió el nuevo museo del Cacao y Chocolate, el cual cuenta con dos pisos completos para conocer la historia de este grano. El recorrido te meterá tanto en la historia, cultivo y producción del cacao y orígenes del chocolate que te pondrán a prueba.

Mientras recorres el museo, contarás con audioguía y sensores, es decir, además de escuchar información de las piezas y salas, podrás jugar y ver proyecciones que te cuenten sobre el cacao y chocolate. Incluso, podrás convertirte en un recolector profesional y un batidor de molino especialista.

Choco-Story Mexico
Museo del Cacao y Chocolate
(Choco-Story Zócalo). Ubicado en República de Guatemala 24, a tan solo unos pasos del Zócalo capitalino, el museo ofrecerá una experiencia única e inmersiva que celebra el legado histórico, cultural y gastronómico del cacao, con un… pic.twitter.com/QQpL1ZJwPx

— Revista D´ARTE (@RevistaDArte) August 19, 2025

Finalmente, luego de pasar todas las pruebas de aprendizaje, podrás disfrutar de una degustación de chocolate y de souvenirs que te hagan recordar esta increíble experiencia inmersiva.

¿Cuál es el secreto del Museo del Cacao y Chocolate?

De acuerdo con los guías del museo, pues este museo se encuentra justo donde se hicieron las primeras excavaciones por parte del INAH para encontrar restos del Huei Tzompantli.

Es decir, los Tzompantli eran estructuras de cráneos de guerreros derrotados, víctimas de sacrificios e incluso, equipos de pelota derrotados que se exhibían con fines rituales y triunfales entre otros. Eran columnas bastante comunes entre las distintas culturas de la antigua Mesoamérica.

¿Cuándo está abierto el Nuevo Museo del Cacao y Chocolate y cuánto cuesta la entrada?

El sitio oficial del museo menciona que están abiertos todos los días de 10:00 a 18:00 hrs, sin descanso ni días festivos. Para adquirir tus boletos puedes comprarlas desde el sitio web oficial, los precios son:

• Adultos: $300
• Niños y niñas de entre 6 y 12 años: $150
• Estudiantes: $200
• Niños y niñas menores de 6 años: Gratis
• Mexicanos: $250 por persona con INE
• Adultos mayores: $200

Así que planea tu visita con tu mejor compañía y disfruta de un viaje con las raíces de México.

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El montaje se arma con nueve escenas teatrales y dieciocho piezas pictóricas suspendidas en pleno escenario. Lo interesante no es solo la coexistencia de ambas disciplinas, sino la manera en que se retroalimentan: a veces la pintura completa lo que las palabras no pueden, y otras, la acción escénica le da vida a un trazo. El resultado es un viaje sensorial que rompe con la idea tradicional de “espectador pasivo”.

La historia sigue a una artista y a una niña en busca de un reloj mágico, una especie de brújula para el alma. Entre diálogos y colores, el relato se transforma en una metáfora sobre la creación artística, la pérdida y posible recuperación de la inocencia. En el elenco aparecen nombres que son peso pesado en la cultura mexicana, como Cecilia Toussaint, Assira Abbate, Hamlet Ramírez y Lucía Tinajero, dirigidos por Juan José Tagle y acompañados del diseño sonoro de Óscar Chapa.

Sofía no es una improvisada. Arquitecta por la UNAM y maestra en Artes Visuales por la Facultad de Artes y Diseño, ha llevado sus piezas a ciudades como Milán, Londres, París y Nueva York. En 2021, su propuesta “Los colores incompletos de México”, donde sillas se convierten en lienzos interactivos, le valió el reconocimiento del Luxembourg Art Prize.

No está sola en esta oleada de artistas que están empujando el arte mexicano hacia nuevos territorios. Ahí están Tania Candiani, fusionando disciplinas en bienales internacionales; Pedro Reyes, con sus proyectos visuales y activistas en Nueva York y Berlín; o Gabriela Ruvalcaba, que ha tendido puentes entre el arte indígena mexicano y museos europeos.

Pero “No me sigas, yo también estoy perdida” tiene algo distinto: no solo propone ver arte, sino vivirlo. Es una invitación a perderse para encontrarse, a romper las fronteras entre el escenario y el lienzo, y a confirmar que el arte en México no está quieto… está en plena reinvención.

Todo lo que necesitas saber del Festival Internacional Cervantino 2025

La edición número 53 del Festival Internacional Cervantino cada día se acerca más, y es que del 10 al 26 de octubre llegarán al estado de Guanajuato una de los festivales culturales más esperados de la temporada. En esta ocasión, los invitados especiales son Reino Unido y Veracruz, y se encargarán de traer a los espectáculos más grandes para el Festival Cervantino.

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Entre los artistas y celebridades que se darán lugar en el mismo son:

• Nathy Peluso
• Julieta Venegas
• Sam Eastmond
• Africa Express
• Adrián Oetiker
• La Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato

El INBAL, presente en la edición 53 edición del Festival Internacional Cervantino (FIC)

Hoy, en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes, se presentó la programación oficial del FIC, edición reunirá a 88 compañías de 21 países y ofrecerá 140 funciones en nueve disciplinas:… pic.twitter.com/yvGmHaSueu

— Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (@bellasartesinba) August 4, 2025

Los precios de los boletos varían y se encuentran entre los 150 y 1200 pesos mexicanos, pero los abonos tienen un costo de alrededor de $4500 por persona. Los precios determinan qué tipo de experiencias deseas tener y a qué se puede tener acceso dentro del Festival Internacional Cervantino 2025.

Por otro lado, algunas de las actividades que se podrán disfrutar serán:

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• Conciertos
• Obras de teatro
• Danza
• Ópera
• Artes visuales

La edición 53 del Festival Internacional Cervantino promete ser una experiencia única e inolvidable, llena de cultura, arte y una vibrante mezcla de tradiciones. Con una programación de primer nivel, la edición 2025 del Cervantino no solo celebra la riqueza de la cultura mexicana, sino que también brinda un espacio para la colaboración internacional, destacando el talento de Reino Unido y Veracruz.

Ya sea que busques disfrutar de conciertos emocionantes, obras teatrales de calidad o exploraciones artísticas visuales, este festival tiene algo para todos. No te pierdas la oportunidad de ser parte de uno de los eventos culturales más importantes del mundo.

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¿Qué habrá en el Fan Fest Lucha Libre?

El Fan Fest lucha libre no es solo una oportunidad para disfrutar de la lucha libre en vivo, sino también un evento que celebra la rica historia de este deporte. En el Centro Histórico de la Ciudad de México, se llevará a cabo La Extraña Lucha, un evento organizado por el restaurante temático La Extraña Pizza que promete una experiencia inolvidable para todos los aficionados de la lucha libre.

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En este Fan Fest lucha libre, luchadores de gran renombre como Soberano Jr, Kira, Blue Panther Jr, Dark Panther y Hijo de Blue Panther se reunirán para convivir con los fans, firmar autógrafos y tomarse fotografías. Además de la interacción con las estrellas del ring, los asistentes podrán disfrutar de una proyección de cine clásico mexicano en la que se rinde homenaje a las leyendas de la lucha libre, transportando a todos a una época dorada llena de acción y emoción.

Y eso no es todo: el Fan Fest lucha libre también contará con un menú especial, que incluirá una deliciosa pizza individual y refrescantes bebidas frías, perfectas para acompañar la jornada. Los asistentes tendrán la oportunidad de llevarse recuerdos del evento con la mercancía temática exclusiva para verdaderos amantes de la lucha libre.

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¿Cuándo se hará y cuánto cuesta la entrada al Fan Fest lucha libre?

La cita para este gran evento será el próximo 31 de agosto, a partir de las 12:00 horas, en el restaurante temático La Extraña Pizza, ubicado en Jesús María 42, Centro Histórico de la Ciudad de México.

Lo mejor de todo es que la entrada es completamente libre, lo que significa que todos los aficionados podrán disfrutar de la fiesta de lucha libre sin costo alguno. Sin embargo, quienes deseen disfrutar de la comida especial del evento, pueden reservar a través de las redes sociales del restaurante, donde también se podrá obtener un menú temático exclusivo que incluirá una figura de luchador.

Este evento es una oportunidad perfecta para los fans de la lucha libre de conectarse con la historia de este deporte y disfrutar de una experiencia única que mezcla adrenalina, cultura y tradición. Así que, si eres fanático de la lucha libre mexicana, no puedes dejar pasar la oportunidad de asistir al Fan Fest lucha libre en el corazón de la Ciudad de México.

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En esta historia los personajes deambulan en la sombra, al borde del abismo. Lo demás, una ciudad que no termina de comerse a sí misma.

Sobre Luis Buñuel, no creo que fuera su intención construir personajes de ese tamaño, y no podemos negarle esa gloria que solo los genios se saben con ella. Puede que arrancara fragmentos de ese otro tiempo, cuando la Ciudad de México apenas y crecía y daba, valiente, sus primeros pasos hacia un futuro incierto. Avanzamos de frente a pesar de la más injusta ignorancia que entonces nos envolvía y muy probable siga envolviéndonos hasta nuestros días.

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Me gusta pensar que cualquier metrópoli conocida, por superior que se dijera entonces, no conocía siquiera sus propios límites como la nuestra. París, Nueva York, Londres… qué iban a venir a enseñar al mundo sobre el porvenir.

El aura de Los olvidados no la tiene cualquiera, es el lugar cúspide de dignos y elegantes organilleros, hoy música de una ciudad perdida. 

El Jaibo no ha nacido, desconocemos el paradero de su existencia. He aquí a un personaje, un niño. Pálido y flaco, encamina sus pasos a la edad adulta guiado por las más profunda miseria, esa que le llevará a la tragedia sin castigo ni absolución. Crece solo, al margen de edificaciones que se elevan en un cielo traslucido, apenas tocado por la luz solar.

Su figura es escape y muerte. La cárcel correccional que le enjaula no hace sino preparar el golpe que dejará caer sobre inocentes fuera de ella. Su destino está sellado desde el arranque. Alexis Huerta, en su texto “Ira y venganza en Los olvidados”, lo ve como una criatura hobbesiana: hombre reducido a lobo, movido por la fuerza, la rabia y la venganza como única forma de vida.

Y sin embargo, hay algo más, el Jaibo es también la cara oscura de Nietzsche. No el superhombre, sino su sombra, alguien libre de toda moral, pero atrapado en un vacío sin trascendencia. Vive sin culpa, sin deber y sin dios. Libertad sin restricción, el ácido que todo corroe, empezando por sí mismo.

Jaibo Sísifo de la miseria, ese ciclo repetido hasta el cansancio. Uno muere, otro aparece. No hay grandeza en su caída. Repetición absurda. El mundo no espera que Jaibo lo entienda, solo que lance dentelladas. Es destino y furia.

La muerte de el Jaibo no es justicia, sino administración de la miseria. Un cadáver más en la estadística. Octavio Paz lo vio con claridad en su lectura de la película, especialmente durante el enfrentamiento con Pedro. No es una lucha moral, sino una colisión entre azar, hambre y destino. El Jaibo no cae por castigo, es destino natural.

Buñuel no da respiro. No ofrece redención. Coloca su cámara frente a un espejo que nadie quiere mirar. Jaibo interminable.

El Jaibo es personaje y advertencia. La pobreza niega el derecho a la condición humana y en el trayecto golpetea todo lo demás.

El baldío donde el Jaibo mata a Julián no es ciudad ni campo, están al margen. El verdadero mapa.

Te contamos cuál es la fecha, hora y sede de este Gran remate de Libros y Películas 2025 y cómo será la dinámica.

Gran Remate de Libros y Películas 2025: todo lo que tienes que saber

El Monumento a la Revolución será la sede oficial del Gran remate de Libros y Películas 2025. Este espacio permite que la atmósfera de libros, películas y discos tenga un plus.

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De acuerdo con la Secretaría de Cultura y la Brigada Para Leer en Libertad, menciona que el ‘Gran remate de libros y películas 2025’ tiene como objetivo reactivar la circulación de libros, discos y películas que no se vendieron en distintas librerías. Los costos van a rondar entre los $10 y $200 mexicanos y entre las editoriales se presentarán:

• Fondo de Cultura Económicca
• Pentagrama
• Editorial Algarabía
• Penguin Random House
• Panini
• Planeta

¡Salva un libro, no dejes que lo destruyan! 📚💔

Del 13 al 17 de agosto se llevará a cabo la 20° edición del Gran Remate de Libros, Discos y Películas en el Monumento a la Revolución.

Organizado por la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México en colaboración con la… pic.twitter.com/BKauLxxgQI

— Secretaría de Cultura de la Ciudad de México (@CulturaCiudadMx) July 29, 2025

El ‘Gran remate de Libros y Películas 2025’ se llevará a cabo del 13 al 17 de agosto de 11:00 a 21:00 hrs en la explanada del Monumento a la Revolución. Por lo que serán 5 días donde se podrán encontrar un sinfin de títulos de todas las categorías como:

• Libros infantiles
• Literatura juvenil
• Libros para colorear
• Revistas de divulgación científica
• Libros especializados

Asimismo, en el ‘Gran remate de Libros y Películas 2025 se podrán comprar viniles, pelis, ilustraciones, rompecabezas, artículos de papelería, pines, cómics y muchas otras cositas más. Recuerda que la entrada es libre y en su mayoría, aceptarán efectivo para que vayas preparado antes de cualquier cosa.

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Este no es un texto cualquiera. He pasado las últimas dos semanas escuchando como degenerado El Pluggg 3 OVA 1. Es un hechizo, me ha encantado. Me siento dentro de un bucle levantando pesas sin que llegue al fallo. El Nintendo que mis padres nunca me compraron, las maquinitas de la esquina, el carrusel inmóvil, los chicos que saludaban desde la esquina durante mi infancia, sospechosos, siempre en pantalones holgados y cadenas colgando, desprendiendo humo. Yo no crecí en un barrio tan pobre, pero había joseo, claro que sí.

El Pluggg 3 OVA 1, estado sostenido, relato eléctrico enchufado a su dueño. Cause I’m for real, papi, Yung Beef.

El lenguaje del trap es curioso, algo mañoso. El plug, lo que conecta. Él tiene lo que buscas. Drogas, armas, datos. También es un botón pegado al culo. Soy el que mueve la línea, Yung Beef mueve esta idea hasta el lado opuesto. Porque ya no es solo el que reparte, sino el que abre una especie de puerta entre realidades. Álbum metafísico que obliga a mirar la realidad actual de nosotros, generación nacida y criada en los noventa. Los verdaderos noventa.

He venido escribiendo este texto desde hace un par de semanas pero no sabía cómo. Solo lo escuchaba, como hago ahora. Enciende el viaje, entra en el trance. Un cuerpo, el beat, una sustancia.

«Dile a Diosito’el tiene to’organizao, que él sabe, él tiene to’ òrganizao». No hay religión pero sí entrega. Eso que te conecta con lo que tú no puedes controlar. El algoritmo, la muerte y un loop eterno. Eso a mí me ha conectado con El Pluggg 3 OVA 1. El nombre es un conjuro, la consagración que te devuelve la fortaleza que ese mundo de mierda te arrebata a poco que te descuides. EEEEEEEEEEELLLL PLUGGG.

El Plug dealer y médium. Una interfaz de la defensa. Mira eso. «Si quieres guerra, guarra, yo te la declaro, le doy besito’ después de que me coma to’ el rabo, Alejandrito Rauw». ¡Ja!

«320 voltios guarra soy el plug». «Es una Warra sucia del Sur». Es increíble la devoción que Yung Beef tiene por el Sur (Granada, 1990). ¿Qué dirían los editores de Punto de Partida? Se correrían en sus propios pantalones ahora mismo, según ellos y su reciente convocatoria para hablar del ‘sur’.

Resuena voz diluida. Autotune del Yung Beef más espectral. El efecto es extraño. No hay entusiasmo. La derrota reina y eso a mí me encanta, no tienes idea. Nuestra generación representada en un bucle. ¿Alguna vez creímos que cambiaríamos algo?

En “Zkittlez” dice: “A veces ya ni sé qué hacer / ’Toy en esto desde los cassette”. Es una línea casi ceremonial. Confirma un desgaste que suena más antiguo que su propia voz. Lleva tanto tiempo repitiéndose que el presente ya no parece un lugar nuevo, sino un pasillo largo, un sueño compartido que nadie puede interrumpir.

Escuchar El Pluggg 3 OVA 1 se vuelve ejercicio metafísico. En su insistencia su aura te transforma… “Pheel Koolin”, rendición frente a la estructura mayor. La Geometría del Vínculo, me gusta decirle yo. Eso a lo que estamos todos conectados, una forma inexorable, amigo.

’The Comedian’ la obra de arte que ha sido comida en varias ocasiones

Un asistente al museo Pompidou Metz ubicado en Francia, decidió comer la obra mediática ‘The Comedian’ el pasado sábado. Todo ocurrió mientras el visitante daba un recorrido en la exposición llamada ‘Un Dimanche sans fin’ de la que formaba parte la fruta.

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La banana está pegada a un muro con una cinta adhesiva con la intención de ver cómo cambia de forma conforme el tiempo pasa. Esta obra representa, de acuerdo con Emmanuel Perrotin (autor de la misma) un símbolo del comercio mundial, en ese doble sentido de humor.

Muchos se cuestionan el valor tan alto de la obra de arte de la banana, pues la inversión para ella fue de alrededor de 1 euro, y desde el año pasado, se valuó en 6,2 millones de dólares luego de que un multimillonario empresario de criptomonedas la adquiriera en una subasta.

🇫🇷 ALERTE INFO I Ce samedi 12 juillet. Au centre Pompidou de Metz (Moselle), un visiteur a décroché Comedian, l'œuvre conceptuelle de Maurizio Cattelan... avant de l'engloutir.

🍌Il s'agit d'une banane accrochée à un mur blanc, à l'aide d'un ruban adhésif gris.

💸L'oeuvre… pic.twitter.com/rulMxYllBJ

— NEWS & TRUTH (@TheNews_fr) July 18, 2025

Finalmente el hombre despegó sin más la banana, la peló y se la comió al momento en que dijo ‘estar asombrado y hambriento’. El museo mencionó que sus servicios de seguridad actuaron rápidamente y con la calma debida, pero que inmediatamente fue instalada de nuevo.

Aunque no se dieron a conocer las sanciones o la multa por “dañar” la obra de arte de la banana, lo único que expresó el recinto fue que ‘The Comedian’ con este tipo de actos, sube su valor económico.

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¿Dónde se exhibirán los objetos originales por la NASA?

La exposición Estación Espacial Papalote llega al Papalote Museo del Niño. Se trata de una nueva experiencia inmersiva dirigida a las infancias que les invita a convertirse en astronautas, científicos, ingenieros y más, todo relacionado con el espacio.

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Las niñas y los niños se unen en una misión que es viajar a Europa, en donde se observan las lunas de Júpiter y otros fenómenos astronómicos.

La experiencia inmersiva cuenta con 16 salas pensadas para las infancias, entre ellas 14 para niñas y niños de 6 a 12 años y 2 salas restantes para las primeras infancias, es decir, de 2 a 5 años. La exposición con objetos reales de la NASA permite diversas actividades como:

• El diseño y lanzamiento de cohetes espaciales
• La conducción de rovers sobre una superficie lunar simulada
• La coordinación del abastecimiento de oxígeno de la estación espacial
• El descubrimiento de su próxima misión interplanetaria

🌌 ¿Listos para despegar?

Una nueva misión espacial llega a Papalote.
Prepárate para explorar… muy pronto. 🚀#EstaciónEspacialPapalote #MuyPronto #VacacionesEnPapalote pic.twitter.com/gYZgbwgTYY

— Papalote Museo (@Papalote_Museo) July 12, 2025

¿Cuándo dura esta exposición con objetos reales de la NASA?

De acuerdo con el Papalote Museo del Niño, la exposición con objetos reales de la NASA llamada ‘Estación Espacial Papalote’ durará hasta julio 2026, por lo que hay tiempo de llevar a los peques de la casa a dicho museo.

El costo de la entrada es de $220 por persona y los horarios son de martes a viernes de 10:00 a 18:00 hrs y sábados y domingos de 10:00 a 19:00 hrs. Así que no esperes tanto para que los niños y niñas puedan ver esta expo e imaginar y saber que es posible llegar al espacio y soñar en grande.

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No dio entrevistas, los premios no le interesaron. No se prodigaba en círculos literarios ni firmaba ejemplares. Vivía aislado, escribía en silencio. Dejaba que sus novelas dijeran lo que hubiera acaso qué decir de él. Cormac McCarthy fue un escritor carente de marketing. Odiaba la presencia en los medios. Repudió las concesiones al gusto comercial. Y sin embargo, su obra trastocó los cimientos de la narrativa estadounidense contemporánea. Pocos autores llevaron el lenguaje tan lejos. Cormac puso a prueba al lector con tal rigor moral, qué duda cabe. En su estela quedaron la violencia sin redención, la frontera como ruina y un estilo que parecía dictado desde otra época.

El origen: sangre celta, tierras del sur

Nació como Charles Joseph McCarthy Jr. el 20 de julio de 1933 en Providence, Rhode Island, en el seno de una familia católica de origen irlandés. Su padre era abogado y en 1937 la familia se mudó a Knoxville, Tennessee, donde pasó su infancia. Luego, decidió abandonar su nombre de pila, y nombrarse a sí mismo “Cormac”. Intrigante disfraz. A veces lo que uno se inventa es más real que lo que a uno le pasa. Tomó el nombre de una leyenda celta, el Rey Cormac mac Airt de la sede Real de Irlanda. El gesto contenía algo fundacional: una renuncia al ciudadano común, una declaración de intenciones literaria. Lo celta, lo remoto, lo antiguo, empezaría a operar como resonancia profunda.

Años de sombra: el escritor sin lectores

La Universidad fue breve en Tennessee. Después vino la Fuerza Aérea. Sirvió en Alaska, y más tarde una ida y vuelta a los estudios y nuevamente los volvió a dejar. La escritura se instaló como eje y sin retribución visible. Su primera novela, The Orchard Keeper (1965), lo hizo acreedor al William Faulkner Foundation Award, aunque sin impacto comercial. Luego vinieron Outer Dark (1968), Child of God (1973) y Suttree (1979). Todas se publicaron sin ruido, aunque mostraban ya una voz definida, esa oscuridad moral, el lenguaje afilado. Personajes al borde de la degradación y escenarios sureños corroídos por el abandono. La influencia de Faulkner era palpable, pero McCarthy no imitaba. Buscaba explorar la descomposición completa de cualquier mito redentor.

La frontera como abismo y revelación

En 1985 publicó Blood Meridian, una novela ambientada en la frontera entre EE.UU. y México, protagonizada por un joven sin nombre y por el Juez Holden, personaje que encarna la violencia absoluta, sin sentido ni justificación. Aparece también Glanton, personaje histórico que McCarthy se encarga de reescribir de manera magistral. Glanton se convierte en un ser oscuro y malvado, también el más conspicuo, brillante pero aterrador.

Aquí el lenguaje se alargó hasta alcanzar una cadencia bíblica. «Está escrito en total poesía», me dijo mi amigo, el escritor mexicano, Jesús Navarrete Lezama, que dicho sea de paso, agradezco sinceramente haberme inducido en la mística de Cormac. Las descripciones se volvieron hipnóticas y el español comenzó a insertarse sin traducir, como parte de una realidad bilingüe que se asume, no se interpreta. La novela fue ignorada por el mercado pero pronto se volvió objeto de culto. Hoy es una de las obras fundamentales del siglo XX. En ella, la frontera no es límite sino abismo.

El renacimiento: cuando todo cambió

En 1992, a sus casi 60 años, McCarthy publicó All the Pretty Horses. Por primera vez tuvo ventas significativas. Ganó el National Book Award y el National Book Critics Circle Award. La novela inauguró la llamada “Trilogía de la frontera”, completada con The Crossing (1994) y Cities of the Plain (1998). Los protagonistas son jóvenes vaqueros que cabalgan entre la nostalgia y el desencanto. Se habla mucho, pero no se explica nada. La frontera sigue allí, ahora como pérdida.

Del silencio al eco en Hollywood

En 2005 aparece No Country for Old Men. McCarthy la concibe como novela y guion a la vez. Los hermanos Coen la adaptaron al cine en 2007, llevándose sendos premios: cuatro Óscar, incluyendo Mejor Película. En 2006, McCarthy publica The Road, una narración posapocalíptica entre un padre y su hijo. Con ella, gana el Premio Pulitzer y el James Tait Black Memorial Prize. La adaptación cinematográfica llegaría en 2009 con Viggo Mortensen como protagonista.

El final filosófico: ciencia, muerte y lenguaje

En 2022, tras 16 años de silencio, McCarthy publica The Passenger y Stella Maris, dos novelas interconectadas que giran en torno al duelo, la matemática, la física cuántica, la culpa y el lenguaje como trampa. El lenguaje técnico se mezcla con la filosofía y el dolor personal. Ya no hay viajes ni pistolas. Sólo pensamiento, memoria, locura. Es el cierre de una obra que comenzó entre la tierra y el fango, y termina mirando a la materia y al vacío.

Lo que dijo Eduardo Lago: la belleza brutal

Eduardo Lago (Babelia) consideró que con McCarthy se cierra una era de la narrativa americana. Lo comparó con Faulkner, pero reconoció una voz propia, acaso menos barroca, más seca, pero igual de implacable. Destacó Blood Meridian como su obra mayor. Observó que, a pesar de la violencia constante, la obra de McCarthy no es nihilista, sino animada por una forma de búsqueda, aunque sin garantía de hallazgo. Su estética, dijo, es la de una “belleza brutal”. Subrayó también que el éxito le llegó tarde, cuando ya había escrito lo esencial. Nunca buscó fama ni pertenencia. Fue ajeno a su tiempo.

El legado de un salvaje bíblico

Cormac McCarthy murió en 2023, a los 89 años. Deja una obra que abarca el gótico sureño, el western, el apocalipsis y la novela filosófica, sin pertenecer del todo a ningún género. Su estilo es reconocible de inmediato, de frases largas, puntuación elíptica, oraciones que reptan hasta volverse sentencia. Fue traducido, filmado, premiado. Pero más allá de eso, redefinió el espacio narrativo de la violencia, el paisaje y la culpa. En sus novelas no hay redención, pero hay verdad. A veces escuece. A veces quema. Pero está ahí, como en la escritura que no pide permiso ni perdón.

En McCarthy tanto su obra como la prosa que la compone se reduce a hombre, camino y miedo. Y en ese vacío, por horrendo que parezca, yace un lazo inseparable.

Este famoso personaje de la televisión mexicana, creado por Roberto Gómez Bolaños en los años 70, ha logrado traspasar fronteras, y ahora, una de sus representaciones más icónicas, en forma de alcancía, está siendo exhibida en Londres, en uno de los museos más prestigiosos del mundo.

¿Por qué exhiben una pieza del Chavo del 8 en el Museo Británico?

La razón por la que el Museo Británico exhibe una pieza del Chavo del 8 radica en el enorme impacto cultural que este personaje sigue teniendo no solo en México, sino a nivel mundial. El Chavo del 8, creado por Roberto Gómez Bolaños, es un referente de la cultura popular mexicana que continúa generando cariño y nostalgia, especialmente entre quienes crecieron viendo la serie.

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La alcancía que ahora se encuentra en el museo británico representa al querido Chavo en su característica pose: sentado sobre un barril y sosteniendo una torta de jamón, lo que evoca a generaciones enteras. La pieza, que fue fabricada en México, lleva grabado el nombre “El Chavo” en el barril, lo que añade aún más valor sentimental.

La exhibición de esta pieza no solo resalta la influencia de El Chavo del 8 en la cultura mexicana, sino también su importancia internacional.

Es impresionante cómo una pieza tan simple, como una alcancía, se ha convertido en un símbolo de la cultura mexicana en uno de los museos más importantes del mundo. La exhibición de esta pieza del Chavo del 8 en el Museo Británico no solo muestra la popularidad de la serie en México, sino también cómo la cultura mexicana sigue ganando espacio en los escenarios internacionales.

¿Desde cuándo se exhibe la pieza del Chavo del 8 en el Museo Británico?

La alcancía de El Chavo del 8 ha estado en el Museo Británico desde principios de 2025, y ha generado una ola de comentarios positivos en redes sociales. Los seguidores de la serie, y en particular los fanáticos de la cultura mexicana, no han dejado de compartir su emoción por ver un pedacito de su infancia y de su país representado en un museo tan relevante a nivel mundial.

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Aunque la pieza fue fabricada en México, con una antigüedad estimada de 2012 o incluso anterior, lo cierto es que su exhibición en un espacio tan importante como el Museo Británico subraya la globalización de la cultura popular mexicana y cómo, incluso los objetos cotidianos, pueden tener un valor artístico y cultural que traspase fronteras. Puedes visitar el sitio oficial del museo para poder ver de cerca esta pieza.

Desde que se dio a conocer la noticia, las redes sociales han estallado con comentarios de orgullo. Los fans del Chavo del 8 han expresado lo importante que es ver a su personaje querido en una vitrina de un museo tan relevante, y muchos han resaltado lo especial que es ver la cultura mexicana representada en Londres.

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Los ojos de esas figuras no tienen nada humano. Demonios, fieros, como si llevaran dentro antiguos ritos ocultos, sacrificios silenciosos. Owens no esconde su devoción por la oscuridad, sus motivaciones ocultistas. En su obra también integra el talento de Joseph Beuys, de Gustav Moreau, de Steven Parrino. Habla de símbolos que no son adornos sino llaves para abrir puertas que no se ven. La pasarela es un altar. Cada paso, un conjuro. Cada gota de agua, una maldición consagrada.

Esto no es un desfile, es un teatro de la crueldad donde cada figura encarna un fragmento de peste emocional. Sus trajes parecen cápsulas selladas con veneno que no mata de inmediato, pero corroe con paciencia. Owens no diseña prendas: compone fábulas de carne y escombro, un repertorio de flagelos íntimos. Sus modelos avanzan como si arrastraran ataúdes invisibles, portadores de un germen que ninguna civilización puede erradicar.

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Algunas siluetas recuerdan los médicos de la Peste Negra, pero sin máscaras que filtren el espanto. La tela es un sudario consciente de su propia podredumbre. Cada costura parece un injerto extraído del Gabinete del Doctor Caligari: ángulos imposibles, sombras que reptan en silencio, un claroscuro que convierte los cuerpos en epitafios móviles. Todo está dispuesto para que el espectador se reconozca en ese colapso sin remedio.

Michelle Lamy camina con él en esa procesión de sombras. No es musa, es cómplice, sombra gemela, la voz sin voz que sostiene el colapso. Sin ella, Owens no sería ese animal que repta en la noche incierta. Heraldo de la ruina y la decadencia que despliega arte brutal con menuda libertad. Ella le da la fuerza para no retroceder, para que el fuego siga quemando.

El Palais Galliera se transforma en un altar profanado, un espacio helado donde las piezas son reliquias de una civilización que cae. Armaduras negras, muebles que parecen trozos de escombros, fragmentos de un mundo que se derrumba de forma inevitable como la realidad misma. Cada silueta recuerda el desgaste, la muerte que ronda diario. Tras la espalda nos persiguen sombras, también tenemos dos alas y dos puñaladas; en el corazón espinas que no puedes sacarlas, diría el trapero español, y, dicho sea de paso, entusiasta recalcitrante de las creaciones de Owens, Sticky M.A.

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Este es el rito de la caída, un bautismo en el abismo de oscuridad infinita. Owens no ofrece luz ni camino, solo la certeza de que todo termina y que la única manera de seguir es arder hasta el último aliento.

No es un desfile. Es un exorcismo público. Un incendio que consume el templo de la vanidad y la esperanza. Rick Owens no hace moda, sino acaso algo más cercano a un ritual maldito de piezas hechas con sombras y armaduras. Los Ojos demoniacos.

¿Qué museos estarán cerrados en vacaciones de verano?

Durante el verano, la UNAM se toma un periodo vacacional administrativo que incluye a sus museos y recintos culturales. Este año, el cierre durará aproximadamente tres semanas. Los siguientes museos cerrados en vacaciones de verano son:

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• Museo UNAM Hoy – cerrado del 5 al 26 de julio.
• Museo Palacio de la Escuela de Medicina – cerrado del 5 al 27 de julio.

• Museo de Geología – estará cerrado del 7 al 28 de julio.
• Museo de las Constituciones – cerrará del 5 al 29 de julio.
• Pabellón Nacional de la Biodiversidad – cierra del 5 al 28 de julio.

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• Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) – cierra del 5 al 29 de julio.
• Casa del Lago UNAM – cerrará del 5 al 29 de julio.
• Museo Universitario del Chopo – el cierre será del 5 al 29 de julio.

Es importante mencionar que el Universum también tendrá un cierre, pero por otros motivos. Este recinto estará cerrado del 9 al 13 de julio debido a trabajos en el lugar. Sin embargo, abrirá nuevamente y entre el 16 de julio y el 31 de agosto ofrecerá muchas actividades para niños y niñas.

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¡Mucho ojo! 👁

Queremos vernos lo mejor posible para ti. 🥰
¡Anota las fechas en las que Universum cerrará sus puertas! ✍️🗓

Recuerda que el museo abre de miércoles a domingo, en un horario de 10:00 a 17:00 horas. ☝️
¡Te esperamos! 💙🪐 pic.twitter.com/67x0RUcAtx

— Universum Museo (@UniversumMuseo) July 1, 2025

¿Por qué los museos cierran en verano?

Los museos cerrados en vacaciones de verano suelen hacerlo para llevar a cabo mantenimiento, renovaciones y preparativos para nuevas exposiciones. Este periodo vacacional administrativo permite a los recintos culturales realizar trabajos necesarios para mejorar la experiencia de los visitantes.

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Además, es un tiempo en el que se pueden organizar actividades especiales y eventos para el público una vez que reabran.

Recuerda que entre el 5 y el 27 de julio, el acceso al Universum será por Avenida del Imán. Así que, si planeas visitar alguno de estos museos cerrados en vacaciones de verano, asegúrate de revisar las fechas y planificar tu visita para después de su reapertura. ¡Ya están todos listos para vacacionar! Las vacaciones de verano de los niños y niñas inician el 17 de julio y concluyen el 31 de agosto.

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En esta entrevista, Cortés profundizo en cómo abordó la tensión constante de su personaje, Lucas, en este thriller claustrofóbico que explora el acoso laboral y los códigos machistas en el ámbito de oficina.

La tensión de Lucas: encarnando el estrés laboral

Desde el inicio, “Partida” sumerge al espectador en un ambiente de alta presión, donde Lucas y Zúñiga, dos empleados, se enfrentan a la inminente pérdida de su trabajo. Quetzalli Cortés nos detalló la preparación para interpretar la tensión que irradia su personaje, Lucas, quien se percibe como el más estresado de la encrucijada laboral. “Desde la primera vez que leí el texto era muy evidente que era muy complejo”, afirmo Cortés, destacando la necesidad de profundizar más allá de los diálogos superficiales para capturar la esencia de la película.

La cinta, dirigida por Luis Ayhllón, se sumerge en las profundidades de la ansiedad generada por la incertidumbre laboral, donde “uno de los dos se puede quedar sin trabajo”. Cortés nos explicó cómo su personaje, Lucas, aunque joven, ve a Zúñiga como un mentor, pero la cruda realidad de la competencia y la presión de sobrevivir en un entorno laboral tóxico los empuja a pasar por encima del otro.

Un universo patriarcal y el humor negro dentro de la película

Quetzalli Cortés abordó cómo fue interpretar a un personaje en un “universo sumamente patriarcal”, un ambiente ajeno a su propia experiencia personal. Sin embargo, el actor señaló la universalidad de la temática, con espectadores que se le acercaron para comentar: “mi oficina sí es horrible, es horrible y peor”.

La película también destaca por su humor negro y una estética surrealista que, a pesar de reflejar una realidad palpable, logra una atmósfera que “te va haciendo chiquito”. Cortés explicó el desafío de equilibrar el drama serio y estresante con elementos absurdos, satíricos y divertidos, como la memorable escena del baile. Este balance se logró gracias a la visión de Ayhllón, quien apuesta por un “cine de actores” donde la interpretación recae completamente en el elenco.

Formación teatral y la química en el set

La sólida formación teatral de Quetzalli Cortés, con estudios en La Casa Azul y en Oxford, fue fundamental para el desarrollo de su personaje. Cortés nos describió su enfoque como un “caja de herramientas”, donde cada proyecto exige diferentes instrumentos. El actor subrayó la importancia de “no juzgar” al personaje permitiendo vivir su propia experiencia, incluso cuando sus diálogos, como los de Lucas sobre los migrantes, contradicen sus propias convicciones como persona.

La filmación de “Partida” en las instalaciones de TV UNAM añadió una capa de autenticidad y desafío, dada la naturaleza independiente de la producción. Cortés nos relató la impresionante química entre los tres actores (Rodrigo Vázquez, Álvaro Guerrero y el mismo), quienes, a pesar de la intensidad en pantalla, lograron un ambiente de “disfrute” y “confianza” fuera de escena.

“Partida” ¿un material didáctico para oficinas?

Nuestra entrevista culminó con una reflexión sobre el mensaje de “la película. Aunque Quetzalli Cortés reconoce que el director prefiere que el espectador complete su propia experiencia, la película ofrece una crítica social innegable, que es la propia realidad de mucha gente en sus trabajos.

Es una realidad que después de ver “Partida” llegó a nosotros la reflexión de que podría servir de ejemplo e incluso como “material didáctico” para empresas, ya que aborda los peligros del poder desmedido y el abuso en el ambiente laboral. La película, que ha recibido premios por mejor largometraje, demuestra cómo el arte puede ser un espejo que, a través de la ficción, genera una crítica profunda al sistema.

A pesar de su naturaleza independiente y la búsqueda de una distribución comercial, Quetzalli Cortés nos comentó que le encantaría que el filme llegue a la mayor cantidad de personas posible, trascendiendo las fronteras de las oficinas para provocar una reflexión sobre las dinámicas de poder y las consecuencias de la explotación en cualquier ámbito.

¿Por qué cerró sus puertas el museo Dolores Olmedo?

El museo Dolores Olmedo cerró en 2021 para iniciar un proceso de restauración y modernización. Este esfuerzo busca garantizar que el acervo, que incluye no solo obras de Kahlo y Rivera, sino también piezas de Angelina Beloff y Pablo O’Higgins, se presente de la mejor manera posible en la sede que fundó la coleccionista mexicana.

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En un comunicado, el museo enfatizó que “La Noria es y seguirá siendo la casa de Dolores Olmedo”, y que su vocación se renovará para la expresión artística y el valor comunitario y socioambiental.

Desde su cierre, se han llevado a cabo proyectos de registro, catalogación y preservación digital de las colecciones prehispánicas y populares, así como de la biblioteca y archivo personal de Dolores Olmedo. Esto ha permitido que el museo Dolores Olmedo esté en constante evolución y preparado para ofrecer una experiencia enriquecedora a sus visitantes.

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— Museo Dolores Olmedo (@elolmedo_mx) July 4, 2025

¿Cuándo reabrirán el museo Dolores Olmedo?

La buena noticia es que el museo Dolores Olmedo tiene programada su reapertura para el año 2026. Durante este tiempo, se están acondicionando nuevos espacios y se está desarrollando un nuevo proyecto museográfico que promete sorprender a todos los amantes del arte.

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Además, el museo ha anunciado que colaborará con el Instituto de Investigaciones Estéticas de la Universidad Nacional Autónoma de México y está en diálogo constante con el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura.

Mientras tanto, el museo Dolores Olmedo también ha mantenido viva la tradición de la Ofrenda del día Muertos, que se organiza anualmente, aunque en 2022 se comunicó que se mantendría como una iniciativa con el parque Aztlán. Esto demuestra el compromiso del museo con la cultura y las tradiciones mexicanas, incluso durante su cierre.

En resumen, aunque el museo Dolores Olmedo esté cerrado por el momento, su reapertura en 2026 promete ser un evento significativo para todos los que valoran el arte y la cultura en nuestro país. Mantente atento a las novedades y no te pierdas la oportunidad de visitar este icónico museo cuando vuelva a abrir sus puertas.

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«Al “Chapo” Guzmán, al Mayo Zambada, al Azul, Amado Carrillo». Nombres que hacen temblar a cualquiera. A él no. Los vio de cerca, los saludó en fiestas donde la cocaína llegaba en bandejas. Le regalaron relojes con diamantes, guantes de box valorados en ochenta mil dólares, cortesías de quienes mandan en la sierra.

Chávez contó que en más de una ocasión la invitación no era una simple cortesía. Llegaban tres camionetas con hombres armados y una frase ultimátum: “El patrón quiere verte. ¿Vas o te llevamos?”. En Sinaloa, no asistir es una forma de firmar tu sentencia.

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Durante años, su fama era una forma de escudo. Ídolo popular intocable. El campeón que salía en portadas mientras, en privado, se debatía entre el vértigo de la gloria, el cansancio, las adicciones. “Todo mundo sabe que en Culiacán están los narcotraficantes más buscados… y son mis amigos, pero amigos nada más”, aclaró. Y en esa delgada línea tan difusa entre la amistad y la conveniencia, recae el mito.

Lo que para muchos sería una deshonra, para él era el lugar que lo formó. Basta con recordar esa portentosa estatua del Gran Campeón en el centro culichi: el boxeador nacido en Sonora, criado y hecho en Sinaloa, antiguamente llamados los estados hermanos del oeste. Vaya nombre, a qué negarlo. No como confesión, sino como una verdad de su época: “Me regalaban droga, relojes, lo que fuera… pero nunca tuve necesidad de involucrarme con ellos”. Y cada vez que lo acusaron de lavar dinero o servir de fachada, su respuesta fue sincera, casi con fastidio: “Nunca estuve metido en su negocio”.

La versión oficial , es decir, la suya, es que jamás cruzó el umbral del crimen organizado. Dice que su único vínculo fue la admiración que estos hombres sentían por el campeón. La misma admiración que, irónicamente, lo convirtió en rehén de un sistema donde todo se compra: voluntades, silencios, nombres.

Julio César Chávez no pide disculpas por esos años. Hay honor. Tampoco se victimiza, esas no son las formas de un Gran Campeón. En su relato, se dibuja la figura de un hombre que aprendió a navegar entre dos mundos: el ring donde era invencible y la realidad sinaloense donde la lealtad al capo es una verdad

Su historia no es una anécdota más de narcotráfico. Es un retrato de lo cotidiano.

Así que si buscas un plan cultural completamente entretenido, esta es la oportunidad perfecta para explorar distintos recintos culturales desde otro punto de vista.

Noche de Museos junio 2025: danza, conciertos, lypsinc y más

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• Archivo General de la Nación: danza y memoria LGBT+

A partir de las 7:00 PM, el Archivo General de la Nación, abrirá sus puertas para presentar una exposición juto a un documental sobre el movimiento LGBT+ a finales del siglo XX. Asimismo, se presentará la Compañía de Danza ‘México de Colores’. Todo sin costo alguno.

La danza de colores llega al @AGNMéxico, además podrás conocer documentos ligados al movimiento LGBT, en esta #NochedeMuseos
25/06
19 y 19:30H
Sin costo
Cupo: 130 p.
Registro: 5518123855
Eduardo Molina 113 pic.twitter.com/kE1HVFX0x9

— Noche de Museos CDMX (@nochedemuseos) June 16, 2025

• Museo del Estanquillo: DJ Set para todes

El Museo del Estanquillo presenta a Andrómeda & Suculenta, drag queens que hacen DJ Set y que pondrán a bailar a todes sus asistentes. El cupo es limitado a 70 personas y la cita es a partir de las 7:00 PM. ¡No te lo pierdas!

En el @m_estanquillo encontrarás todo para una #NocheDeMuseos con presentación editorial, visitas, talleres y un Dj Set.
25/06
De 18 a 21 H
Entrada Libre
+ info en el cartel

Inf.: 5555213052 etx.101https://t.co/sbwRex18lq
Isabel La Católica 26 pic.twitter.com/701brbgXul

— Noche de Museos CDMX (@nochedemuseos) June 20, 2025

• FARO Azcapotzalco: cine, lypsinc y debate

La visibilidad y celebración del orgullo LGBT+ contará con un performance de lypsinc y proyección de la película ‘La Chica Danesa’. Cerrarán con broche de oro con un conservatorio sobre la representación trans en el arte y la concepción de elles en la vida cotidiana. El cupo es limitado, por lo que te sugerimos llegar con tiempo.

Esta #NocheDeMuseos la @FAROAzcapo te espera con un performance de lipsync y la película “La chica Danesa”.
¡Participa en el conversatorio final!

25/06
Desde las17H
E. Libre
+ info en el cartel
Aforo 50 p

Info: @faroazcapotzalco pic.twitter.com/ITGz2wLUTA

— Noche de Museos CDMX (@nochedemuseos) June 20, 2025

• Museo Archivo de la Fotografía: paisajes, discursos y libertad

La comunidad LGBT+ podrá disfrutar tres exposiciones que exploran la vida cotidiana y el autoconocimiento de los cuerpos. Estas tres son: ‘Paisajes íntimos del deseo’; ‘En mi cama mando yo’ y ‘Discursos sin Miedo’. La entrada es completamente gratuita y el cupo será limitado a 100 personas.

¿Cuándo es la Noche de Museos de junio 2025 con motivo del Pride?

Las noches de museos siempre son el último miércoles de cada mes. En esta ocasión la fecha es el próximo 25 de junio 2025 para que vayas apartando la fecha y viendo qué actividad es tu favorita.

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Una experiencia teatral inolvidable

Led Zepillín promete una noche llena de risa, asombro y rock n’ roll. Esta cautivadora obra de teatro musical te invita a reflexionar sobre los límites del amor y la delgada línea entre la devoción y la obsesión.

Elenco y producción

Bajo la dramaturgia y dirección de Mauricio Estrada, esta producción de Teatro Etéreo cuenta con un talentoso elenco conformado por Melanie Borgez, Angie McAstel, Laura Luna, Dekko Mohar, Jaime Botello y Mauricio Estrada (alternando funciones). La asistencia de dirección corre a cargo de Ruth Hernández y el diseño de imagen es de Daniel Muciño.

Fechas, horarios y ubicación

No te pierdas Led Zepillín en la Temporada de Teatro en verano en la emblemática Casa Fuerte del Indio Fernández.

• Fechas: Disponible hasta el 27 de julio de 2025
• Funciones:
• Viernes y sábados: A partir de las 19:00 horas (funciones cada media hora)
• Domingos: A partir de las 18:00 horas (funciones cada media hora)
• Lugar: Calle Zaragoza No. 51 esquina Dulce Olivia, colonia Santa Catarina, cerca del Metro Miguel Ángel de Quevedo.
• Boletos en la taquilla: $150
• Edad mínima recomendada: 15 años

Sobre el Teatro Etéreo

Este fue fundado en 2006 por Mauricio Estrada y con la posterior incorporación de creativos como Ruth Hernández, Daniel Muciño y Luis Miguel Zamora, ha enriquecido la escena teatral con diversas puestas en escena, incluyendo Ultravioleta, Entre la muerte y lo etéreo, Historias de amor para soñadores, La grieta, Escapistas, El tango del patrón, Apología de Caín, Delirio, Autostop y Eduard y Dios, consolidándose como una compañía destacada en el panorama teatral.

Ballet de Alebrijes en CDMX: ‘Alebrisueños’ llega a Chapultepec

¿Qué pasa cuando el ballet clásico se encuentra con la imaginación desbordante de los alebrijes? La respuesta es Alebrisueños, una experiencia escénica que transforma el escenario en un espacio de fantasía, humor y sanación emocional. Este espectáculo, protagonizado exclusivamente por bailarines hombres, llega a la CDMX con dos funciones imperdibles en el Teatro de la Danza Guillermina Bravo.

Las fechas programadas son:

• 27 de junio a las 13:00 y 20:00 horas
• 28 de junio a las 13:00 y 19:00 horas

El recinto se ubica en Reforma y Campo Marte s/n, en el corazón del bosque de Chapultepec. Las entradas ya están disponibles con un costo general de $157.43 pesos, y hay descuentos del 50% para estudiantes, docentes y adultos mayores con credencial INAPAM.

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Alebrisueños es más que un espectáculo de danza: es un homenaje visual al legado de Pedro Linares, creador de los míticos alebrijes, y al poder simbólico de los sueños como fuerza transformadora. La historia es narrada a través de personajes que rompen con los roles de género tradicionales, explorando el amor, la identidad y la libertad desde una perspectiva profundamente humana y lúdica.

Este montaje forma parte de la Muestra de Prácticas Coreográficas De(s)generadas LGBTIQ+, un programa cultural que celebra la diversidad sexual y de género en el marco del Mes del Orgullo. La inclusión de Alebrisueños en esta cartelera no es casual: su propuesta coreográfica abraza las disidencias, mezcla lo fantástico con lo íntimo y cuestiona desde la danza lo que damos por sentado sobre quién puede ser qué en escena.

Además, esta presentación compartirá cartel con Minkus Gala, una celebración de la danza clásica que complementa la oferta artística de la temporada.

Si estás buscando algo diferente para este junio, que te haga reír, soñar y quizás hasta cuestionarte un par de cosas, Alebrisueños es ese plan.

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Como parte de esta celebración, el festival abre con un hito histórico: el estreno de Soy Frankelda, el primer largometraje mexicano realizado en técnica stop-motion. La película, dirigida por los hermanos Roy y Arturo Ambriz, narra la historia de una escritora del siglo XIX que, en forma de fantasma, se adentra en un mundo habitado por monstruos creados por su imaginación. El proyecto ha contado con el respaldo de Guillermo del Toro, cineasta tapatío de talla mundial.

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Del Toro, considerado padrino del estudio mexicano Cinema Fantasma, ha apoyado a los creadores desde sus primeros trabajos. Hoy, con Soy Frankelda, ese respaldo se ve cristalizado en una obra que no solo inaugura el FICG, sino que también tendrá su estreno internacional en el Festival de Cine de Animación de Annecy, en Francia, uno de los que cuenta con alto renombre en su género.

Portugal, el país invitado en edición 40 del FICG

La edición 40 del FICG también tendrá a Portugal como país invitado, con 13 películas distribuidas en distintas secciones competitivas, además de paneles, exposiciones y conversatorios. Por su parte, el cine mexicano tendrá presencia destacada con competencias como el Premio Mezcal, que reconoce lo mejor de la producción nacional, y el Premio Maguey, enfocado en cine LGBTQ+, que llega a su décimo cuarta edición.

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El terror y la fantasía como nueva categoría

Esta edición marca el inicio de una nueva categoría dedicada a los géneros de terror, fantasía, horror y ciencia ficción, con el objetivo de ampliar horizontes y responder a los intereses del público actual. La directora del festival, Estrella Araiza, ha señalado que parte del compromiso del FICG es mantenerse en evolución constante, tanto en la curaduría como en los procesos de selección y diálogo cinematográfico.

Dolores Heredia y Denisse de Belanova, las homenajeadas

Entre los homenajes destacados, figuran nombres como Dolores Heredia, quien recibirá el Mayahuel de Plata por sus 40 años de trayectoria en el cine, y Denisse Guerrero, vocalista de Belanova, cuya carrera será celebrada con un documental y una exposición artística. También será reconocida la actriz chilena Daniela Vega, figura clave del cine LGBTQ+, y el cineasta español Juan Antonio Bayona, autor de La sociedad de la nieve.

También hay premio para los videojuegos

Por segundo año consecutivo, el FICG incorpora un espacio para los videojuegos a través del programa FICG Games, que busca reconocer las nuevas narrativas interactivas surgidas desde la industria del gaming, especialmente en una ciudad como Guadalajara, que se ha convertido en un nodo clave para el desarrollo de videojuegos en México.

¿Por qué los museos del INAH han cerrado inesperadamente?

Al menos seis recintos culturales pertenecientes al Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) a cargo de Diego Prieto, tuvieron que cerrar sus puertas en la CDMX. Esto afectó a visitantes y a quienes estaban laborando pues todo sucedió sin precedentes.

De acuerdo con distintas fuentes oficiales, se difundió que el pasado 30 de mayo el INAH decidió contratar a una nueva empresa para encargarse de la seguridad en museos y zonas arqueológicas del país. La empresa seleccionada fue SSS Asistencia y Supervisión, en colaboración con Sistemas Prácticos en Seguridad Privada.

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Además, el INAH confirmó que en estados como Guanajuato, Tamaulipas y Zacatecas el servicio estará a cargo de otra compañía: Grupo de Seguridad Privada Pryse de México.

El cambio generó incertidumbre este lunes, ya que en varios recintos culturales no se presentó personal de custodia. Entre los espacios afectados están el Museo Nacional de Antropología, el Museo del Templo Mayor, el Castillo de Chapultepec y otros museos importantes de la capital. Trabajadores del INAH estuvieron pendientes durante la jornada para saber si este martes se regularizaría la llegada de los nuevos guardias.

Algunos empleados buscaron respuestas por la mañana con Pedro Alberto Velázquez Castro, nuevo director de Seguridad y Resguardo del Patrimonio Cultural del INAH, pero aseguraron que se negó a hablar con ellos. Esta situación causó molestia entre el personal, ya que consideran que la falta de custodios pone en riesgo el patrimonio cultural del país.

Hay algo que me preocupó, y son los avisos de cierres temporales de tres museos en la Ciudad de México. 1.- Museo del Carmen en San Ángel, 2.- Museo del Caracol en Chapultepec y 3.- Museo Nacional de las Intervenciones en Churubusco. Esperemos qué INAH se pronuncie al respecto. pic.twitter.com/JNZR64yNfZ

— Lizbeth Carolina (@LizbethCaro07) June 4, 2025

¿Qué museos del INAH se encuentran cerrados?

Entre los museos del INAH que han cerrado sus puertas inesperadamente se encuentran:

• Museo Nacional de Antropología
• Museo del Templo Mayor
• Castillo de Chapultepec
• Museo de las Intervenciones
• Museo de El Carmen

Acerca de esto ninguna autoridad ha mencionado nada al respecto, sin embargo, los encargados se seguridad dijeron “Principalmente es una cuestión de seguridad para el patrimonio, los visitantes, ya que queremos proveer el mejor servicio y por el momento muchos recintos del INAH no pueden brindar esa garantía, ante cualquier emergencia es mejor que no podamos abrir al público”.

Habrá que seguir de cerca el caso sobre el cierre de estos museos y las respuestas que puedan ofrecer las autoridades correspondientes para esclarecer el caso y que no se vean afectados los trabajadores de los museos, así como visitantes.

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